LA CLÍNICA DEL DOCTOR ROBER

DÉCIMA VÍCTIMA - Resumen (Dro-GASA 1994)

2011-11-09T05:28:00.001-08:00

No me creo que la décima víctima sea yo, una víctima no puede ser víctima si escucha una de las músicas más geniales del siglo XX. Sencillamente nos podríamos sentir orgullosos de acontecer al más increíble acontecimiento de nuestros tiempos.

La historia de este grupo se pierde en la noche de los tiempos, como se pierde mi predilección por los temas oscuros y escabrosos. Cuando descubrí este grupo tenía una manía por los grupos raros, como sigo manteniéndola ahora mismo. Entonces iba a la Plaza Nueva de Bilbao a buscar discos “nuevos”, y pongos esa palabra entre comillas porque no buscaba lo nuevo, sino lo genuino.

Décima Víctima es uno de esos casos en que la música prevalece sobre los gustos mundanos de la sociedad imperante. Esto lo vivimos hoy día, en que la gente no sabe decidir lo que está bien o mal, y tampoco sabe distinguir lo que es válido de lo que es prescindible.

El referente histórico-musical más claro es Joy Division, y no son un ejemplo a seguir en cuanto a visión de miras, ya que Joy Division es un grupo basado en la melancolía y la depresión. Pero claro, estamos viviendo los ochenta como consecuencia de los convulsos sententa, en los que la época punk daba una salida rabiosa a una situación desesperada en la juventud de la época. Los Joy Division acabaron con la muerte de Ian Curtis en 1980, y los Décima Víctima cogieron el testigo en 1981 con su primer trabajo “Sumido en la depresión”. Se mascaba en el ambiente la obsesión por un cadáver fresco y el sueño de ser recordados en décadas posteriores. Los Décima Víctima atraparon el testigo de los olvidados y los olvidados respondieron mucho más tarde con el recuerdo y el reconocimiento, aunque sólo sea de unos pocos.

Con el disco “Resumen”, la discográfica “Dro” aglutinan perfectamente todo el material de Décima Víctima a través de la discográfica GASA. Los sonidos son perfectamente obsesivos, depresivos y llenos de fuerza: todo a la vez. Sus diecisiete temas aglutinan lo mejor de esta banda maldita.

Comencemos con el primer tema: “Noviembre”. Es un tema pesado y con un bajo plomizo. La guitarra hace que tengamos esa sensación plumbia que ellos desean que tengamos. Pero lo más notorio es que el vocalista canta en español hablándonos de papeles que vuelan con el viento preinvernal.

Seguimos con el segundo tema, que toca un tema religioso, con “El signo de la cruz”, que habla de un tema recurrente en la fe de la España de la época y de toda la cristiandad: la crucifixión y la gente que sin querer nada en especial ni prentenderlo, sufren unas llagas y estigmas en sus manos y sabe que hay otro mundo en su interior…

Tercer tema: quizá es el tema que más recuerda a la banda de Manchester. “Tan Lejos” habla de una separación por propia iniciativa mutua, y la canción da una sensación de soledad a distancia separada a muchos kilómetros de distancia.

Cuarto tema: “Más allá del silencio”. Seguimos en la tónica de los silencios con significados ocultos, o simplemente sólo es una forma de atrapar a los depresivos de profesión. Me recuerda a alguna canción del disco “Unknown Pleasures” de Joy Division, en concreto “Candidate” pero ésta es sin letra. Una canción instrumental bastante interesante con alguna voz de ultratumba producida por algún efecto de eco retardado.

Quinto tema: “Escombros de un triunfo”, habla de la clase de persona que está pensando en un tiempo mejor, cuando ese alguien tuvo un gran triunfo, la música sigue siendo obsesiva y depresiva, nos da la impresión de estar viviendo en un día lluvioso que se repite hasta la saciedad. Pero el estribillo es lo más aterrador: “duele no tener a quién culpar, duele ver las huellas de tu edad…”

Sexto tema: “Almas perdidas”, quizás es uno de los temas más interesantes, ya que habla sobre los fantasmas que existen voluntariamente o involuntariamente, ya que más bien yo creo que esas almas se alimentan de las inseguridades de los vivos. Hay una frase clave en la canción: “vagarán con el dolor…”. El ambiente se vuelve aún más obscuro y sórdido con la caja de ritmos que fríamente repite un ritmo constante, la guitarra y el teclado repiten un patrón acompañando a la base rítmica. Es uno de los temas imprescindibles del recopilatorio.

Séptimo tema: “Desde el acantilado”, ralentiza el sopor aún más, y comienza con dos guitarras adornadas con efectos de ola de sonido. Un buen símil para comparar el ambiente que crea esta canción es un acantilado golpeado por las olas en una mañana gris, con esa bruma que se levanta del oleaje, una cortina blanquecina, de la que parece que salen fantasmas.

Octavo tema: “Detrás de la mirada”, comienza con un ritmo inquietante para el escuchante que se torna a trepidante. Los sintetizadores enfatizan los finales de los estribillos. Esta canción habla sobre el enfrentamiento de dos personas que antes fueron amigas, el tiempo siempre mella en la amistad de las personas por diversas circunstancias, por falta de comunicación, por falta de trato, o simplemente por algún desengaño o mentira. El tema explica muy bien el duelo que sienten dos personas que hace mucho tiempo que no se ven.

Noveno tema: “Un lugar en el pasado”. Es ya una tónica en las canciones de Décima Víctima, hablar de nostalgias, recuerdos, odios, pasiones…Volvemos a la misma temática que “Escombros de un triunfo”, sólo que en este caso, no lo dramatizan tanto, se reduce a comentar que: “lo que queda en la memoria tiene un aire melancólico…”. Es una canción que atrapa, y es la sección rítmica junto con toda la instrumentación que constituyen una apisonadora sónica.

Décimo tema “Fuera del alcance de la vista”. Otra vez caemos en el agujero de las nostalgias y las inseguridades del ser humano. En este caso el comienzo es más rotundo y la batería se hace más patente, y en este caso ya no es una caja de ritmos. Estamos ya en junio de 1983 y el sonido se va haciendo más asfixiante. Los fantasmas de la mente siguen siendo un tema recurrente. Aquí se llega a vislumbrar el fenómeno de los espectros en la oscuridad, sombras que se enlazan sin ritmo…

Undécimo tema: “Sobre otra ruta”. Cambiamos de año y nos colocamos en marzo de 1984, y el sonido se hace más áspero, y parece que el ambiente ya no habla de tierras húmedas, da la impresión de que nos adentramos en un mundo donde se ruedan películas del oeste, salimos de la ciudad, y ponemos rumbo a otras ciudades. Las guitarras son sórdidas y sucias, el canto del momento es el del equilibrista que oscila sobre una peonza que pierde fuerza en su giro.

Duodécimo tema: “Tierra negra”. Un sonido desencantado describe la vida de un trabajador del campo, que destoza sus manos recogiendo las cosechas, y dobla sus lomos de sol a sol. Otro personaje más para el desencanto reinante en los ochenta, donde ya se vislumbraba la decadencia de la clase obrera. Hoy día hemos llegado a esto de la resignación gracias a las falsas ilusiones. El aldeano de la canción sueña con una mujer y con ser millonario. Todo cuadra.

Decimotercer tema: “La frontera perdida”. En un mundo en el que los límites se han traspasado y no se sabe dónde está la frontera entre el bien y el mal, surge la nueva ola, que en muchos casos fue una basura con la única razón de vender moda y peluquería. Pero en la nueva ola española, hubo gente como Décima Víctima que no cuajaron precisamente por eso, por tener apellidos españoles y haber nacido en una tierra equivocada, si hubieran salido de Manchester, otro gallo les hubiera cantado. Al acabar este tema se va diluyendo hasta caer en un agujero invisible en nuestra mente.

Decimocuarto tema: “Una vez más”. Si pudiéramos imaginarnos colores con las canciones, esta canción sería de un color azulado y morado, con tintes ligeramente anaranjados, justo antes del amanecer en que esas nubes heladas de la mañana van tomando colores de lo más variados. El viento polar es la fuerza de Décima Víctima; todos los instrumentos se ponen de acuerdo para bajarnos la moral por los suelos y arrancarnos nuestros sueños positivos. No hay esperanza. Eso sí, la sensación es hermosa, en la oscuridad hay una clase de esperanza que no existe en la luz. La diferencia es que todo es más intenso.

Decimoquinto tema: “Un hombre solo”. Es la canción más famosa de Décima Víctima. El tema es bien claro, un equilibrista de trapecio, una lona insuficiente, una muchedumbre que alimenta su propio morbo. El ritmo agresivo, guitarras punzantes, nos cuenta que el “Pan y Circo” sigue muy vigente; desde el circo romano hasta nuestros días, en los que un hombre se pone delante de una bestia, nos hacen reflexionar en que a la hora de la verdad sólo los más fuertes sobreviven, y estamos completamente solos, nacemos solos y morimos solos con nuestra soledad. El mundo es hostil, pero aceptémoslo, las ilusiones son humanas y son esas ilusiones las que nos hacen vivir.

Decimosexto tema: “En la rebelión”. La necesidad de la rebelión se pierde en la noche de los tiempos, en los que siempre ha habido pirámides, algunas físicas y otras medievales, que duran hasta nuestros días, llamándole “lucha de clases”. Las monarquías han ido evolucionando para irse mimetizando en empresas, bancos y gobiernos poderosos. Esto me recuerda que el espíritu de Espartaco está totalmente vigente.

Decimoséptimo tema: “Es sólo el comienzo”. Es una paradoja cuando acabamos algo, y queremos empezar otra cosa, es como si todo tuviera una continuación y todo estuviera unido por hilos invisibles, ideas que nos vienen de no se sabe muy bien dónde. La canción habla otra vez sobre el comienzo de los primeros rechazos de los demás ante el que es diferente. En realidad nuestra sociedad es la más deshumanizada de todas las que viven en la faz de la tierra; no se da oportunidad al que realmente vale, y ésa es la peor de todas las exclusiones.

Al hilo de esto último que he dicho, el poco interés que suscitaron grupos como Décima Víctima, Alphaville o Parálisis Permanente, no me extraña en absoluto. La crisis no sólo es económica, es espiritual. La desilusión no es mala en sí, es sólo una reacción hacia lo injusto. Brindo por la libertad y la justicia. La paz es para los cementerios.

THE TXINBITO EXPERIENCE 20110730

2011-07-31T07:09:00.000-07:00

El infierno no es un mal lugar para pasar el rato y tampoco lo es el Txinbito. Cuando estaba llegando me imaginaba que la banda de dixie iba a a estar por ahí tocando en el muelle amenizando a los asistentes, pero la gente lo que tenía ganas era de entrar y refrigerarse. El refrigerio consistía en una barra libre de un ron que patrocinaba el evento –Sailor Jerry Spiced Rum-, con lo que estamos hablando de que cuando se abrieron las compuertas del barquito la gente casi se abalanza sobre la barra… ¡Qué locura Mari Puri!

Primero nos situamos en la popa, para enseguida pasar a la pasarela del barco, y luego hasta la proa a emular los enamorados del Titanic. La gente fue muy comedida en general, hasta que se fue cociendo a fuego lento a eso de la primera hora; la travesía ayudaba a relajar la vista y las aguas estaban tranquilas, las farolas nos saludaban al pasar, el juego de luces al pasar por la zona pija de Neguri, y hasta fuegos artificiales, qué más se puede pedir… Pero claro, aquí no acaba todo.

Como todas las fiestas, primero se va tomando contacto con la gente que está, la gente que no ha venido, hola qué tal estás, yo bien y tú, mucha niña mona pero ninguna sola, eso que suenan son los Scorpions, ah sí… Qué recuerdos… Joder, ¿ya has visto cuánta cámara hay? Qué es de tu vida tío, hace mucho tiempo que no te veo, ya veo que bien, porque siempre me dices lo mismo. Pero va a ser el momento de tomar el primer trago de mojito o de cubata cuando el ánimo se va a caldear, y como no hay forma de tomar otra cosa, no hay discusión posible.

La fiesta comienza con el grupo de dixie “Hot In Town Jazzmen”, que les tocó la parte más difícil que es empezar a calentar el ambiente; el grupo es muy bueno musicalmente pero no llegan a conectar con el público, sea lo más destacable las partes rápidas donde se anima la fiesta jazzera. En estos momentos no se movía el barco por el oleaje del Abra.

Es una hora más tarde, y los ¿Runaway Lovers? No están, están de vacaciones todos; bueno, no está todo perdido, los chicos de Eten están ahí para hacer voces y percusiones, y lo que haga falta, que por cierto no lo hicieron nada mal, y es que el ambiente en los conciertos de Santi Delgado y Runaway Lovers están llenos de fans, siempre los mismos locos por el rock and roll haciéndoles coros. Sin duda el momento más divertido fue el “Tabardillo Twist” por la letra y las circunstancias que coincidían.

Los chicos de Dr. Maha’s Miracle Tonic –Maha para los amigos-, fueron el grupo estrella y por eso les pusieron los últimos de los 3. Dos de los miembros de Maha estuvieron haciendo las delicias bailongas de los asistentes y no pararon en toda la noche. Son una gente encantadora. Con 4 consumiciones encima y el cuerpo torero el respetable público no paró de mover el esqueleto. El momento estelar fue el truco en el que todos teníamos que cerrar los ojos y hay un atrevido caballero –gafas retro de cristales amarillos, estilo Johnny Deep en “Miedo y Asco en Las Vegas”- que se ofrece al experimento del Doctor Maha. Fue magia tíos, porque cuando abrimos los ojos, el tío estaba sentado en la banqueta del baterista con una peluca, pero esas gafas te delatan, si eres tú Johnny Ramone… Otro momentazo fue ese tema del que no entendía lo que decían en el estribillo, pero que yo entendí como “Vamos para Albacete”; los temas de Bo Didley una pasada… Muchas risas, muchos bailes, muchos amigos encontradizos y escurridizos y una fiesta genial.

Para acabar, no podía dejar pasar el homenaje que Óscar Alberdi –Alias El Poeta Psicópata- ofreció al organizador del evento –Manu Iturregui- en forma de poesía prosaica añeja; un relato que arrancó un sentido aplauso en todo el mundo.

Todo bien, the jazzmen, the lovers and the doctors. Hasta septiembre gente y a ver si nos vemos en el Residence de nuevo, pero no me importaría asistir a otro conciertillo en barco, ha sido muy divertido.

DIRE STRAITS - Love Over Gold (1982)

2011-06-22T18:15:00.000-07:00

La primera vez que vi ese rayo pensé que la naturaleza es terrible, y también pensé que Mark Knopfler era algo fuera de lo común, y que ese rayo simbolizaba todo ese potencial de este disco con sus densos temas. Uno con casi 15 minutos, otro de casi 7, casi 6 minutos el tercero, 6 minutos también el cuarto y para acabar 8 minutos de diluvio eléctrico.

Para toda una generación de treintañeros y cuarentañeros, hablar de Mark Knopfler es hablar del buen hacer, de lo grande que es un guitarrista rodeado de grandes músicos que van más allá del simple músico de estudio, son músicos capaces de comunicar sentimientos, de crear historias y de perfeccionar atmósferas que todavía hoy tienen sentido.

Este disco para mí es una época en mi vida. Yo tenía 14 años cuando lo compré en un cassette Polygram original, con el logo de la discográfica grabado en su caja; mentí a mis padres para que me dieran dinero para un tema del instituto; me acuerdo perfectamente del momento en que fui a la tienda de Santuchu llamada STAR que como muchas otras hoy día han cerrado. Allí se vendían aparatos reproductores de todo tipo, incluidos walkmans, se vendían vinilos, cassettes y algunos discos compactos que empezaban por aquella época. Hoy día me parece una broma todo aquello. Recuerdo que era el azote de mi vecindad poniendo los acordes más famosos de los guitarristas más famosos del momento que sólo yo ponía en mi portal, Money For Nothing de Dire Straits, Layla de Eric Clapton, Voodoo Child de Jimi Hendrix, I’m Going Home de Ten Years After… Y un largo etcétera de música que iba descubriendo por la radio y por los amigos.

Pero el disco del que voy a hablaros hoy es más que un disco, es una sensación de estar escuchando uno de los mejores discos de los años ochenta, pero mirando también a las atmósferas más progresivas de la década anterior. Y no podría ser de otra forma que Mark Knopfler ampliara su banda con 4 miembros más, tras el intenso trabajo anterior –Making Movies- más orientado al rock and roll, en el que el hermano de Mark, David Knopfler, decidió dejar el grupo por la presión de las intensas giras. Por lo tanto la formación de este disco sería la siguiente:

Mark Knopfler: guitarra y voz

Alan Clark: teclados

John Illsley: bajo

Hal Lindes: guitarra rítmica

Pick Withers: batería

Michael Mainieri: marimba y vibráfono

Ed Walsch: sintetizador

La primera canción y para mí es la mejor de Dire Straits con diferencia es “Telegraph Road” –Camino Telegráfico-. En esta canción Mark Knopfler se luce como guitarrista y como letrista también, mostrando aspectos dylanianos en sus letras. Más de una vez Knopfler se ha mostrado admirador de gente como J.J.Cale, B.B.King y de Bob Dylan también, así que no es de extrañar que en esta letra sacara el tema obrero, o más bien una historia condensada de 15 minutos queriendo explicar la llegada de la industrialización a un sitio donde antes sólo había un solar. El tema empieza con una larga nota aguda de sintetizador para dar paso a un trueno y otra nota baja de sintetizador que como si fuera la obra de Strauss –Así hablaba Zarathustra- nos anuncia que una historia amarga y triste contada por un obrero con una guitarra encima, está a punto de suceder. Es cuando se da paso a un bajo, un piano, y una batería lenta y cansina y una guitarra solista que pone el vello de punta; la canción habla sobre un aventurero que un día llegó a un lugar donde construyó una tienda de campaña, luego llegaron las iglesias, los trenes, luego los abogados y las reglas, y todo eso vino con el camino telegráfico. Es entre estrofa y estrofa cuando Knopfler luce su maestría y emociona con cada nota, Alan Clark hace lo suyo con su solo de piano en medio de la canción, la batería y los demás instrumentos suenan como martillos gigantes creando una energía sinfónica difícil de repetir… Pero para mí sin duda hay un momento mágico que es antes del solo de teclado, donde hay unas palabras que son éstas:

“Y mi radio dice que esta noche va a helar
la gente que conduce de vuelta a casa desde las fábricas
hay seis carriles de tráfico
tres carriles de movimiento lento. . .”

De repente se apodera en el escuchante una sensación de soledad y de frío, cuando Knopfler canta que quiere trabajo y no puede encontrarlo y también tiene que pagar deudas… Es cuando todos los elementos se ponen de acuerdo en converger a la vez y es cuando llega ese momento en el que todo aficionado de Dire Straits espera con el cuerpo en tensión esa explosión de instrumentos que a la par que música parece un trueno, ese mismo que parece que escuchas cuando ves la portada.

Llega otro de los temás míticos de la discografía de Dire Straits. Éste se llama “Private Investigations”; en este tema Mark Knopfler se viste de detective privado y con un cigarro, un traje oscuro y su oscuro pasado, lleva a cabo una investigación sórdida. La canción comienza con un teclado sordo para dar comienzo a uno de las composiciones del maestro Knopfler más inhabituales, ya que en ésta se pasa a la guitarra española y como si fuera un cuadro de Goya, interpreta la tragedia española. El más famoso de los pasajes de este tema, es cuando canta el título: … Private Investigations… Y da paso al bajo, que como un corazón latiendo tiene un sonido seco y pesado a la vez; se torna en silencio tenso y es cuando ese silencio da paso a los guitarrazos de Hal Lindes… Todo un espectáculo de pirotecnica en la interpretación en directo.

Siempre he pensado que “Industrial Desease” tenía algo, pero lo único que le veo es una producción muy buena, donde hay dos guitarras muy bien compenetradas, una batería excelente y ese incesante teclado que chirría en cada nota. Si no fuera por ese sonido arrollador, ese teclado podría ser perfectamente colocado en una composición de fanfarria y nadie se daría cuenta. Y aunque la canción tiene su carga política también en forma humorística, la verdad es ésa, que humor sí que tiene, y me recuerda mucho a la canción que más adelante se convertiría en una canción de verbenas; la canción es “Walk Of Life” de disco “Brothers In Arms”.

Con “Love Over Gold” llegamos a la canción que da título al disco y que sigue con el aspecto más intimista del inglés virtuoso. Otra vez toca su guitarra española, y muestra otra tragedia de la noche, una chica de gustos caros y que ofrece su amor a cualquier extraño. El tema es bastante clásico, dejando bastantes momentos en silencio, que son los más difíciles de tocar; verdaderamente conmovedora esta historia y sobre todo la instrumentación, exquisita es la palabra… Mi momento favorito del tema es ese vibráfono del final que juega con el tímpano y prueba tu agudeza auditiva. Una delicia más…

Siempre me ha sonado a música de teleserie el comienzo de este temazo último, con un teclado entre casual e ingenuo; pero nada tiene que ver con el principio con lo que vendrá después. Se va convirtiendo en un tema vigoroso, la batería se va adueñando del tiempo de la canción, y los demás instrumentos aciertan acompañando la voz quejumbrosa y ronca de Mark Knopfler… Para acabar con el solo de guitarra más tempestuoso que he oído, el vello se eriza, las neuronas se ponen a funcionar todas al unísono. Se podría decir que “It Never Rains” es una consecuencia del tema de Dylan “Like A Rolling Stone”.

Y es que si tienes la suerte de escuchar el disco en un sofá cómodo con unos buenos altavoces de maderas nobles y un equipo de alta fidelidad, una persiana abierta con una ventana de doble cristalera, y tienes la oportunidad de ver relámpagos con los que deleitarte y que encima diluvie ahí afuera… Es entonces cuando tienes la excusa perfecta para sentarte y escuchar otra vez este fantástico disco de 1982. Y si es la primera que escuchas esta obra maestra, pues adelante.

JOY DIVISION - Closer (1980)

2011-04-28T13:09:00.000-07:00

JOY DIVISION – Closer (1980)

Hace unos días he visto una película documental sobre la vida Ian Curtis y su grupo Joy Division, donde había unas cuantas entrevistas, trozos de películas ensambladas con imágenes viejunas de Joy Division y de la época en la que se desarrollaron los inicios del grupo; allá por Manchester, una ciudad industrial sucia y asquerosa como cualquier otra de la revolución industrial, fue el germen de muchas bandas de la era punk y post-punk, dando lugar a un sonido bronco y siniestro. Y la película en cuestión me parece un desastre en todo: las entrevistas son insulsas y no salen de lo más banal, no se habla de lo fundamental que no es otra cosa que el protagonista de la historia: Ian Curtis; pasan por encima de los orígenes de Joy Division que además de su sonido punk tienen unas letras buenas de verdad. A lo único que se dedicó el director de la película –Grant Gee- es a prestar atención a incidentes sin importancia, tales como una pelea, una gamberrada en un hotel o un tío drogado diciendo gilipolleces.

El caso es que la película me ha servido para acordarme de que tengo un disco de Joy Division en mente que me parece uno de los mejores discos de la historia. “Closer” es un disco intensamente depresivo con un sonido devastador. Se grabó en 13 días y 13 noches y fue el segundo disco de Joy Division, grabado en vida de Ian Curtis, pero publicado después de su muerte con un título, una carátula y diseño dignos de una muerte plasmada en papel y en vinilo; después de la muerte Ian Curtis colgado en su propia cocina, el disco póstumo cobró mayor importancia y dramatismo, gracias a que la gente en general suele estar atraída por la muerte y el consiguiente mercadeo y más si se trata de un cantante tan carismático como Ian Curtis que padecía de epilepsia a una temprana edad y que sufrió la incomprensión de sus compañeros de grupo que más tarde se llamaron New Order.

El diseño de “Closer” es sobrio con un color amarillento y en medio de la portada una foto de velatorio de Bernard Pierre Wolff. En la cubierta frontal del disco figura esa foto con la palabra “Closer” y en la trasera “Joy Division” y contiene una perfecta conjunción de 9 canciones que una tras otra son una obra de arte.

Comencemos por la primera obra de arte: en un sonido como si de sosa cáustica se tratase, nos encontramos con la descripción de la crueldad humana y el regocijo por el sufrimiento ajeno. “Atrocity Exhibition” comienza con una batería creando un muro circular de sonido continuo con un bajo oscuro y unas guitarras huyendo de las melodías fáciles. Y la letra no puede ser más desesperanzadora. Nos describe el manicomio donde va toda la gente válida que hay en este mundo, en un momento u otro acaba en la más absoluta de las soledades, preguntándose porqué le miran tanto si ya han conseguido lo que querían: acabar con los realmente valiosos en esta sociedad.

El segundo corte es frío como el hielo y comienza con una percusión electrónica acompasada a modo de túnel de sonido y aparece en escena el sintetizador construyendo un futurismo sonoro, pero con un claro mensaje de aislamiento, se repite una y otra vez: “Isolation”. El sonido se dulcifica un poco, pero sólo eso.

El tercer tema es “Passover” que significa “Pascua” que habla de la crisis sentimental que Ian Curtis tuvo con su mujer –Deborah Curtis- poco antes de morir suicidado. La canción comienza con una batería fría y Ian cantando por encima como una nana macabra ante todo lo que él considera errores en su vida e inseguridades; una vida contada como un carrete al que le quedan 2 ó 3 fotos por obtener desde hace mucho tiempo pero que no acaban de ser obtenidas y ese carrete corre el riesgo de caducarse y morir el color… Todo se volvió blanco y vacío.

El cuarto tema “Colony” es uno de mis favoritos por su inmediatez sonora; pero el mensaje siempre es el mismo: desesperanza, pesadillas, reproches y no saber muy bien porqué estamos aquí. El ambiente es triste y potente a la vez, una conjunción de velocidad, agresividad y melancolía perfectas.

El quinto tema “A Means To An End” representa muy bien la sensación de tragedia griega de un joven europeo que ve sus ideales como algo muy familiar pero cada vez más inalcanzables. Un sentimiento de violencia contenida y frustración inunda esta canción. La amistad, el aislamiento de la sociedad y sueños de grandeza truncados se unen para dejarnos una sensación de horfandad del resto de la sociedad.

El sexto tema y cambiamos de cara es “Heart And Soul”, que más tarde daría título a una caja con temas en directo, maquetas, demos y un montón de tesoros que aglutinan toda la discografía de Joy Division, ofreciéndonos completos los discos “Unknown Pleasures”, “Closer”, “Substance” y “Still”. “Heart And Soul” es un viaje suicida y desesperanzador que parece una danza de seres inanimados en un túnel de sonido. Es otro de mis temas favoritos por lo emotivo y real que contiene su mensaje. Es aquí donde Ian Curtis hace una interpretación de la muerte como algo inevitable y sin dar rienda suelta a ningún sentimiento. Aunque el tema tenga un ritmo rápido y marcial, el mensaje es bien claro: corazón y alma, uno arderá.

El séptimo tema “Twenty-Four Hours” es quizá el que más se acerca a la idea de suicidio de Ian Curtis (…una nube cuelga sobre mí, marca cada movimiento…). Abrumado por las giras, los viajes, el público que quería de él que representase su papel de loco en un escenario, cansado de tener alrededor gente que no le comprendía y ni siquiera prestaba atención a sus letras, Ian decidió que lo mejor sería alejar los problemas colgándose de su cocina, pero sólo era la idea. La consumación vendría después.

Con “The Eternal” el octavo tema del disco, uno siente las sienes palpitar por la emoción que transmite; es un tema reflexivo y a modo de procesión de Semana Santa a la manera inglesa, un hombre-niño abrumado por los acontecimientos saluda a las almas que le vienen a visitar como si fuera una columna de soldados alemanes. El ritmo del desfile es lento y hay flores tiradas por el suelo bañadas por la lluvia. La emoción se para y da lugar a la devastación de la personalidad en un lugar donde nada importa; no sabemos si estamos en el cielo particular de Ian o en las puertas del mismísimo purgatorio.

Acaba el disco más depresivo e intenso que he escuchado jamás. No es hablar a la ligera, pero una vez que escuchas “Closer” sabes que ya nada será igual y ningún otro disco artificial de sufrimiento adolescente puede hacerle sombra a esta obra magna que termina con una llamada de atención a la responsabilidad, la pérdida de ideales, y la falta de esperanzas con un tema esclarecedor por su título “Decades”; refleja las décadas de sufrimiento de post-guerra, los traumas infantiles agrandados con la edad; unos hombres jóvenes pero envejecidos por el entorno y por su interior que ha atrapado todas las piedras que ha encontrado por el camino. Una pesada carga nos ha caído encima y esa energía saldrá de alguna manera tarde o temprano.

Poco después de la grabación del disco Joy Division lanzaron al mercado un single con mucho éxito que Ian Curtis no pudo disfrutar. “Love Will Tear Us Apart” es todo un himno de amor, tan sincero como trágico, nos revela que el amor nos desgarra por dentro y el volcán se vuelve hielo y vuelta a empezar. Vivimos en la edad del hielo y ya nada nos puede afectar después de ver tantas exhibiciones de atrocidades.

THE DOORS (el disco)

2011-03-17T12:41:00.000-07:00

Desde hace mucho tiempo me han intrigado los grupos con inquietudes en otras dimensiones que no fuera la música; es decir, utilizar la música como un medio para dominar a las masas, crear una puerta de unión entre un mundo y otro, comunicar un lenguaje evidente con otros lenguajes que no son evidentes. Es la magia de la música, y fue en los años 60 donde se dieron las condiciones en todo el mundo occidental y el occidentalizado, para que los antiguos ídolos romanos y griegos tomaran otra forma, en este caso de ídolos del rock.

Allá por el año 1988, mi hermano empezaba a comprar cintas de cassette de varios artistas, que entonces se vendían en oferta con un signo distintivo de admiración encima de la caja. Y empecé a escuchar unos discos muy raros, con unos tíos melenudos y muy raros también, que emergían de la oscuridad; cogí una de las cassettes y lo único que oía era el sonar de un bajo que inundaba todo el torrente de sonido, seguidamente un teclado chirriante que algunas veces se asemejaba a las melodías de Bach, una batería estilo jazz-bossa nova, pero tocando rock, y sobre todo la voz, una voz ruda y sexual: era Jim Morrison.

Durante 3 años estuve escuchando aquellas cintas intentando buscar alguna clave que me ayudase a entender esa música que todavía no podía estar a mi alcance intelectual. Y en 1991, Oliver Stone puso en las carteleras de cine la película “The Doors” protagonizada por Val Kilmer, que hizo un papel impresionante. Fue tal la impresión de haber visto aquella película que empecé a ver a Jim Morrison y The Doors como algo fuera de lo común. Recuerdo que fue en los cines Ideales y yo era el típico joven que se quería comer el mundo, parecerse a los cantantes que veía… Lo normal a los 16 años.

Es hoy día cuando me doy cuenta de la magnitud de un disco del que he querido hacer una crónica y que no veía el momento. El primer disco de The Doors es auténtico, como muchos otros primeros discos de la época: “The Soft Machine – Volumes One & Two”, “The Piper At The Gates Of Dawn” de Pink Floyd, el primer disco de Led Zeppelin, los inicios de Them…

Pero éste es un disco al que le tengo especial cariño, porque me ha acompañado en todas las épocas de mi vida, primavera, verano, otoño, invierno y los fines de año. Siempre lo tengo en cuenta.

El disco comienza con un gran clásico “Break On Through (To The Other Side)”, con el que todo el mundo ha empezado a escuchar a The Doors. Haciendo honor al nombre del grupo, esta canción es la prueba de que The Doors están en contacto con los viejos mitos, los poetas y los místicos. Es una invitación a ir más allá con todas las consecuencias; la libertad está ahí para cogerla.

“Soul Kitchen” es un tema que siempre me ha gustado por su vitalidad y a la vez ese halo de sucio truco de borracho en un bar, tocando blues por unas cervezas. Lo que más me gusta de esta canción es ese solo de guitarra que aprovecha muy bien los tiempos. La entrada de teclas siempre me recordó a “When The Music’s Over” de su segundo disco “Strange Days”, la moneda ha caído al suelo y alguien tiene que cogerla otra vez para escoger otro bar a donde ir a tomar la última cerveza.

El tercer tema “The Crystal Ship”, siempre ha sido uno de mis favoritos cuando quiero emocionarme de verdad; es una canción de amor sin artificios, la emoción se nota en cada impacto de una tecla y de una cuerda, hasta los golpes de batería se vuelven mágicos momentos en una noche al lado del mar. Las visiones de espectros, el olor del mar, notar la arena en los pies, se nota todo, y ese barco de cristal distante. Todo es hermoso en este tema. Adoro el solo de piano de Manzarek.

En “Twentieth Century Fox” se habla de la vanalidad femenina con respecto al mundo. Esa forma de preocuparse de su imagen y gustar a los hombres, y dar envidia al resto de las mujeres. Es una canción con una fuerza espectacular. Es muy patente la sección rítmica que marca todo el tema.

El quinto tema “Alabama Song(Whisky Bar)”, es una de las primeras versiones que hacen de The Doors en este primer disco, originalmente de Bertol Brecht y Kurt Weill. Tiene un sonido profundamente místico para la temática que tiene, que es una especie de teatrillo decadente, pero esa pianola que no deja de sonar es la que te atrapa. Posteriormente Bowie haría una versión de la misma, pero me quedo con ésta.

Ahora viene la máquina de ganar dinero de The Doors, una canción que versionearon Feliciano, Julie Driscol y tantos otros… Un gran tema. Es originalmente una canción del guitarrista Robbie Krieger, pero esa entrada de Manzarek, esa entrega en las vocales de Morrison, esa incansable forma de tocar de Densmore, y luego ese pasaje interior a través de nubes de plasma, de tubos en los que circula electricidad, es todo energía; llegamos a un momento en que la canción entra en ebullición y logramos encender la llama: C’mon baby light my fire. Vamos, enciende mi pasión.

El siguiente tema “Back Door Man”, es el que siempre me ponía los domingos a la mañana para ir pasando la resaca, me asomaba a la ventana, ponía esta canción a un gran volumen y luego me metía para dentro y empezaba a bailar al estilo Morrison; Back Door Man, es la segunda versión del disco y es un tema de Willie Dixon, en clave de blues, pero al estilo Doors.

El octavo tema “I Looked At You”, es una transición de lo anterior; un ejercicio de diversión que consiste en esas miradas de enamorados, tú me miraste yo te miré y ahí empezó todo. Y sumando todo ese ambiente que había en esta grabación, yo diría que es un tema más en una construcción de un disco irrepetible.

“End Of The Night”, es la típica canción que hay que ponerse obligatoriamente por la noche, es ese momento en el que ni tú mismo sabes dónde estás, si has llegado al momento del sueño, o estás demasiado despierto para estar durmiendo, por eso tienes que coger la autopista en el medio de la noche y volar…

Hay algunas canciones que no son filosofía de Universidad, sino que simplemente es un ejercicio de responsabilidad, cuando ves que hay cosas que no puedes cambiar, lo mejor es tomar las cosas como vienen; así es “Take It As It Comes”. Lo mejor: el solo de teclado y un cierto toque español que me gusta mucho.

Canción número 11, 11 minutos, y habla de una serpiente que mide 11 kilómetros. Un tema que según los autores se fue forjando tocando por diferentes garitos de Los Angeles y San Francisco, que en principio no pasaba de los 2 minutos, fue creciendo hasta hacerse un monstruo de energía. ¿Quién olvida aquella escena inicial y final de la película de Coppola “Apocalypse Now”? Los helicópteros remontando el vuelo poco a poco y animales siendo sacrificados por las tribus salvajes de Vietnam. Dicen algunos que “The End”, es una canción que habla del fin de los tiempos, y no es así; yo creo que Morrison te muestra sus mundos interiores, que son los mundos de la humanidad; hay varios caminos por recorrer y tú debes elegir el ideal para ti mismo, la libertad para elegir, la libertad para amar, la legitimidad de matar a tu pasado, romper con todo lo antiguo y ser el hombre nuevo.

Un disco que se grabó en seis días y al séptimo descansaron. Abrieron las puertas del conocimiento para muchos jóvenes, y todavía hoy hay que seguir recomendando este clásico de todos los tiempos. And… This is the end… Beautiful friend… My only friend… The End.

*Es recomendable tener la versión original y la remasterizada del disco que merece mucho la pena. Y si queréis compraros todos los elepés en vinilo, el obsequio es “The Doors” grabado en mono (ahí es nada). Siempre me he preguntado que si por lo que sea, se me jode un altavoz, me quedaría sin oír la batería y el bajo o la guitarra y las teclas… Qué catástrofe…

BLOOD AXIS & LES JOYAUX DE LA PRINCESSE - Absynthe

2010-12-17T10:41:00.000-08:00

Pocos discos hay que traten el tema de la absenta y con tan buen gusto. La verdad es que no podía imaginarme un grupo más aparente para hacerlo que Blood Axis y los franceses Les Joyaux De La Princesse. No recuerdo muy bien el día, ni la hora ni el segundo que recibí un catálogo de música que llegó a mi buzón, y en el apartado de músicas ambientales había un disco que llamó mi atención gracias a que el grupo era Blood Axis, de los que ya conocía cosas suyas.

Al disco se le definía como un ejercicio para recuperar el tema de la absenta en el siglo XIX en toda Europa y más exactamente en Francia donde muchos artistas: pintores, escritores, músicos y todo tipo de gente de la calle consumían esta droga tan potente. La absenta sale de la planta del ajenjo. La palabra “absenta” viene del latín absinthium que a su vez procede del griego apsinthion, y significa “no bebible”, gracias a su sabor amargo. Hay varias clases de absenta, entre las que podemos destacar la absenta roja, la negra y la que ha dado más fama gracias a su color verde y también está asociada a ese espíritu del hada verde que dicen pueden ver los que la toman.

Cuando cayó en mis manos una joya tan grande, al menos para mí, fue como una adicción y escuchar este disco una y otra vez con incienso a la luz de una vela, provocaba en mí unas ganas de escribir, fotografiar y la adopción de nuevas ideas de ésas que están en el aire y las coges al vuelo. Quizá a partir de las siguientes líneas de alguna manera logre contagiaros el entusiasmo que tuve cuando escuché este disco. Aún hoy lo sigo teniendo como oro en paño en mi colección.

En portada: Hay un cuadro con una mujer de pelo rojo, con una copa de absenta en la mano, ofreciéndosela a los dioses con un fondo negro y con un lema que dice: Absinthe: La Folie Verte (algo así como “La Locura Verde”). Seguimos investigando a través del tacto y tenemos una edición digipack con papel de gran calidad con brillo y un montón de flores alrededor de ese cuadro que simboliza al espíritu de la absenta. Seguidamente giramos el disco y en la contraportada tenemos un menú donde aparecen todas las formas que hay para prepararse una absenta, odas a la absenta y ese aire antiguo que te traslada a aquellas calles húmedas del París del siglo XIX. Sencillamente cuando escribo esto tengo una sensación muy especial, porque el disco te transmite eso sin tener la necesidad de haber estado allí.

La primera canción comienza con un caos de voces que repite “I Am The Green Fairy”, “What I Need Is Blood, Red and Hot”,… “I Am Shame, I Am Dishonor, I Am Death, I Am Absynthe”. Tan antiguo como el hombre, ese gusto por lo sombrío, pero sin embargo nos fascina. Comienza a sonar un violín rasgando las voces de raíz y van a dar paso a otras voces de ultratumba cuando las sustancias que están dentro del líquido elemento entran en contacto con la sangre, se propagan por el cerebro, el cuerpo y explotan en una extraña danza interior; ésta era la primera canción “La Folie Verte”.

Tras todo el caos viene el vuelo hacia el infinito y lo desconocido, donde no perdemos la idea de la realidad pero casi… Comienza a sonar “Symphonie Verte”, donde suenan unos sintetizadores arreglados con unos efectos de eco y sonidos de opereta suenan de fondo. Es cuando Michael Moynihan, el líder de Blood Axis, recita unos versos en inglés, que dicen así: y aquí estoy un absentómano en la ciudad de la absenta…

En “Minutes d’Absinthe” el sentimiento de la absenta y todo lo que le rodea como algo romántico, está muy presente en la siguiente canción donde Annabel Lee la violinista del grupo acompaña al bebedor imaginario de la canción que acostado en una mesa escribe versos a la dama verde.

Para mí la parte más densa viene a partir de ahora, cuando se hace un trabajo fuera de lo común de sonidos ásperos y a la vez psicodélicos, donde la sinestesia y la locura son uno. La canción es “Absinthia Taetra (Opaline)”, donde cuenta cómo se prepara una antorcha de absenta que consiste en mezclar 3 partes de agua con una de absenta, previamente echando la absenta en una copa preparada para ello y depositando un azucarillo encima de una cucharilla especial encima del canto de la copa y vertiendo el líquido verde que oscila entre los 50 grados hasta los 85 grados, se empapa bien el azucarillo; se le prende fuego para que se caramelice el azúcar, se vierten las 3 partes de agua bien fría encima y se revuelve el preparado con la cucharilla para rebajarlo, y es aquí cuando cambia de color; de ahí que la canción relate este hecho: green changed to white, emerald to opal, nothing was changed… (el verde cambia a blanco, el esmeralda a ópalo, nada cambió…

En la siguiente canción: Poison Vert, el ambiente se hace todavía más opresivo, las sensaciones al escuchar una orquesta de viento a lo lejos y un melotrón acompañándolo nos hacen creer que estamos en el mismísimo purgatorio. Las voces metálicas y recortadas nos acompañan en este viaje. Es un caramelo amargo para degustar en ocasiones especiales.

Avec Les Fleurs… Avec l’Absinthe (wiht flowers and with women), supongo que es una manera de hablarnos de alguna manera de que estamos en Francia con bailarinas de can-can, con una orquesta decadente y flores en una mesa y toneladas de absenta flotando en el aire. No llueve agua, sino absenta.

Es en este momento en el que el escuchante se ve atrapado por el disco, o una de dos, lo sigues escuchando con todas las consecuencias o lo paras; no queda otra. Para seguir contando las sensaciones del disco voy a tener que escucharlo. Os aviso, es peligroso. Absinthine, es el séptimo tema y el más duro de oír, porque es cuando se relata el viaje de locura en una borrachera de absenta donde el protagonista pierde la noción de la realidad, y comienza con estas palabras: aquella noche bebí profundamente y de forma continuada de mi néctar favorito. Se comienza a escuchar un ruido chirriante desde lejos pero que va acercándose; nos da la impresión de que alguien se ha peleado, alguien ha viajado a otra dimensión, o que nosotros cuando lo escuchamos sentimos esa sensación de hundirnos en el suelo y ver el techo cada vez más alto.

Como después de haber recorrido un largo y tortuoso camino, la cosa se calma, y un órgano ensordecedor nos recibe en un pasillo enorme e iluminado: es cuando hemos visto al hada verde.

Puede ser que estemos muertos, o es posible que estemos vivos y flotando en el espacio; quizá estemos contando nubes con una copa de absenta en la mano, contando nubes blancas. El viaje ha acabado. Y aviso: no es para estómagos delicados y es como una medicina, hay que tomar cuando haga falta.

CHAD DUGHI EN RESIDENCE 20100910

2010-09-10T18:57:00.001-07:00

Vino desde muy lejos y nos trajo las ideas de Guthrie, el sufrimiento de los viejos bluesman del medio oeste, nos trajo muestras del polvo de las tormentas de polvo de las praderas norteamericanas, nos ha sabido transmitir todo el sufrimiento humano en una canción; todavía estoy vibrando con las notas de una guitarra en una tormenta de gritos.

Él es Chad Dughi, una puta maravilla del blues y el folclore americano, un virtuoso de la guitarra que ha nacido de todas las grandes epopeyas de la música del siglo XX, pasamos por Woody Guthrie matando fascistas con su guitarra, hemos vuelto a vivir la emoción de North Country Girl de Dylan, hemos vuelto a recordar a los grandes como Muddy Waters, Hound Dog Taylor y Robert Johnson, ha tenido los santos huevos de hacer dos pases de hora y media cada uno, y eso que tenía repertorio para 4 horas; tenía cigarros, tenía alcohol de Manu, tenía porros que le pasaban.

Hacía tiempo que no lo pasaba tan bien con un concierto, a pesar de todos los indeseables que cada vez más abundan en un buen concierto, decibelios de gritos de gente que no ama la música hizo que el concierto fuera una tortura para los escuchantes interesados, y un trámite difícil para el compañero nacido en Hawai, después afincado en Estados Unidos y ahora enraizado en Irlanda desde donde extiende sus armas de cuerda sobre toda Europa y quién sabe si algún día sobre todo el mundo.

Un amigo y yo pensamos que sería bueno para el mundo sacar los bates de béisbol y romper unas cuantas piernas y enseñar modales a la gente que nunca los han tenido; ya sabemos que las vacaciones han sido muy divertidas, hemos tenido algún romance tórrido con alguna sueca en Benidorm, que nos jode mucho volver al cole después de tanto tiempo escuchando a King África y Georgie Dan; pero es que cuando hay un músico como la copa de un pino, uno no se puede poner a hablar sin considerar a los que verdaderamente están interesados en un evento de esta magnitud y también al propio músico que está trabajando. Para eso están lugares como La Ochoa, El Consorcio, El Conjunto Vacío, El Antzoki, El Azkena… Podría decir más garitos donde hay gente que no está dispuesta ni a escuchar su conciencia. Vale ya cojones, queremos escuchar buena música y en paz, si no, habrá que tomar medidas como parar el concierto y poner la música de Los Saicos y demoler cabezas, o poner European Son y esperar al estruendo final cuando algún bidón metálico suena como una guitarra y en ese momento aprovechar para que no se oiga la matanza.

Ahora mismo estoy escuchando un disco digno de cualquiera de los grandes artistas americanos como Chet Atkins, Bob Dylan o Woody Guthrie. Te traslada a la década de los 20, 30, 40 y 50. Es tan bueno que cierras los ojos y te crees que están escuchando un ensayo en un estudio de grabación de Johnny Cash.

Llevaba 6 armónicas, una cejilla que movía a su antojo por los trastes, un lenguaje corporal que hacía las delicias de cualquier amante del mimo, su guitarra es su amiga y lo demuestra surcando el mástil esprimiendo notas perfectas y en su tiempo durante horas, es una máquina perfecta de hacer música, aparentemente no se cansa de tocar; acabo escribiendo sobre lo que él hace y lo que me hace sentir y la verdad que se me ponen las tetillas como piedras. Es correrse escuchando música. Han vuelto los días de ceniza y polvo, regresaron los aventureros de la noche y se pararon a escuchar a Chad Dughi.

Excepcional. De verdad.

MARK KNOPFLER EN LA PLAZA DE TOROS DE VISTA ALEGRE (BILBAO 20100730)

2010-07-31T06:26:00.000-07:00

Estos son algunos de los testimonios que me predispusieron para ir al concierto… “Va a ser un concierto tranquilo pero guapo”; “Siempre me han gustado Dire Straits y Mark Knopfler es uno de mis referentes de juventud y le iré a ver”; “A mí Mark Knopfler como guitarrista me parece un tío muy elegante”; “Yo te seré sincero tío… Pero a mí lo que me apetece es escuchar los clasicazos de siempre”; “A mí me han dado unas invitaciones porque conozco al violinista del grupo”; pero yo tenía mi idea al respecto de este concierto y hacía tiempo que sabía que iba a volver a tocar en su feudo favorito: que es la plaza de toros de Bilbao, y yo personalmente adoro a Mark Knopfler, es el que me permitió descubrir la buena música, escuchar punteos con gusto, emocionarme con la música, y saber que Mark Knopfler siempre se ha rodeado de los mejores músicos. Todo esto me ha llevado a la conclusión de que no me podía perder el evento.

Hace ya mucho estuve viendo un concierto de su última gira multitudinaria con Dire Straits en la que recaló en este mismo escenario en el año 1992. Cuando aquello, yo tenía una larga melena rubia, que me gustaba lucir y menear, llevaba pantalones elásticos rojos porque era la moda heavy, una camisa de cuadros de leñador, y como todavía ni trabajaba, mi querido hermano me regaló una entrada que costó 3.500 pesetas de la época, fue un concierto casi perfecto, no en cuanto a sonido, sino en cuanto a repertorio, es cuando salió a la venta el peor disco de Dire Straits – On Every Street - de 1991, una espera de 6 años para nuevo material desde el cojonudísimo disco – Brothers In Arms -. El concierto duró mas de dos horas y acabó con Money For Nothing y el obligado Local Hero, pero no tocaron mi canción favorita: “Telegraph Road”.

Cuando ayer entré a la plaza de toros de Vista Alegre me vinieron un montón de imágenes de mi adolescencia, cuando disfrutaba de cada solo de guitarra del abuelo. Gente de toda clase social se reunió allí para ver al maestro, y poco a poco fueron entrando hasta llenar casi por completo el semicírculo de plaza habilitado para ver el concierto, todas las entradas eran de sentado; duró dos horas esta vez, con Mark Knopfler sentado todo el rato, con un buen aspecto y con toda su colección de guitarras, entre las que destaco cuatro: la Telecaster roja y blanca con la que toca los clásicos del inicio, una Gibson muy elegante con un sonido más rotundo que la anterior, una Stratocaster naranja, que también suena potente, pero a mí siempre me ha tirado para atrás ese color, y la mítica guitarra metálica que aparecía en la portada del disco de 1985 – Brothers In Arms, que se podría decir más bien que es un dobro, o al menos tiene sonido de dobro; si hay alguien que lo sepa de verdad que me corrija.

A Mark Knopfler le gusta España, adora España, por eso en algunas de sus letras hay alusiones a España y frases españolas, por ejemplo en Expresso Love está el estribillo final que repiten: “Hey maestro – Espresso Love”, o en “Skateaway” que dice: “Toro Toro Taxi” o la ciudad española imaginaria en el “Tunnel Of Love”. A Mark Knopfler también le gusta visitar museos cuando viene a España, empaparse de cultura, no en vano fue profesor, pero dejó la profesión por motivos evidentes. Últimamente le ha dado por el folk irlandés y se rodea con músicos más que buenos. Con bandas sonoras como “Local Hero” y “Cal” llevó a otro tipo de públicos la música folk de las Islas Británicas. Para mí esas bandas sonoras fueron una puerta a otros estilos musicales.

En cuanto al repertorio fue bastante variado, tocó temas del “Golden Heart”, “The Ragpieker’s Dream”, “Sailing To Philadelphia”, abordando temas conocidos como “Sailing To Philadelphia” y otros no muy conocidos como “Coyote”. En general esta parte de Mark Knopfler es para escuchar y no para aplaudir mientras está tocando, hay que mascar la música y hay que disfrutarla. El disco “Alchemy” hizo mucho daño en esto de hacer ruido a base silbidos y palmadas aleatorias, pero el público de Dire Straits sigue siendo ese público adolescente aunque algunos ya tengamos más de 30, y otros que sean adolescentes empiecen a descubrirlos, y quizá tengan suerte y no caigan en las redes del reggaetón, el rap o las bisbaladas.

No podían faltar clásicos de Dire Straits. El primero fue “Romeo and Juliet” con la típica introducción atmosférica y el final de infinito. El siguiente clásico fue “Sultans of Swing” con los habituales solos y repiqueteos de guitarra que le han hecho tan famoso. Cuando me puse a sus pies es cuando tocó “Telegraph Road”, ese temazo intenso y emotivo con un montón de partes y poderoso al final, una gozada. Lo siguiente fue “Brothers In Arms”, muy en la línea ambiental para continuar el concierto, y luego una brisa de aire fresco que fue “So Far Away”. Faltaron bises como “Money For Nothing” y “Local Hero”, pero no se le puede pedir mucho más al abuelo. Recibió mucho cariño y él también lo dio. Gracias Mark.

CRISTINA MÁRQUEZ EN EL AURKI DE BILBAO (20100720)

2010-07-20T16:56:00.001-07:00

Todas las decisiones que tomamos, sea consciente o inconscientemente tienen una consecuencia; y no, no me voy a poner a hablar sobre el karma, pero es que una llamada de teléfono me ha llevado a un bar que hacía un montón de tiempo al que no entraba desde que era un mozalbete, y ese bar se llama Aurki y está en Barrecalle del Casco Viejo de Bilbao, un bar remodelado para acoger conciertos diariamente, y eso me ha llegado.

En este caso, la llamada que hice podría ser una historia de Jorge Drexler, esa canción de que cada uno da lo que recibe, luego recibe lo que da… Pero tenía pensado ir a ver a Jackie Revlon y Tano Jao en lo que se presumía un concierto vibrante, pero los chicos de apoyo de la diva aparecieron por allí con urgencia para recoger los amplificadores e irse con bastante prisa por razones que desconozco.

El caso es que apareció por allí una sevillana jovencita con ojos grandes como agua limpia de río y muy guapa, es decir, una de esas miradas que no te dejan indiferente, te traspasa y finalmente ese agua limpia se acaba por calmar. Sus canciones hablan sobre todo de amor, amor, amor y follar; todo muy sincero, aunque tratado de una manera que nos hace desmitificar todo esto. Muy interesantes sus reflexiones.

Su viaje de hippie veraniega por tierras europeas, y esas casualidades de la vida que nos traen un ángel fugaz a tierras vascas, gracias a que hay músicos por todas partes, y en Bilbao no iba a ser menos… Otra cosa es que se conozcan lo suficiente y se valoren. Con una cantautora sevillana no iba a ser menos. Desgraciadamente el dicho de “no tires perlas a los cerdos que te las pisarán”, se hace realidad con ciertas actitudes de el típico energúmeno que existe en todos los bares de cada ciudad; el borracho de turno, el pesado de turno, el mamón que se cree que él es el único que está en posesión de la verdad, o ese otro individuo que engloba a todos estos y lo lleva en la propia sangre, que es el desconsiderado que se pone a hablar cuando todos los que están viendo un concierto quieren escuchar a esa persona que está poniendo todo lo mejor que lleva dentro.

He buscado en youtube vídeos de ella y he encontrado algo, y hay comentarios para todo, lo que quiere decir que no deja indiferente y eso es lo mejor que le puede pasar a un artista. No os he presentado a una personalidad que a mi entender no tiene nada que ver con Bebe, cantante que a mí personalmente no me gusta nada. Cristina Márquez es posible que esté comenzando una carrera musical, que esté verde en ciertos puntos, la juventud bendita juventud, qué gusto da sentirla; y es que eso es lo que me gusta en esta clase de música, que las cosas fluyan y sean naturales y no fingidas como muchos cantautores. Todo artista tiene en su interior historias que existen, historias que no existen pero que igualmente podrían existir, e historias que son mitad realidad y mitad ficción. Pero la honestidad es lo mejor.

Sé lo que cuesta actuar en público, porque yo he actuado en público, sé lo que cuesta grabar música y primero crearla y sé lo que cuesta que te hagan caso, pero el mundo es implacable, y tan pronto se conoce a alguien como se le olvida. Por eso tengo en mis manos una maqueta grabada con todo el amor del mundo, ni siquiera tiene carátula; un papel verde me ha servido de funda, pero eso me sirve para acordarme de otro de esos cantantes que graba maquetas para difundir su mensaje.

Hubo ciertos problemas técnicos con la guitarra acústica, problemas de comunicación con la gente que tiene el oído en el culo; menos mal que allí estaba el explosivo cantante, guitarrista, autor y actor –S.O.S.- que yo le diría que “Sos único pibe”. Hace teatro musical y eso me pareció el complemento perfecto para ese ambiente hippie que hay en este bar.

Lo dicho, me quedo con la música, las buenas acciones y no las buenas palabras, y las verdades. Comprendo muy bien a Cristina cuando afirma que se le ocurren canciones gracias a un tema cotidiano, porque a mí me pasa continuamente con la fotografía. Es lo que llaman inspiración. Lo dicho, un placer conocerte guapa.

AC/DC EN LA CATEDRAL DEL ROCK 20100628

2010-06-29T03:58:00.000-07:00

Ni Robert Johnson, ni Mick Jagger, ni Jimmy Page. Los AC-DC han hecho un pacto con el diablo. Y es que por ellos no pasa el tiempo. Es una verdadera maravilla ver cómo se mueven en el escenario, Angus Young sigue igual de joven con su pantalón de High-School, Brian Wilson sigue en forma, o eso parece a juzgar por su cara, no por su voz. En cuanto al sonido de San Mamés, bastante pobre por cierto, suplido por los decibelios emitidos por los miles de personas que petaban el campo de fútbol, en pista se rebasaba el aforo claramente, y seguramente la gente de la grada viera mejor todo el concierto.

Los banderines de enganche eran los surtidores de cerveza, y uno tenía que guiarse por esos banderines para no perderse con la cantidad de enloquecida gente que había. Justo antes del concierto en Pozas la gente se agolpaba en las aceras y no había manera de abrirse paso, nada más que por la carretera. Un montón de gente vestida con las camisetas de la gira del último álbum “Black Ice”, también un cantidad de gente con la típica gorra del cantante –ya clásica-, la gorra de Angus Young con el logo de la corriente alterna-corriente continua –Electricidad macho- ¡¡¡¡Viva Angus!!!!

Otra cosa reseñable y no muy honrosa por la parte que le toca a la organización, es que sólo faltaba un hierro ardiendo para ir poniendo la marca de las campanas del infierno en el cachete; pero viéndolo de otra forma así debe ser, porque para controlar a toda la marabunta andante que allí se agolpaba, era necesario.

Posiblemente no volveremos a ver a AC/DC por Bilbao, pero a buen seguro que han dejado un gran recuerdo ante una audiencia entregada totalmente a este grupo incombustible. De no ser por las pantallas colocadas estratégicamente a ambos lados no nos habríamos enterado de nada; y es que con la cantidad de maromos engorilados que no paraban de gritar, botar, cantar todas las canciones míticas como es Hell Bells, Thunderstruck, Highway To Hell, Back In Black, la inevitable The Jack, High Voltage, y sin duda uno de los mejores momentos de la noche fue Whole Lotta Rosie, que es cuando sacan a la gran muñeca hinchable llamada Rosie.

Otro punto negativo eran los vasos de plástico que no estaban preparados para aguantar líquido ni hielo, al rato de estar con el cachi en la mano empezaba a gotear por abajo. Otro problema bastante acuciante fueron las ganas de mear y el acceso al servicio que era un largo camino hacia el infierno. Todos los aficionados venidos de todas partes de España, de Europa, y una gran parte de Bilbao todos frotándose como perras en celo. Aficionadas guapas ligeritas de ropa, puestas encima de un chicarrón del Norte para saludar a los rockeros en la canción The Jack; uno de los momentos más picantes y bonitos que he visto en un concierto; esto es comunión y no lo de las iglesias.

Antes del concierto ya se habían acabado todas las existencias de cerveza en barril, y muchos bares tuvieron que tirar de botellines, cubatas y todo lo que hubiera. Ha sido un concierto de alta graduación alcohólica y también alta tensión en el ambiente, con alguna que otra pelea causada por el alcohol. Incontinencias urinarias, con las que se llenaban los cachis que se vaciaban, al día siguiente toda la ropa a la lavadora.

37.000 espectadores y unas ganas terribles de pasárselo bien, AC/DC que no hicieron ni un triste bis, un montón de heavies puesto de porros y litronas hasta las cejas, jubiletas, prejubiletas, abueletes, los nuevos rockeros del mañana se encontraron todos en San Mamés… For Those About To Rock ( We Salute You ) Amén.

EN COMPAÑÍA DE UN GRANDE

2010-04-23T10:11:00.001-07:00

NICK GARRIE EN RESIDENCE CAFÉ 20100422

Corta fue su pasada por tierras vascas, y larga su vida musical. Más de cuarenta años le avalan. Su forma de entender la música ya no es de hoy. Hoy ya no hay este tipos de músicos románticos, que entendían la música como forma de expresión, que exteriorizaban lo más íntimo de su ser. Miento, hoy día también hay músicos del calado de Nick Garrie, como pueden ser los Radiohead, Wilco, Sigur Ros y alguno más que ahora no me viene a mi memoria.

La cosa fue más o menos sencilla. Me fui a tomar la copa de rigor, pasando por mi local favorito, el Residence de Bilbao, y me dijeron que la tarde-noche del 22 de abril, las cenizas del volcán islandés que tan raro nombre lleva, ha sido el “culpable” de tal milagro. Nick Garrie no ha podido volar para su tierra y ha tenido que quedarse aquí, para que unos cuantos amantes de la música pudiéramos apreciar el arte con mayúsculas.

Es un hombre humilde y que le gusta este mundo de la música. Se le ve en la cara el entusiasmo después de tantos sinsabores en su carrera. Su disco mítico y que tiene un valor altísimo dentro del coleccionismo mundial se llama “The nightmare of J.B. Stanislas”, que fue editado en 1969, y desafortunadamente se vio truncada su salida por la muerte del promotor del disco Lucien Morisse tras su suicidio, lamentablemente el proyecto se vio truncado, y la fortuna que podría haber tenido Nick Garrie, se fue corriente abajo hacia el mar, y perderse en las corrientes del underground.

Han sido algunos conciertos que he visto en Residence, afortunado por la suerte de haber pasado por allí en el momento preciso; momentos felices en mi vida fueron la llegada de Lisa Otey o el grupo moldavo Igrizcek a esta pequeña sala bilbaina que soporta estoica el paso de los años, las malas habladurías de los vecinos, denuncias por ruidos, y esa lucha absurda con el ayuntamiento de Bilbao que quiere que haya vida cultural en la capital vizcaina, y no comprenden que hay que fomentar este tipo de salas, donde lo bonito está en que el turista llegue a una ciudad donde lo imprevisible sea la seña de identidad.

Espacios vacíos, aires viciados, espacios áereos colapsados, momentos de crisis; mejor no pensar en ello y empaparse de buena música y sabiduría. Nick Garrie tiene todo eso; es un cantante que desprende creatividad y verdad. Leonard Cohen envidia muchas de sus canciones; por algo será.

http://www.myspace.com/nickgarrie

BLOODSHOT BILL & HEAVY TRASH (Azkena de Bilbao 20100325)

2010-03-25T17:41:00.001-07:00

La bestialidad o el bestialismo se han apoderado durante 3 jugosas horas de la Sala Azkena de Bilbao. El concierto ya prometía. Me enteré de que venía ese animal que se atusaba el pelo grasiento, aullaba como un coyote cabreado, se contoneaba como el Elvis más pornográfico, domina todos los palos del rock and roll como nadie, es heredero de los grandes destrozadores de los sonidos puros. Es un artífice guitarrero que viene de un planeta aparte: ese planeta es Canadá. Toca la guitarra eléctrica con reverberación, toca la batería, que consiste en un chaxton y un bombo, y cuenta con una voz exagerada y brutal.

Parecía que no iba a entrar nadie, pero según se iba acercando el momento en que ese gran clásico de Jon Spencer, encarnado esta vez en Heavy Trash, un grupazo capaz de mantener un ritmo frenético durante mucho tiempo. La propuesta no es muy diferente de la Explosión de Jon Spencer, la única diferencia es que ha incluido sonidos rockabillys a ese sonido ya de por sí bastardo y asqueroso. Un cabrón capaz de poner firmes a todos los locos de una sala como el Azkena: ése es Jon Spencer…

Un día no sabes muy bien cómo, ni dónde ni porqué, pero descubres a un tío bastante repelente a primera vista, que masca tabaco, bebe como un poseso una cerveza, da unas caladas largas a un cigarrillo y sobre una moqueta vieja pone el cigarro a medio apagar a que consuma un centímetro cuadrado de tela. Parece salido directamente de los 50’s; un tío sudado ya desde el principio y haciendo gala del más atroz de los rockandrolles. No deja ninguna opción al romanticismo. Canciones llenas de dobles sentidos, de sexo, y de locura sin fin. Tiene una forma de vocalizar como si viniera de las montañas del centro de Suiza, cantando una rola pueblerina. Y lo de la facilidad con que hace un ritmo rockabilly, ya es arena de otro costal…

Vamos a hablar de otros zumbados de la vida; vamos a hablar de Heavy Trash y su público, al que meto en el mismo saco. Los conciertos de Jon Spencer siempre son participativos y le gusta provocar al público con sus “yeahs”, sus “babys”, sus “c’mon”, y sus “crazy things”.

Me habían comentado de todo respecto a Heavy Trash. Un rockabilly con una gretch que sonaba a gloria bendita, llamado Matt Verta-Ray, que más bien parece el nombre de un superhéroe. Y el incombustible Jon Spencer, más conocido por sus paranoias sonoras de todo estilo. Mezclan de forma casi magistral dos músicas hermanas; se puede decir que hacen punky con rockabilly; se acompañan de un contrabajista de los buenos y un baterista que tiene un sentido del ritmo envidiable.

El concierto en principio empezó muy directo y potente, con canciones superaceleradas al principio y canciones de medio tiempo para descansar de tanto empujón y calor humano; entre achuchón y achuchón me hacía una foto y la verdad que he sacado más partido al amigo canadiense, que ya pondré mis fotos en mi portal de fotos, www.flickr.com/photos/eldoctorrober. En ciertos momentos se hizo bastante insoportable por el calor y el cansancio lógico de estar en una posición incómoda y con un montón de pesados de corta edad y otros no tanto que querían a toda costa estar al lado del gran héroe Jon Spencer para que les sacudieran una rociada de sudor procedente de su tupé.

La verdad que hay gente para todo, y un tío sacó una petaca de ¿whisky? ¿ron? ¿vodka? ¿babas?, y se lo ofreció a todo el grupo, que por supuesto no aceptaron, si hubiera sido Iggy Pop, por supuesto que sí acepta un poquito más de veneno. Es un misterio sin resolver que dejo para otros investigadores que estuvieron en el evento, como puede ser el incombustible Álvaro Brutus.

Es uno de esos conciertos que luego te repites a ti mismo: pues lo he pasado muy bien y me he cargado de energía, y eso ya es muy bueno.

Saludos, salud y mucho rockandroll.

www.myspace.com/heavytrash

www.myspace.com/bloodshotbill

ESPERA A QUE LA PRESA VENGA A TI... VENDRÁ... YA LO CREO QUE VENDRÁ...

2010-03-14T06:12:00.000-07:00

Esperar la presa a que venga a ti, es el símil que se puede utilizar para esperar a que las presas vengan al reclamo de un objetivo de cámara de fotos, sea réflex, compacta digital o analógica. Un safari fotográfico improvisado puede ser esto: despertarse a las 7:30 de la mañana, ducharse, desayunar, viajar en metro hasta una cercana población –en este caso Baracaldo-, o más conocido como ¡Baraka!

El día era lluvioso con menos o más intensidad, pero lluvioso al fin y al cabo; no había truenos, la tronada la llevábamos nosotros; para tener mucha suerte hay que abrir el tercer ojo, y más tarde el cuarto, aunque esto puede dar lugar a bromas pesadas y un poquito escatológicas.

Como llovía demasiado y encima el día se estaba tornando frío e inestable, nos decidimos calentar, yo con un carajillo y mi compañero con un coñá. Para un fotógrafo es bastante, sólo estar dentro de un bar al abrigo de 4 paredes y una calefacción calentita; no sólo hay luces y vasos, sino que también hay animalitos como perritos, unos revoltosos, otros somnolientos y sus dueños leyendo el As con avidez, como dice la canción… Bares qué lugares… Tan gratos para conversar.

Aún con lluvia, seguíamos retando a los elementos y nos pusimos verdaderamente manos a la obra, con el convencimiento de que a la esquina siguiente tendríamos otro bar… En Baracaldo hay vías de tren, edificios semiderruidos, ya cada vez menos; la parte nueva es una maravilla visualmente hablando… Y como ya he dicho hay bares, y tras hacer la última fotillo a algún incauto que pasaba por la calle tapándose con su paraguas, nos fuimos al siguiente bar… En este momento se estaba empezando a abrir el tercer ojo, gracias a toda la cafeína ingerida, junto con el efecto del rico marianito rojo y el rico coñá.

Hay algo innato en Baracaldo que lo caracteriza, y eso son sus gentes, tan “acogedoras” y tan “propias”. Había series de ladrillos de colores alineados de forma caótica en una tormenta de imágenes. El aura de Australia en un bar con un cocodrilo saliendo de la pared y un canguro esperando para recibirte. La historia la reescriben los reporteros de la imagen fresca y directa al mentón. Real como la vida misma.

Tras habernos avituallado con pinchos de toda clase, como es menester en cualquier localidad vizcaína, Don Quijote y Sancho Panza se dirigen a su próxima víctima, que no podría ser otra que las archiconocidas bolas de espejo que han colocado en el museo Guggenheim, con todas las posibilidades que ello implica con un 12x de zoom óptico.

Decidimos que ya era bastante frío el que estábamos chupando, y que se nos estaban poniendo las manos moradas y con poca movilidad y era hora de parar el carro, por lo menos por mi parte; otras personas no tienen límite, no más que otro límite de cuando el cuerpo te dice basta. Ya habían pasado 12 horas y el rally ya estaba llegando a su fin; subí a casa, dejé todos los bártulos, y ya tenía pensado de antemano que tenía que ver un concierto y no sabía bien cuál ir a ver. Por fin, me abrieron el cuarto ojo de pleno. Había un concierto de jazz cojonudísimo de Jackie Revlon con una banda maravillosa bastante rodada ya, por lo que pude ver. El concierto técnicamente más perfecto que he visto de Jackie, un sonido equilibrado, el sitio inmejorable, con un silencio sepulcral ante la diva más conocida de Bilbao. Una voz aterciopelada, un violín dialogando con Ella, un cajón haciendo las veces de percusión de escobillas pero con los muñones. Una guitarra y una guitarra de Estados Unidos y una voz para acompañar, y por último el hombre de los mil cachirulos y cuchufletas; esta vez bailando claqué con sus zapatos traídos de Inglaterra de importación; y el inevitable serrucho…

También en Indauchu, hay ciertas manías, modismos y formas de ser. Cuando acabó el concierto vino la fiesta del IMSERSO; los hoteles en España son así… Baile, música enlatada y cócteles de color rosa. Grandes éxitos del batzoki de hoy y de ayer, la lucha por sobrevivir en Indauchu con tanto estirado se hace imposible de soportar, sin antes de despedirnos de todos los músicos y dejar atrás a tanta gente con el jersey encima de los hombros; de estos que ven la lucha obrera como una extravagancia típica de antes de la Guerra Civil. En fin, otro día de fotones… Fotos de verdad.

http://es.wikipedia.org/wiki/Fotón

THE SEEDS - Pushin' Too Hard!!!!!!

2010-02-02T15:11:00.000-08:00

THE SEEDS – The Seeds (1966) / A Web Of Sound (1966)

The Seeds es uno de esos grupos atípicos que llevan escrito en su frente: “somos tipos duros”. Hace poco que les he descubierto en serio, escuchando su escasa discografía; a raíz de la muerte de Sky Saxon –su vocalista-, he descubierto que hay muchos grupos de garage actuales que sorben directamente de las mieles de lo más crudo de la música de los sesenta. Nada de sentimentalismos baratos, golosinas con mucho azúcar que son malas para los diabéticos, y mucha carraspera, caracterizan a este grupo de Los Angeles. Inspirados por los Rolling Stones, y más especialmente con Mick Jagger, tenemos a un Sky Saxon diferente a todos los vocalistas de la época, una figura erguida sobre su genialidad e impasible mostrarnos que el rock and roll está ahí para permanecer.

Y es que no puedo dejar de mover los pies mientras escucho los dos primeros discos de The Seeds, llenos de blues, chicas fatales en sus temáticas, mucho fuzz-guitar, desfase, drogas, movimientos compulsivos alrededor de una fogata imaginaria. Todo lo necesario para hacer un motín psicodélico, tenemos en las manos con estas joyas imperecederas: del año 1966 los dos discos, el primero de título homónimo y el segundo, un guiño a la red actual en la que escribimos, el disco se llama “A Web Of Sound”.

Sky Saxon, un músico experimentado en la batalla de la música desde muy pronto, era el alma y líder del grupo, las Semillas, un nombre profético en muchos sentidos; profético porque son la semilla del diablo, y son también la semilla de muchos grupos actuales, que escuchando a The Velvet Underground, The Doors, The Who, 13th Floor Elevators, Pretty Things y estos genios del sonido garage, The Seeds, hacen que la escucha de grupos actuales de corte rock, sean inseparables de estos grupos probeta para las fórmulas garajeras actuales.

Hace poco vi un vídeo en youtube del líder de The Seeds, en unos de estos programas de yankis pasados de rosca, contando viejos tiempos del rock primigenio de tierras americanas, y no me podía creer lo que veía, con un Sky Saxon entrado en años, pero todavía aún más extravagante, con unas largas barbas, pelo largo, unas gafas de sol para adictos a la heroína y una voz rasposa al más puro estilo Jim Morrison en sus últimos días. Es cuando decidí adquirir estas joyas del garage.

El grupo está formado por estos chicos:

§ Sky Saxon - Cantante, Guitarra eléctrica

§ Daryl Hooper - Teclado

§ Jan Savage - Guitarra

§ Rick Andridge - Batería

La verdad es que son músicos de corte básico, pero tienen algo excitante en su música. Es una especie de ritmo tribal que sólo los chicos blancos europeos podemos entender muy bien. Es la típica música que un mod experimentado siempre busca para bailar en cualquier fiesta ye-yé. Una batería intensa y machacona, un teclado que me recuerda en ocasiones a Ray Manzarek en los conciertos de la sala The Matrix, con ese sonido brusco y emocionante al mismo tiempo, el guitarrista Jan Savage es ese típico ejemplo de músico todoterreno, correcto, con la técnica necesaria para tocar en un grupo de estas características, pero que emociona igualmente, y no desentona en absoluto. Y la voz fundamental de Sky Saxon, que es comparable a los grandes vocalistas de la historia del siglo XX, como Jim Morrison, Robert Plant, Mick Jagger o el mismísimo Rod Stewart con The Faces.

El disco con el mismo nombre de Las Semillas comienza con una maravilla de canción para calentar motores “Can’t Seem To Make You Mine”, es un medio tiempo con un toque canalla, el amor y el calor está presente en este tema precioso y melancólico. Sigue una canción obsesiva “No Escape”, como el propio título dice no podemos escapar de su ritmo, queremos moderar nuestro sentimiento de autocontrol pero no podemos parar de mover los pies, y empieza a gustarnos de verdad el disco. El siguiente tema me recuerda al tema “Mona” del primer disco de los Stones, con “Loose Your Mind”, sabemos que los chicos no son tan duros y necesitan de caricias femeninas para saciar sus ganas de machacar al mundo entero con sus insistentes cánticos. Sabemos que una explosión de sonido viene a continuación con un tema demoledor de verdad “Evil Hoodoo”, basándose en los temas blueseros de los grandes músicos negros, adapta el sufrimiento negro a la rabia blanca, cinco minutos de intenso sabor de la Costa Oeste, pero paradójicamente suena muy europeo; tremendas sensaciones me embargan. El siguiente tema es monocorde; seguimos con mensajes sexuales, ritmos explosivos que hablan de amor pagano con “Girl I Want You”. El siguiente tema es EL TEMA, por el que todo el mundo conoce a The Seeds; su “Pushin’ Too Hard”. Habla básicamente de la presión de estar en la cresta de la ola en todos los momentos de la vida. Y es que Sky Saxon habla de lo que le presiona una chica, y es un quejido muy a su manera de un sentimiento que todos llevamos dentro: la libertad de seguir haciendo lo que nos gusta y que no nos presionen.

Voy a cambiar de cara, y voy a intentar entender porqué un disco me entra cada vez más y más y me obsesiona escucharlo todos los días; y es que he estado varios días tatareando el “Pushin’ Too Hard” y me ha apretado duro. Con el tema “Try To Understand”, que estoy digiriendo, y no puedo más que seguir moviendo las piernas de forma compulsiva como si fuese un loco poseído por las drogas del desierto. En el siguiente tema, me recuerdan mucho a los primeros The Rolling Stones, con un sonido gamberro y Sky Saxon cada vez poniendo más picante en sus vocalizaciones. A todo esto los demás integrantes del grupo se unen a la fiesta de esta maquinaria perfecta del sonido barriobajero. Y como no podíamos bajar el pistón, y nunca bajar la guardia ante tanta cabronada que nos espera en la vida, The Seeds nos recuerdan que la vida es muy jodida y hay que lidiarla convenientemente con mucho ritmo y rabia; con dos cojones entra a saco esta canción “It’s A Hard Life”. Casi todas son canciones que no sobrepasan los 3 minutos, excepto las que son más obsesivas y deben duran 5 minutos intensos. Sky Saxon tira de su ametralladora psicodélica y le empieza a subir el peyote. Cada vez su música se vuelve más paranoica con “You Can’t Be Trusted”. No hay escapatoria a su ritmo infernal y seguimos con “Excuse, Excuse”; el ambiente se vuelve cada vez más sórdido y nos adentramos en panoramas más psicodélicos. Para acabar el disco tenemos un título que podría ser una canción de los Stones para que las chicas se mearan en las braguitas. Con “Fallin’ In Love”, el disco acaba y pasamos a paisajes más sofisticados.

Llegamos a su segundo disco, y comenzamos con una canción muy movidita, para mover el pandero, para hacer faralaes con las manos, y abrir mucho la boca gritando: Farmer, farmer, farmer… Aquí es genial cómo suena todo, comprimido y aséptico dentro del universo psicodélico que se adivina. El sonido de The Seeds ha cambiado ligeramente y ahora elaboran un poquito más su repertorio, siguen manteniendo su estilo irreverente y la música es cada vez más colorista; y siendo de Los Angeles, también The Doors, suena mucho a este grupo la segunda canción de “Pictures and Designs”, cualquiera diría que están presentes Robbie Krieger, Ray Manzarek y John Densmore. Con la siguiente canción es cuando me empecé a tomar en serio este grupo, y es que “Tripmaker” es una joya para cualquier mod que se precie, un sonido potente, elegante, rotundo y poderoso. Todo esto es “Tripmaker”, una mezcla de sonido circense, vicio y confusión. Algo así como el “My Generation” particular de The Seeds. Con el siguiente tema, es bastante patente que The Seeds han escuchado a su productor que les ha dicho que hagan caso a los gritos de sus féminas seguidoras y les hagan cosquillas en las orejas con esta canción: I Tell Myself, que por cierto tiene unos arreglos muy sencillos y deliciosos. Viene uno de los temazos de este segundo disco “A Web Of Sound” con unas notas flotantes a modo de gotas de lluvia caramelizadas en música, que son una delicia del buen escuchante. El lamento de Sky Saxon sigue en su línea, cada vez más vicio en su voz. En “A Faded Picture” hay un solo de órgano en medio de la canción que hace las delicias de cualquiera, para mí la mejor canción del disco, es para cerrar los ojos y dejarse llevar por todas las sensaciones que te embargan.

Voy a dar la vuelta a la tortilla y vamos a ponerle ajo al disco de vinilo. Con “Rollin’ Machine” entran en el mundo peligroso de lo absurdo y viajamos junto a ellos en una máquina que gira. El siguiente tema es genial –Just Let Go-, un tema rápido y sin concesiones, sigiloso, la guitarra fuzz en ésta se sale de la órbita, le da distinción a este corte, son cuatro minutos que nos preparan para la debacle que nos espera, una canción de casi 15 minutos, esas ideas de los sesenta que surgían de los viajes lisérgicos, en este caso, nos da la impresión de no salir de una habitación de cuatro paredes que rezuman sensualidad, buen rollo, música, poesía, alcohol, un sitio donde refrescarnos las ideas durante 15 minutos en los que en absoluto se nos hace pesado. Si tienes ganas de obtener la verdadera semilla del blues, éste va a ser tu blues; si ya conoces la versión de The Doors –Gloria-, la versión en directo “Roadhouse Blues”, en “Up In Her Room” se aúnan todas las fuerzas del blues negro, las páginas del libro de las esencias que una vez abierto nos impregna con sus palabras sencillas pero llenas de significado profundo.

Sencillamente, este grupo es fundamental para cualquier coleccionista que se precie. Aquí tenéis algunos links para visitar: historia, discografía, letras del grupo y mucho más.

http://www.skysunlightsaxon.com/lyrics/lyrics.html

http://es.wikipedia.org/wiki/The_Seeds

http://indiespot.es/2009/06/26/muere-sky-saxon-cantante-de-the-seeds/

http://www.extendedply.com/mariana/noticias/muere-sky-saxon/

STEVE FORBERT - Un descubrimiento...

2009-10-25T13:53:00.001-07:00

STEVE FORBERT – Un rockero romántico

Con voz cascada por no se sabe muy bien el qué, si bien por la vida, o por el paso rápido de una niñez a la edad adulta sin adolescencia, puede ser fruto, esa voz tan cálida y especial. Un rockero con un corazón latiendo con fuerza fuera de su caja eléctrica, es Steve Forbert, un cantante de rock capaz de emocionar a cualquiera que esté acostumbrado a escuchar a los grandes de la música. No es tan conocido Steve Forbert como Neil Diamond, Bruce Springsteen, Bob Dylan o Leonard Cohen; y a la vez es coetáneo de ellos. El mismo gusto por hacerlo bien en su sonido, en su cara se ve esa ilusión del que se sabe en posesión de algo fresco.

Una portada de colores carmín rojo y negro, formando rosas alrededor de una foto suya sonriendo con una gran guitarra acústica. Es uno de los legados de la tienda que más satisfacciones me ha dado en esto de la compra de discos. A Oxford iba como de costumbre a escuchar algún disco nuevo o sugerencia de Josu, y me llamó la atención un disco con un tío con cara de campechano y buena persona; es de esos discos que no te esperas que vayan a ser un gran descubrimiento y años después todavía piensas en ese momento mágico cuando lo adquiriste…

Comencé a escuchar con atención todas las canciones y deleitándome, y Josu mirándome con complicidad y asintiendo a todos los elogios que decía sobre este disco; y en verdad, me comentaba que cada vez yo tenía más gusto por los discos, y me hablaba del poco gusto por la música que hay por Bilbao; sólo unos cuantos nos preocupamos de comprar discos de verdad, y no dedicarnos exclusivamente a la escucha compulsiva del famoso emepetrés.

Este disco se llama “Steve Forbert – More Young Guitar Days-. Y el disco comienza con una maravilla que se deja escuchar; un medio tiempo de una sesión de 1981 con banda completa, la canción se llama “Listen To Me (slow version)”, que como bien dice el título y resulta muy agradable de oír, unas guitarras flotantes y un acompañamiento a la par; seguido de esa misma sesión viene una de las canciones más entrañables de Steve. Se llama “Everybody needs a real good friend”, que supongo que rememorando a los Beatles con su famoso tema que cantaba Ringo –With a little help from my friends-, éste sin embargo tiene ese toque de bar y camaradería que sólo da la conversación que produce el alcohol.

Tercer tema, y uno de los mejores, se llama “Smoky Windows (piano version)”, que como muy bien dice el título, se trata de una canción tenebrosamente romántica; un piano rotundo, una acordeón que se oye por el fondo que lo hace todo junto a una acústica bien templada, y todo esto con el acompañamiento de la armónica de Steve y unos coros de Diane Davidson. Definitivamente esta canción me pone el vello de punta. En la misma sesión de 1979 de Nashville se sucede otro medio tiempo al más puro estilo de baladista agotado por el tabaco apagado en un cenicero y la pluma seca de escribir en una hoja emborronada. Es la canción “Witch Blues (alternate take)” que como su palabra clave “blues” bien lo dice, es una de esas canciones apesadumbradas.

Como todos los discos deben tener más o menos por mandato de producción una canción rápida, o al menos para mover el esqueleto o ponerla en el radiocassette de un coche, aquí tenemos la quinta canción que está grabada en Nueva York en 1982. Con un estribillo que repite una y otra vez el “You Gotta Go” de su título. A continuación tenemos una especie de blues tabernero con una armónica al más puro estilo dylaniano, que una vez más habla en clave de blues. Volvemos a 1981 y la canción se llama “No use running from the blues”.

En la séptima canción nos vamos directamente a 1978, otra vez NYC, y esta vez encontramos una delicia sedosa para los oídos, para los poros de la piel, para abrirlos en canal, dejarse atravesar por las melodiosas sensaciones de la guitarra acústica de Steve; aquí tenemos guitarra acústica, armónica, una mandolina excepcional, una acordeón que no se sabe quién la toca y una percusión manual de caja de guitarra, muy efectiva para resbalarnos dentro de “The Oil Song (original version)” – toda una gozada para no cansarse…

El octavo tema –Down by the Sally Gardens-, que es emocionante a más no poder, un tema a capela de Steve Forbert con su voz y guitarra y solamente acompañado por Paul Errico en la acordeón; una canción que emana sensaciones de viejos trovadores y es como si arrancara de la nada para clavarse en nuestra alma como el mejor de los whiskeys; la voz de Steve se quiebra y provoca en el escuchante una emoción difícil de explicar.

Un rockero no puede limitarse a hacer rock and roll, y Steve Forbert no hace exactamente rock and roll; funde los sonidos del rock clásico con los guardianes de las canciones ancestrales, que somos todos. En la siguiente canción –Young guitar days (demo)- Forbert deja que fluyan los ritmos negros e incluye sección de vientos.

Seguimos con 3 temas grabados el 24 de noviembre de 1979, y hay dos temas fundamentales dentro de la discografía de Steve Forbert. Uno es “Romeo’s Tune”, que siempre me ha recordado a “Like a Rolling Stone”, tiene ese desarrollo largo y elaborado con multitud de instrumentación, elegante y profundamente americano, con esa mezcla entre dura-agridulce, tema de los emocionales y directos para el público masivo. El tema “Grand Central Station” también cumple ese rol de canción para masas, esa voz quejumbrosa de Steve otra vez preside el escenario de Boston de este año 1979. Para acabar con las canciones en directo, tenemos un tema vacilón que se llama “Oh Camille”, con un curioso juego de guitarra acústica y armónica, acompañado magistralmente por Paul Errico.

La siguiente canción es una lección de añoranzas del típico hombre del rock and roll, que suele vivir el músico cuando va de una ciudad a otra, y conoce gente, la gente le conoce a él, la gente escucha su música, la gente baila con su música, la gente apunta su nombre y compra su vinilo en la tienda o se lo compra a él directamente y acto seguido ya ha conseguido su nuevo trofeo con el vinilo firmado. Reminiscencias de Bo Didley y ciudades de Estados Unidos, Costa Este y Oeste.

Continuando con el viaje del pobre músico que ensaya en la furgoneta una nueva canción; esa es la sensación que da esta canción; inmediata, y tan inmediata que está grabada en un motel, en la habitación 286 en algún sitio de los Estados Unidos de América.

El disco acaba con la niña bonita, la canción “Comedy heights”; que curiosamente me recuerda una balada de Rod Stewart donde los músicos son Steve Forbert a la voz y teclados, Clay Barnes a todas las guitarras y bajo, Mike Pollock en la batería y un anónimo en los sintetizadores. Un broche de oro para acabar con un disco redondo, y no precisamente en su forma geométrica.

Si todavía no conoces a Steve Forbert, no sé a qué estás esperando. Es uno de esos descubrimientos que pueden cambiarte la vida y hacértela más llevadera. Yo siempre lo tengo a mano. Espero que tú también lo tengas a mano en breves.

LEONARD COHEN EN EL BEC DE BARACALDO 20090917 - La avalancha del sonido...

2009-09-18T09:43:00.000-07:00

Me recordaba a uno de aquellos festivales de música para gente entendida que tanto se daba en los años setenta, sólo que en este caso era en nuestros días, un montón de gente de 40, 50, ó hasta 60 años para arriba moviendo el esqueleto al compás de las cajas de ritmos del doctor house. Un montón de libros de filosofía, poesía y narrativa alternativa, faltaron en la tienda oficial de la gira más larga del mundo…

Una gira llena de cambios ilógicos, un día me vengo a España y otro día me voy a Siberia; un día me voy a Brasil y otra a la Alaska; otro día me voy a Australia y otro me voy a cualquier estado de la costa Oeste de los Estados Unidos. En un mundo globalizado, según me han dicho, todo está al alcance de nuestra mano. Hasta Leonard Cohen está a nuestro alcance. El día 17 de septiembre de 2009 se recordará como el día que un hombre de casi 75 por cumplir, se atreve a hacer más de 3 horas de concierto. Todo un fenómeno mediático, toda una leyenda, todo un portento de la antigua forma de entender la música nos visitó este día tan señalado.

En cuanto al sitio, siempre he dicho lo mismo de este tipo de sitios, es muy difícil sonorizar espacios tan grandes como éste, pero The Who en este incomparable lugar tuvieron un sonido impecable; Leonard Cohen fue otro de esos casos, pero la única pega que le pongo, y creo que muy importante, es el volumen del concierto, que cuando aplaudía la gente o coreaba sus canciones o daba palmadas, no se oía nada más que al bendito público, un público anclado a sus sillas por más de dos horas y media, y que ya tras ese momento tranquilo decidió que había que dar a Leonard un homenaje como se merece. Un señor de 75 años que esté de pie más de 3 horas en un escenario, tiene su mérito.

No nos podemos quejar para nada del repertorio, a falta de volumen, muchos temas. A falta de pan buenas son tortas, dicen los sabios; y qué razón tienen… Un primer pase tranquilito, bastante tranquilito diría yo, con todo clásicos, tuvimos al Leonard Cohen judío, tuvimos el Leonard Cohen bohemio, tuvimos al Leonard Cohen picante, tuvimos miles de Leonard Cohens juntos en un concierto. Y repito, un señor de 75 años con ganas de ganarse la jubilación tras su incidente con su agente comercial y compañera que se adueñó de todas sus ganancias mientras él estaba tranquilamente descansando su espíritu en el monte Baldy al Sur de California donde se dedicó a cocinar para su maestro espiritual Sashaki Roshi quien le instruyó para ser monje Zen con el nombre de Jikan (el silencioso) –esto parece una premonición por la avalancha de sonido que tuvimos que soportar, silencio que hay mucho ruido señores y señoras-.

Fue notoria la querencia de Cohen por su disco “I’m Your Man”, del que sólo se quedó sin tocar “Jazz Police”, de ocho temas, siete; y es que este disco es de lo mejorcito que tiene, cuando se apuntó a las nuevas tecnologías que dieron marcha a su música, acompañado siempre de las cantantes más guapas y eficientes, resaltar aquí temas como “Everybody knows”, “I Can’t Forget”, “I’m Your Man”, y para el broche final el obligado “First We Take Manhattan” y “Take This Waltz”, que fue uno de los momentos álgidos en los que la gente se vio abrigada por el misterio del judío errante.

Todo el mundo esperando la avalancha instrumental y no acababa de llegar, y quizá eso del Cohen silencioso era de verdad y todo. Empezamos a escuchar los primeros arpegios del “Avalanche” en un par de canciones, pero no materializó la mágica canción, y sonó “Suzanne” y otra del disco que interpretó fue la también obligada y triste canción –que a mí personalmente fue una de las que más me emocionaron, que es “Famous Blue Raincoat”-. Otro de los grandes temas que por supuesto no podía faltar es “Hallelujah”.

Temas lentos, melancólicos, poéticos, aterciopelados, acaramelados y amargos, son los que han dado a Leonard Cohen esa fama de ángel exterminador de las buenas obras; y es que él lo decía, cuanto peor van las cosas en el mundo, para mí mejor. Es un profesional del buen estar y del buen tratar a la gente. Y por supuesto, hablar del grupo que lleva en esta gira que es de auténtico lujo, entre otros tiene dos hermanitas –Charlie y Hattie Web, las soul sisters-, Sharon Robinson destacada corista de Diana Ross y un sinfín de prodigiosos músicos que fueron desfilando, saltando y quitándose la gorra ante el Cohen con sombrero de joyero judío de Nueva York. Todavía se me pone la piel de gallina recordando algunos temas y sintiendo ese ambiente mesiánico que había… Pero fue tanto el repertorio que no me puedo olvidar, no me puedo olvidar, pero no recuerdo el qué…

Una torre de canciones interminables, que fueron un regalo. Un torrente de sonidos sin un volumen adecuado; pero al menos me quedo con que el vejete de 75 años de signo Virgo, hace honor a su signo –creativos, introspectivos y maniáticos-.

Un vasito de cava te podías tomar por 4 €, la caña a 2,60€ y el cachis a 7,50€, las camisetas con el signo coheniano de los dos corazones formando una estrella de 6 puntas a precio de 30 €, algún DVD a 20€, insignias metálicas a 6€ y un montón de regalitos que teniendo ganas de gastar podías adquirir sin ningún problema. Sillas nuevas que olían a nuevo petróleo recién refinado mezclado con resinas, unos asientos puestos malamente con lo único que podías ver es cabezas moviéndose caóticamente y a descompás; problema que con un buen entramado de mecanotubo y unas sillas en pendiente para evitar esto.

Por lo demás, nada por mi parte. Todo mi respeto a un señor que lleva acompañándome desde que le descubrí en la tele en el 1987 con aquel disco de cantautor-house-fatalismo, llamado “I’m Your Man”, que tenía una marcha del copón. He vuelto a desempolvar mis discos apilados en una estantería y he sacado los otros 3 que completan mi colección en cedé, que son “New Skin For The Old Ceremony”, “Death Of A Ladies’ Man” y el magnífico “Songs Of Love And Hate”, que es mi favorito sin duda.

IZAR HERRÁN EN DORIAN 20090911

2009-09-12T05:01:00.000-07:00

Cuando nos quedamos solos en una habitación tenemos miedo, y más si nos quedamos a oscuras con la sola presencia de los espíritus de esa habitación. Con un concierto pasa igual, tenemos siempre la incertidumbre de que algo salga mal. Y efectivamente algo sale mal, a veces; y casualmente a veces, se crean un cúmulo de causalidades y casualidades que nos hacen pensar que no estamos solos en este mundo de materialismo.

http://www.goear.com/listen/8881f9e/Spirits-In-The-Material-World--the-police

Tema: Spirits in the material World de Police.

El caso es que Izar Herrán ha tenido la mala suerte, o la buena suerte, según se vea, de quedarse sola en el escenario y llenar todos los espacios vacíos que han quedado tras la marcha de su compañero de dúo en Blue Bayou. Todavía figuraba en el cartel el nombre de Blue Bayou, con un colorido ciánico en él, Izar aparecía como es, un ángel, guapa, ojos grandes, voz angelical, poderosa voz; me llegaron a comentar en el público que es una persona que atrapa con su sola presencia, no puedes dejar de mirarla cuando toca temas de Jewel, Eva Cassidy, Bruce Springsteen, Linda Ronstand, y una infinidad de talentos de la música americana o típicamente americana que conocemos.

Hay más casos en el cine, en la vida, y en cualquier otra disciplina, en los que ser previsor te evita más de un disgusto. Harry el Sucio hizo creer a su víctima en la primera escena que tenía una bala en la recámara, pero como se creía superior le hizo creer que la tenía, y al final descargó la bala imaginaria sobre el negro delincuente que estaba en el suelo. Cuando vas a la montaña te llevas ropa de abrigo, calcetines de más, unas botas adecuadas para evitar torceduras; aunque muchas veces no se lleve, siempre jugamos con ese factor sorpresa de que nos pueda coger la tormenta justo en la cumbre.

Izar, hasta ahora siempre iba con lo puesto, esa guitarra acústica de colores tan bonitos y cálidos, sus seis cuerdas puestas, y nada más que la funda del instrumento para tapar las posibles imperfecciones de una cuerda nueva o una cuerda usada y castigada por las temperaturas; también hay que tener en cuenta eso. Los aparatos cuando se quedan parados largo rato, suelen estropearse; y suelen tener espíritus burlones dentro que nos chafan en el momento más oportuno.

A Izar se le rompió una cuerda en la segunda canción del espectáculo, y se paró de momento, durante unos veinte minutos, hasta que un amable compañero músico que suele frecuentar el Dorian, tuvo la genial idea de bajar una cuerda de su casa, y Adolfo, un buen amigo del Residence, y que es seguidor habitual de Izar y sus proyectos, le ayudó a poner la cuerda en su sitio y templarla como es debido. Hasta que la cuerda se asienta se suele desafinar un puntito, que le dio un puntito de locura al concierto.

He visto pocas veces brillar tanto los ojos de Izar como en este concierto. Me ha emocionado mucho que se haya recuperado así de las vicisitudes de un concierto y nos haya dado su mejor concierto desde que la llevo viendo. No conozco muy bien los motivos de la separación de Blue Bayou, pero sí creo que va a formar un grupo de música folk-blues de músicos buenísimos. Uno de esos grupos como The Band, para recuperar la emoción por vivir y escuchar verdadera música.

Hay un nuevo revólver en la ciudad de Bilbao, viene de un pueblo cercano –Llodio- y se maneja muy bien con el envaine y desenvaine como John Wayne. Sus mejores armas, son su guitarra, su voz y su magnetismo. En su funda lleva bordado con letras de oro “Izar Herrán”, y pertenece a la banda “Blue Bayou”.

http://www.youtube.com/watch?v=T5Xl0Qry-hA

Tema: Bang Bang (my baby shot me down) de Nancy Sinatra.

Y haz caso a tu doctor: llévate un juego de cuerdas completo, o al menos llévate las cuerdas que más se rompen; o simplemente llévate otra guitarra encima, afinada y todo. Yo personalmente cuando salgo de casa con mi cámara, no suelo salir sin las pilas cargadas y tarjetas de memoria disponibles para ser llenadas, incluso así, puede haber problemas; pero que no se diga que no vamos preparados para la batalla.

Era 11 de septiembre de 2009, viernes y hacía 8 años que las torres gemelas habían caído, es el día de Cataluña también; son dos posibilidades -1 te salen bien las cosas- y -1 te salen mal las cosas-. Pero de todas formas salieron muy bien gracias a tu buen hacer y gracias también a que hipnotizaste al público con tus encantos musicales.

MICHEL CAMILO TRIO en Getxo Jazz 2009 (20090703)

2009-07-04T10:55:00.000-07:00

Dicen que el piano es un instrumento de percusión, más exactamente es una mezcla de un instrumento de cuerda con percusión aplicada y bastante complicado de tocar, las notas están preestablecidas y debe estar afinado, si no, no sonará bien. Se puede tocar con los pies, con la cabeza, con el culo, y cáspita, se puede tocar con las manos. En los cánones de las buenas conductas pianísticas, el piano lo tocan grandes virtuosos, muchos de ellos de la música clásica y también la orientación al jazz es otra disciplina a tener en cuenta.

Michel Camilo es uno de esos pianistas capaz de comenzar de forma salvaje y tener a la gente comiendo de su mano, puede hacer un tema lento y hacer llorar con esos silencios y largos tan tristes a lo Coltrane y a lo Miles. Parecía que Michel Camilo conocía muy bien este escenario rodeado de una carpa blanca, buena organización, no dejando pasar ningún objeto peligroso, la única pega que le pongo es que no había bar dentro del recinto, y para ver jazz, por lo menos para mí, me hace falta tener una buena copa en la mano para disfrutar del mágico momento de las teclas percutidas.

Acompañado de dos excelentes músicos, maestros de ceremonias y maestros reposteros del mejor jazz fusión, jazz latino, o como lo quieran llamar, lo cierto es que el esfuerzo para el bolsillo con 25 €, para sacar una entrada BBK, ha merecido la pena, y con creces; se notaba que tenía ganado al público desde un inicio. Es curioso cómo la gente a veces no es tonta y sabe apreciar un músico de verdad.

Pecando a veces de bruto dando candela a diestro y siniestro a las blancas y negras, Michel se comunicaba con sonrisas con su contrabajista, y en cada nota vital ponían ese toque personal y latino a todo lo que hacían. En cuanto al baterista, todo un virtuoso de los timbales, platos, caja y bombo, delicado cuando se requería y extremadamente agresivo en los momentos álgidos del concierto.

El concierto comenzó con un tema exultante de ritmo y lleno de energía; fue presentar a Michel Camilo Trío y arrancar en aplausos el respetuoso público que allí se daba cita. La verdad que no se puede empezar con tanta energía y sacar del congelador al público; eso es un logro, y Michel Camilo es un astro del jazz-latino y de la música universal en general, un virtuoso, compositor y ante todo humilde. Trabajo es la palabra, horas de trabajo es el factor de tiempo, y toneladas de amor en todo lo que toca.

Siguiendo con la misión de poner los puntos sobre las íes, poniendo el dedo en la llaga, cogiendo al toro por los cuernos, y no soltando la capota sobre un ruedo lleno de flores olorosas, Michel Camilo no se cansa de hacer ejercicios de dedos con las teclas de notas puras y tocando el ébano entre todas las notas que como balas se clavaban en los tímpanos, el cerebro humano no acaba de digerir el sonido incesante del mejor jazz latino. Todo un lujo poder sentir en propias carnes este lujazo musical, para luego ir a la jam session en otra taberna donde se juntan todos los doctos en esta difícil disciplina; allí estaba el teclista de Cherry Boopers, los más osados blueseros de las noches de jam de Residence Yahvé Mediavilla e Israel Santamaría, había un montón de conocidos, desconocidos por conocer, y conocedores de lo desconocido. Se puede decir que allí descubrimos el verdadero sentido del jazz: el poder de emocionar.

Un buen amigo fotógrafo fue compañero de batallas durante toda la noche, y el plan se alargó hasta tarde. Un gazpacho Alvalle – toque andaluz, agua congelada para descongelar mientras duerme, pone el ventilador en su habitación para alejar ronquidos de su aita que ronca como un cochino cabrón, es lo que iba a hacer al día siguiente: es un buen plan para el fin de semana, toneladas de humo mezclados con punzantes cenizas en el aire, sonidos roncos surcando el aire y la frescura de la música en directo. Como diría Juan Claudio Cifuentes: esto es jazz entre amigos.

ZIMMING POINT - Dead Wasp Sting (nuevo disco)

2009-06-26T11:59:00.001-07:00

Tengo entre mis manos uno de esos discos que al mirarlos a primera vista, siempre te preguntas algo. En este caso te preguntas por qué en la portada aparece un himenóptero, es decir una avispa, perfectamente dibujada, de esos dibujos de los libros de campo para conocer a los insectos con los que vivimos. El disco es Dead Wasp Sting, traducido al español: el aguijón de la avispa muerta. No es un digipack, pero en su interior tiene todo lujo de detalles sobre las participaciones de músicos, desinteresadamente de este dylaniano declarado, que no es otro que J.B. Heinink. Gracias a él lo tengo de regalo, y la verdad que suena muy bien y equilibrado. En su contraportada hay una foto de las torres Isozaki que tanta personalidad han dado a la capital vizcaina.

Y la canción que me dispongo a comentar es la quinta canción del álbum, llamada “Catfish”; siempre pienso en Catfish Louis cuando oigo esta palabra. Es un tema en medio tiempo, elegante y obsesivo. Pero por ser obsesivo no es aburrido para nada; tiene una atmósfera de bar lleno de humo. Hay un hermanamiento entre dos instrumentos que a mi entender tienen un protagonismo casi omnipresente en toda la canción: son dos instrumentos que son la guitarra eléctrica y el órgano, aunque el protagonismo del resto de los instrumentos para nada es anecdótica; se puede decir que forma una composición contundente y bien organizada.

Según voy poniendo en la función repetición esta canción, cada vez me gusta más y me engancha; podría ser el segundo single del disco. Indiscutiblemente un tema importante y a tener muy en cuenta es el tema trece“Dead Wicked Messenger”, con la urgencia típica de Dylan en sus momentos para carreteriles. Tiene un feeling especial, es un blues raro pero efectivo. Como he dicho antes es el típico tema para poner en un bar después de medianoche cuando la gente ha acabado de ver un concierto de blues.

En realidad tiene otra lectura diferente lo de la avispita, y como es bien sabido WASP es un grupo heavy de los ochenta al que solía escuchar de vez en cuando, y significa WHITE ANGLO SAXON PROTESTANT (blanco – anglo – sajón – protestante), aunque este acrónimo inglés es desmentido por la propia banda, y ciertos colectivos conservadores norteamericanos consideraron estas siglas como “We Are Sexual Perverts” (somos pervertidos sexuales), o We Are Satanic People (Somos gente satánica), pero bueno, creo que tenía que explicarlo; también recordar que hay una canción del disco L.A.Woman de The Doors que se llama “WASP (Texas Radio And The Big Beat)”, o también conocida como “Stoned Inmaculated”.

Sólo deciros que si hay alguien que quiere adquirir a este discípulo de Dylan encarnando el grupo más dylaniano de Bilbao y posiblemente de toda la provincia, tiene que escuchar este disco y otro más que tienen Zimming Point –Some Came Rolling Down- con más temas vibrantes y espectacularmente blueseros, folkies, rockeros. Si te gusta Dylan, te gusta Zimming Point, y es que las grabaciones han salido muy redonditas, con Saúl Santolaria y J.B. Heinink en la producción, en sus estudios de Urduliz.

El personal es el siguiente:

Félix Cabezas: vocals, bass, acoustic and electric guitars

Lucas Cortázar: vocals, electric guitar, organ and piano

Juan Gumuzio “Gumu”: vocals, banjo, drums, accoustic and electric guitars

Juan B. Heinink “JB”: vocals, harmonica, kazoo and acoustic guitar

Rubén Sastre: drums

Aitor Alejandro: organ and vocals

Pablo Almaraz: harmonica

Isabel Santamaría: piano

Gorka Mirantes: percusión

David Martín: bass

Manu Iturregi: accordion

John Franks: vocals

Saúl Santolaria: percussion

PD: el escribir una crónica sobre un disco me hace sentir como si fuera Óscar Cubillo haciendo una crítica-canapé-sirope de fresa-superguay vestido de frac para la ocasión, o Cifuentes en un concierto de Sepultura. Sólo dar las gracias a músicos como éstos que he citado a que sigan con el afán de hacérnoslo pasar bien al personal. Y según sigo escuchando más cortes del disco, me va gustando más, aunque la voz de J.B. la podría confundir tranquilamente con la de Dylan.

MICHAEL JACKSON HA MUERTO (26.6.2009)

2009-06-25T18:20:00.000-07:00

No tengo un cigarrillo entre los dedos, ni tampoco me meto rallas, ni tampoco me esnifo pegamento, no me follo a niños, no creo en las megaestrellas, veo películas de Hollywood buscando la verdad en el celuloide, pero la verdad es que no he encontrado nada lo suficientemente bueno como para grabarlo en mi memoria portátil y llevármelo a todas partes para enseñárselo a mis amigos.

Pero hoy ha muerto Michael Jackson y creo que estoy muy afectado, porque además de ser un gran artista, creo que ha formado gran parte de nuestra niñez, un artista capaz de aterrorizar a una generación con un vídeo de música que se basó en una película de terror, ¿o fue una película de terror la que se basó en un vídeo?

El caso es que no quiero que me coman la cabeza con tanta palabrería barata. Sólo quiero escuchar dos discos clave en la carrera de Michael Jackson, que son “Thriller” y “Bad”. Con este último aprendí en mis días mozos que se puede ser malo y condescendiente y se puede ser malo siendo bueno, y se puede ser bueno siendo malo; pero no se puede tener talento sin tenerlo.

Precisamente esta noche antes de montarme en un taxi para ir a mi casa, me he enterado de que Michael Jackson ha muerto, y la verdad que han matado algo de mi infancia, aquella película de “Moonwalker”, aunque siendo un horror, sigue siendo una de esas cosas que te marcan la vida y sigues recordando con cierta añoranza. Aquellas salas de cine que ponían películas de todo tipo, los acomodadores, los conciertos, cuando no había DVD, había VHS, y aún así la gente seguía yendo a ver pelis.

Hoy hago un velatorio simbólico por dos grandes: Antonio Vega y Michael Jackson. Ahora voy a ponerme dos clásicos de ayer y de hoy: “El sitio de mi recreo” y “Billie Jean”. Dos artistas que acabaron casi a la par sus días de gloria: 1988.

http://www.goear.com/listen/e2e7add/Dont-stop-till-you-get-enough-Michael-Jackson

Tema: Don't Stop Till You Get Enough - MICHAEL JACKSON

http://www.goear.com/listen/cdb0d7c/El-sitio-de-mi-recreo-Antonio-Vega

Tema: El Sitio de mi Recreo - ANTONIO VEGA

MALCOLM SCARPA EN LOS BILLARES DE ROMO

2009-06-20T05:53:00.000-07:00

MALCOLM SCARPA EN LOS BILLARES DE ROMO-LAS ARENAS-GUECHO O EL TÍO DEL TRAJE VACÍO COLGADO DE UNA PARED SUCIA

Cito a Malcolm Scarpa: Miro un cuadro que hay colgado en la pared, está pintado realmente mal, pero hace dos años yo pensaba que era genial. Todo sigue idéntico en general, pero tus risas se han ido a otro lugar. Miro en el sofá y ya no estás.

Esta sensación más o menos es la que llevo yo después de haber estado en la Feria del Humor 2009 de Lejona, donde he visto el “compañerismo” que hay entre gente de la “cuadrilla”. Pero he de decir que gracias a haber ido a ver el día 19 de junio a la Feria del Humor 2009, me encontré en el Metro de Bilbao a Malcolm Scarpa con otro compañero al que conocía de vista, un tipo que tiene unos aires de Elvis Costello, y me dijeron que en los billares de la calle Urquizu de Romo – Las Arenas – Guecho – había un concierto de un tipo extraño mirando por encima de las gafas y hablando de pequeñas chicas, secretarias trabajando debajo de la mesa y arte decadente: el gran Malcolm.

En cuanto salí de la puerta del Metro-Bilbao y guiándome por los aros olímpicos que hay en cada estación –éstos son por duplicado-; me encontraba algo aturdido por haber visto sólo un par de fotos buenas en la exposición de la Feria del Humor. Pero ahora que estoy escuchando este pedazo de trabajo con un diseño cojonudo en la portada para empezar; se llama “El Traje Vacío” y sale un traje vacío donde se supone que está el cantante; estoy empezando a mascar los primeros acordes del disco y me he dado cuenta de que pocos discos hay hoy día como esta pequeña maravilla, lo tiene todo: introspección, psicodelia, música de salón, el absurdo de las palabras y mucho de Syd Barrett.

En directo Malcolm sólo le basta tener una guitarra, un amplificador y un juego de voces con dos altavoces para acallar a imbéciles que no paran de hablar. Repasa éxitos ocultos y otros no tan ocultos y talentos perdidos y cantantes y más cantantes. El habitáculo era enorme y mi resaca más. Y es ese viento maldito que no me deja respirar el que me empuja a ser más fuerte y pasar de estúpidos y estupideces. Estábamos algún loco que otro, sentados en aquel bar de madera llena de gente hasta que llegó Malcolm con su ejército de antipáticos animales psicodélicos. Y como cuando Chubby Checker en su apogeo y su “Let’s Twist Again” y demás gilipolleces, Malcolm hizo lo mismo que Checker con este último disco, y dando rienda suelta a su talentoso talento ha grabado un disco y como hiciera Chubby en su día que se fue a Holanda, se perdió por Amsterdamm se fumó unos petardos y grabó un disco de psicodelia. Todo un hito en la música del que poco se conoce. Y es que España no es país para genios y muchos países y este mundo en general no es justo con la gente que vale.

Había un perímetro de seguridad para proteger a Malcolm de sus propios fans. Tenía exactamente 7 discos para vender entre los 7 locos que había en los billares. Una hora bastó para acabar con el repertorio. Pantalones carmín de enfermera, zapatillas de moda –pero no mucho- y una sudadera negra del catálogo Carrefour. Un tío me dijo si el concierto empezaba ya, cuando era media hora más tarde de la hora prevista, y al acabar me preguntó otra vez que si el concierto había empezado a eso de las 22:15. La gente tiene el reloj biológico muy mal regulado…

IGRICZEK - Residence-Café (Bilbao a 7 de junio de 2009)

2009-06-07T16:50:00.001-07:00

Como si se tratara de un cuento perdido en los tiempos, vinieron unos trovadores vagando por los campos de Hungría y Moldavia, cantando canciones manadas de un libro raído por los avatares de la historia, polvoriento después de haber estado mucho tiempo encerrado en un mueble hecho de maderas nobles, y ensalzando su condición de centroeuropeos, traernos su hospitalidad en forma de música celestial en este solar de vacíos sociales y ancestrales, llamado España.

Hacía falta que viniesen los bárbaros para aporrear los tambores fabricados con piel de vaca supongo; de los que se encargaban dos percusionistas que cuando tenían que atender los parches ablandaban las pieles de vaca y las calentaban al son de los sudores ocasionados por el calor del Residence, dos hombres bárbaros que al dúo tocaban dos gaitas húngaras, los cuales soplaban al unísono y mantenían un sonido largo y tribal gracias al cual todos los asistentes al concierto entrábamos en trance místico. Una violinista de reducidas dimensiones y que tocaba el instrumento de forma magistral, ejecutaba notas cortantes y rápidas a través del galope tendido de sus compañeros percusionistas, y por fin una delicia de cantante con una voz limpia y que tomaba té adornaba los compases con cascabeles y percusiones de cerámica –otro tema más para entrar en contacto con los elementales europeos-; el hombre rubio de la gaita –József Szedlák- se encargaba de hacer el dúo con la guapa cantante –Andrea Navratil-.

Allí estaba Osés, el mayor fabricante de albokas de la comarca presentando el evento para los pocos y sibaritas escuchantes de las mejores mieles del centro de Europa; y es que Europa tiene tantos músicos y artistas interesantes en general que cuesta imaginarse el mundo moderno sin la vieja Europa y también la nueva sin olvidar la vieja. IGRICZEK es un grupo de músicos a la antigua usanza, que gustan de viajar por todos los sitios con sus vestimentas antiguas, exhibiendo la bandera de los avatares dorados en sus espaldas, rojos y dorados, lilas y ocres, especialistas en cruces de caminos entre Oriente Medio, centro de Europa, músicas judías, gitanas, moras y por qué no, también de la península ibérica.

Todo un deleite para los sentidos; si cerráramos los ojos y necesitaríamos pensar en un olor, seguramente olería a incienso, si nos tapamos los oídos y les vemos, viajamos en el tiempo hasta la Edad Media donde bailaban los malandrines por los campos verdes.

El segundo domingo inolvidable en un local atípico con músicos atípicos y con una gente atípica y con ganas de saber más cada día. Un servidor que al verles, cerró los ojos y se imaginó en las verdes praderas de Centro-Europa.

Os recomiendo encarecidamente este grupazo, que sin llamar mucho la atención, son gente humilde, abierta, y llegan al alma humana; cantan en idiomas extraños para nosotros, pero con una musicalidad impregnada en los versos del pergamino. Yo me compré los dos discos con una estética exquisita, en digipack los dos, con una edición de las carátulas con todo lujo de detalles: fotos, dibujos, letras y aromas a antiguo.

Lobos, mariposas, dragones y serpientes, hiedras enroscadas y campos de trigo, signos que simbolizan el sol, y nosotros con las manos abiertas al cielo a que nos caiga la lluvia purificadora del encanto de Hungría y Moldavia juntas.

http://igriczek.hu/

NEIL YOUNG EN ANOETA - SAN SEBASTIÁN 31-5-2009

2009-06-01T05:23:00.000-07:00

Ahí salía el hombre tímido y solitario. Pero había un montón de gente dispuesta a aplaudir cada una de sus indecisiones benditas en cada final de canción. Este hombre que en la película de Scorssesse acompañando a La Banda (The Band), salía con ese ánimo dedicado a su pasión: la música; nada más que la música, hasta quedarse sordo, sublimando su situación de salud, y entregándose hasta más no poder, ese hombre es Neil Young; aunque no tenga a su banda de siempre, el siempre perfeccionista y dedicado a las causas perdidas: sus aficionados abnegados, ese anfitrión invisible, la aguja, el loco y la bruja, hacen acto de presencia entre tanto cuento de hadas, humo de marihuana, espuma de cerveza y parqué barato pisado por los carrozas del rock, una legión de treintañeros para arriba…

Vino danzando a través del agua, trajo muchos regalos para Montezuma que estaba en la orilla con sus perlas y sus hojas de coca. Trajo a una legión de personajes del universo de Neil, un universo difícil de explicar si no estás inmerso en su mundo de hadas, hippies y tíos raros que sólo quieren bailar rock and roll. Trajo un montón de clásicos debajo del brazo, y lo dio todo durante dos horas; con su niqui blanco, la camisa de franela encima sin abrochar, sus pantalones desgastados, sus zapatillas sucias por el barro de Woodstock, los coros de Crosby, Stills & Nash, Pocahontas y yo. Todo estaba a sus pies, una legión de aficionados emocionándose con cada una de sus canciones, con el vello de punta en todo momento; y entregados a la causa.

El equipo de sonido de costumbre, un altavoz de 1000 Watios detrás de Neil, reventado por las miles de cuchillas de sus seis cuerdas, el calor humano de los suyos–uno de ellos Ben Keith-, dos coristas, su mujer al piano. La gente aclamando cada uno de los temas, con pasión y a veces con lágrimas en los ojos por la emoción de escuchar un “Cortez The Killer”, un “Pocahontas”, un “Old Man”, alguno de sus clásicos ocultos en discos como “Old Ways” o “Comes A Time”. Todo un lujo ver a un viejo de 64 años que puede dar lecciones a muchos jovenzuelos en cuanto a tesón y buen hacer, con un handicap de su salud frágil.

Se palpaba algo extraño antes de que empezara el concierto. Una expectación que sólo hay cuando sale al escenario un músico grande de verdad. Electricidad estática y un respeto absoluto hacia uno de los monstruos del rock en todas las décadas, algunas un poquito oscuras como en los ochenta con discos como “Landing On Water” o “Life”. Aunque personalmente reconozco que soy un fan de todo lo que hizo.

Finalmente salió al escenario y sonó “Mansion on the hill” del disco “Raged Glory”; empezaba a crujir el amplificador, para romperlo aún más con los primeros acordes sordos de otro clásico dedicado a Johnny Rotten –Hey Hey, My My-; siguió el momento inicial y mágico con “Pocahontas”, una versión electrificada pero no por eso menos delicada; he de reconocer que en este momento los ojos se me humedecieron por la emoción; pero en momento clave sin duda en cuanto a sonido, comunión con el público y ese ambiente que me llevaba directamente a un concierto de los Crazy Horse en los setenta fue “Cortez The Killer”, psicodelia de la buena se mascó en este tema, largo y tortuoso como la historia que cuenta. Seguimos con otro gran clásico que es “Cinamon Girl” en el que los melenudos y los calvos movían la cabeza. Con “Rockin’ In The Free World” nos volcamos todos.

Para dar un descanso tocó un himno muy suyo dedicado a la madre Tierra, titulado “Mother Earth”. Se colgó la acústica y nos recordó que todavía hoy el “Harvest” es uno de los discos de cabecera de cualquier aficionado a la música que se precie. Cuando sonó “Heart Of Gold” a más de uno se le abrieron las carnes; pero otro de los momentos clave fue sin duda “Old Man”; justo lo comentaba al de al lado –ahora estaría bien que tocara “Old Man”- y efectivamente sonaron los primeros acordes de este temón.

De nuevo se colgó otra vez la guitarra eléctrica y tocó otro de los himnos lisérgicos de su disco “Everybody Knows This Is Nowhere”. Con “Down By The River” y el tema que da título al disco finiquitó el disco más hippie de la carrera en solitario de Young. Huyendo un poquito hacia delante nos encontramos en 1985 con el disco de country “Old Ways” y tocó otro temazo “Get Back To The Country” con el que casi nadie se emocionó demasiado. Y como a Neil Young le gusta sacar disco prácticamente cada año, pues se sacó de la manga un par de canciones de su último disco y el abuelo se pone los cascos de tapón y hace de las suyas, ese country cañero y macarrilla que suena en un Cadillac después de medianoche.

Y para finalizar y como no podía ser menos, sin empalagar y habiendo pasado casi dos horas, sonaron los acordes mágicos de “Like A Hurricane” que después de pedirlo a gritos todo el velódromo de Anoeta, se hizo una espera larga hasta que salió toda la banda de nuevo y nos regalaron el mejor bis que pudieron.

Se dejaron en el tintero canciones míticas –y es normal- por que son casi 50 discos en solitario, y con Buffalo Springfield y colaboraciones… Pero dio lo mismo, fue un tiempo medido, sin empachos, y como cuando ves una gran película que dura 4 horas y te parece corta porque es una obra maestra, con Neil Young pasa lo mismo, mejora como el buen vino.

Que vivas muchos años Neil. Fuckin’ Up!!!!

LOS DERRUMBES EN NEW RUMM DE BILBAO (20090425)

2009-04-26T16:05:00.000-07:00

Después de Los Temblores vienen Los Derrumbes, y después de un grupo instrumental viene un grupo a capela (el primer concierto a capela de Santiago Delgado & The Runaway Lovers), y Luis Punker cantando como un poseso (esto quiere decir algo: sólo por amor al rock and roll). Dios Salve a Elvis.

Es curioso lo que hacen los colores, los sonidos y los olores; te pueden volver loco, pueden hacer de ti un freak de puta madre, o pueden hacer que la noche más insignificante se convierta en una noche loca llena de gente rara pululando a tu alrededor. Derrumbe tras derrumbe, entre canción y canción, estuve moviendo el esqueleto con la infinidad de cuchillos sónicos atravesando el hiperespacio del New Rumm bilbaino.

Cuando el Racing de Santander tenía que venir a visitar al Athletic de Bilbao, también unos cántabros vinieron a pinchar la espinilla del placer musical, y dejar que el fútbol fuera algo secundario. Como bilbaino que soy no voy a hablar del Athletic ni tampoco voy a hablaros del Racing de Santander, ni tampoco hablaros de mi libro –porque todavía no he escrito ninguno. Estoy exultante de alegría tras haber visto un concierto enorme ayer sábado en el mejor sitio posible, justo, justo, justo donde las ondas herzianas son más potentes, al lado de un amplificador en su punto exacto de volumen.

El rock and roll nació de los suburbios de las ciudades de la postguerra de la segunda gran confrontación mundial, pero bueno, no os quiero aburrir con tecnicismos; sólo quiero deciros que el verdadero espíritu del rock and roll no ha cambiado y todas las variantes del rock and roll, se engloban dentro de lo que llamamos rock, aunque en la música surf, psicobilly, rockabilly, y un montón de freakismos por el estilo está muy presente la iconografía de aquella época convulsa que se dio en llamar “El nacimiento del rock and roll”, que los blancos adoptaron como suyo. Aunque Elvis chupara de la música negra, su música más elaborada que la de los artistas negros, enraizaba tanto con la juventud blanca como negra; todo esto evolucionó en pocos años y dio lugar a multitud de variantes, enrareciéndose toda esta pureza, y dando lugar a grupos como The Cramps y The Straycats.

Un montón de ropa colgada, luces de neón, unos contrastes de luz exagerados, unos escotes de impresión tras la barra con un precioso piercing en el canalillo, un montón de tupés, camisetas de tirantes, sudores, porros folares, y un montón de expectación eran los ingredientes iniciales de una sopa de letras que dio lugar a la música instrumental sin letras que mejor me ha sabido nunca. Un sonido cuidadísimo con unos punteos hirientes al más puro estilo Link Wray -¿se escribe así? (pincha al link)

http://www.youtube.com/watch?v=ya8vpzmppFM&feature=related

Sólo os puedo decir una cosa: hacía mucho tiempo que tenía como amigos a Los Derrumbes en myspace, me bajé su disco completito, y no me importa el decir que me aburrió bastante el disco; pero he de cambiar de opinión con respecto a ellos en cuanto al directo se refiere. Tienen todo lo que se puede pedir: potencia (todavía tengo los oídos temblando), amistades peligrosas que comparto (Igor, Gorka y todos los locos flotantes que nos juntamos por los bares de Bilbao), un compañero fotógrafo al que también le tengo entre mis amigos flickeros (Ramone Art), gusto por lo freak (véase las fotos con cosas como vídeos de Serge Gainsbourg y Brigitte Bardot, películas de serie B que nos invaden los marcianos, las comepollas del espacio, las vikingas se rebelan en Lesbos City, anuncios de juegos como “Juegos Simón”… Y un montón de historias con las que estuve riéndome por dentro y por fuera un buen rato), animalidad musical (me llamó la atención que a pesar de tener la megafonía prácticamente rota, fueran capaces de anunciar a los cuatro vientos cada tema pantanoso que tocaban con un par de huevos), y también: en un buen grupo de surf no puede faltar a la cita un saxofón sucio y sudoroso (un tío que me dijo al principio rebuscando entre todos los trastos musicales, chupas de cuero, nikis de rayas, cenizas de cigarros y algún cubata vacío en la mano, lo desordenado que puede llegar a ser un grupo de gandules rockers en el mundo despiadado del rock, alguien que gritó a viva voz –¡Habana con cola!- en medio del concierto). Y por fin hablar de la señorita que les acompaña a todos los sitios moviendo el esqueleto y recordando a las chicas que salen en las películas de Frank Sinatra y Jack Lemond, y también coincidiendo con el maremágnum de imágenes de los sesenta de chicas de la Costa Oeste de Estados Unidos.

Todo un reto salvado para estos monstruos de la música y de las juergas. Han pasado por Bilbao y guardaré un grato recuerdo de este concierto. Locura hasta el final y hasta el cierre del Bar.

www.flickr.com/photos/eldoctorrober
www.myspace.com/losderrumbes
http://www.myspace.com/tikisexgoddess

THE BLUES MORNING SINGERS (PUB DORIAN BLUES 17-4-2009)

2009-04-18T14:57:00.000-07:00

Yo, ellos, ellos y yo; no sé muy bien lo que decir. Es decir, que ellos no serían lo mismo sin nosotros o yo, o yo no sería igual sin ellos. Los chicos que cantan por la mañana son unos chicos muy especiales que prefieren hacer blues, antes que estar haciendo el tonto en cualquier esquina fumando crack, así que la fama de Charlie Parker no ha influido en estos músicos. La droga dura ya no infecta la vida de los músicos de verdad.

The Blues Morning Singers son 3 chicos que se han quedado sin uno de sus chicos, por motivos de incompatibilidad de grupos, ya que Gorka Mirantes toca con Santiago Delgado y también toca con Los Reverendos, así que no puede compaginar todo el follón de percusiones que requiere el movimiento rural bilbaino-vitoriano-alicantino de este grupazo.

La traducción del nombre del grupo es algo así como “Los Cantamañanas del blues”; una interesante teoría dentro de este género lleno de holgazanes que cogen una guitarra en un local de ensayo y se creen que tocar blues es emular a Gary Moore, tocando versiones de Jeff Beck, que a su vez hacía versiones de grandes del blues muchos más antiguos del blues negro. Curiosa sensación ésta de escuchar blues, cuando lo hacen blancos…

En el caso de Morning Singers, es diferente, porque el efecto es el contrario, es música totalmente negra, tocada con el alma blanca, y aunque tienen la vertiente blanca por la curiosa manera de aullar gemidos negros en una voz blanca, la voz blanca siempre tiende a recoger los tonos negros como Muddy Waters y Robert Jonhson, con un toque más chillón, pero no por ello menos emocional.

Todos estos fantasmas, queramos o no, influyen a la hora de hacer blues, y tres animales del blues, haciendo blues del bueno, nos han sorprendido el día 17 de abril de 2009 de la era de la depresión de 2009, conmoviendo los corazones de los pocos afortunados que estuvimos viendo al trío más auténtico de Vizcaya. Ander, un magnífico del dobro de niquel (que por cierto, pesa un huevo…), Mario, también conocido por ser guitarrista de Los Fastuosos de la Ribera, y el sin par Carlos que toca la harmónica a las mil maravillas, y no tiene nada que envidiar a John Mayall en ciertos momentos.

La verdad es que la afluencia en el Pub Dorian no ha ayudado a que se vea un concierto fuera de lo común en este pequeño local, pero los pocos personajes volcados en la música de cada noche, se han apurado en hacer de la estancia de los bluesmen, una delicia de 100 minutos de concierto jugoso, crujiente y vibrante. Un concierto que al principio era soporífero porque había muy poca gente, se tornó en familiar cuando los pocos que estábamos hicimos algún esfuerzo por animar aquello…

Desde el mundo del whisky, el aroma de la pradera floreciente de las altas cumbres del monte Avril, y la canción del canario muerto en la huerta del abuelo Miguel, los efluvios del blues tienen su cabida en el amplio anfiteatro del salón de mi casa, donde intento acercarme a la morada del sople de harmónica, del fingerpicking de dobro, y la urgente voz de Robert Johnson encarnada en un admirador de los efluvios del estilo que inundó en su momento las Islas Británicas, y hoy día inunda pequeñas islas del buen gusto, donde todavía subyace el gusto por lo bueno de la música: una música llamada “blues”. Que el alma se inunde de blues –AMÉN-.

http://www.myspace.com/losbluesmorningsingers

Y si queréis más fotos del evento, aquí podéis pinchar...

www.flickr.com/photos/eldoctorrober

CATFISH LOUIS & FRIENDS (20090327 - Jam improvisada...)

2009-03-27T21:21:00.001-07:00

CATFISH LOUIS & WASHBOARD JOHNNY & FRIENDS PLAYS IN www.residencecafe.com ante un público atento…

Hay veces que un músico es capaz de dar lo mejor de sí mismo. Hay veces que un escritor es capaz de escribir una novela o la esencia de ella en una noche. A veces los pintores dan trazas a tientas y otras veces el pintor acierta a pintar el lienzo perfecto. Unas veces se gana y otras veces se pierde –como decía el concurso de los ochenta-, hay cosas que son inamovibles, unas cosas son maleables, y otras cosas definitivamente son exclusivas. Y hay veces que el escritor tiene que mojarse para contar la realidad; pues bien, este escritor está obligado a comentar su realidad subjetiva. Es la labor del cronista musical: comentar el órdago que acaba de ver, sea para bien o para mal.

Desde la última vez que vi a Catfish Louis en acción, hará algo así como un año, pero en fin, no vamos a ponernos melancólicos. Efectivamente, he visto a Louis, se puede decir que he visto al señor de las cuerdas, un hombre capaz de mover la cabellera más enjuta y engominada del público más sórdido y loco, el público más solemne y serio, y el público más entendido también. El único público que sobra fue el que en la primera mitad del concierto dieron la murga por detrás… Cómo no… Los cobardes siempre atacan por detrás, te dan por el culo, pero claro, ahí estaba el cordón sanitario de los aficionados al buen blues, el amor a los amigos, el afán de amistad que nos une a todos; y sobre todo ese buen rollo que inunda todos los viernes y sábados del Residence: un refugio para nostálgicos del CBGB de Nueva York.

Llegué diez minutos tarde a mi cita habitual con las cervezas y el humo, y me mezclé con el almizcle de los Apalaches, mezclé la bebida espirituosa de las montañas cantábricas con el aroma de las fogatas indias, y llegué a irradiarme con las ondas eléctricas del blues más auténtico. Los temas habituales se dieron cita en la sala, el que pasó después del primer pase vio lo mejor de la película. Pero había un montón de viejos temas y otros nuevos en la carpeta de Catfish, unos señalados en rojo y otros sin señalar… La verdad es que hubiera estado horas viéndoles y animándoles a que tocaran el bis eterno, pero la resistencia humana tiene un límite…

Estaba ideando mi venganza tramada tras segundos en un bucle de tiempo entre el humo del bar, y al final la venganza iba a ser lo más liviana posible, gracias a que el buen blues, el buen rollo, los buenos músicos, la buena medicina del amigo invierno me ha infligido en mis huesos, y cual participio me está redundando como gerundio pesado.

La trama de la película es ésta que os cuento a continuación, y no tiene más secreto. Si os creéis que os voy a contar que ha venido tal famoso al bar con la modelo de moda, estáis muy equivocados, porque tampoco he visto a ningún famoso; en Residence no existe eso…

Todo un éxito el concierto. Catfish ha sido como una apisonadora del blues, acompañado del incombustible Washboard Johnny el experto en lavadoras mecánicas y cortadoras de troncos musicales, el mesías del blues Yahvé Mediavilla y el chico de los fuegos artificiales Fidi, un mago del saxo, de la travesera y del flautín atontador de ratas, ovejitas, abejitas y zánganos de la miel del blues…

Todo esto ha acontecido en el Residence Café, un lugar del que hablo mucho, y poco se conoce en otros sitios de Bilbao, sólo se ha oído hablar de él, podría ser algo así, como el Reino de Mórdor, pero en clave musical; la gente que vamos allí tomamos un pan élfico muy nutritivo que trata de paliar el hambre cultural que hay en Bilbao. Una medicina muy valiosa en los tiempos que corren, ya que te ayudan a olvidar a ciertos personajes que no deberían ni salir por la tele y ni siquiera de su palacio vitalicio.

SANTIAGO DELGADO & THE RUNAWAY LOVERS en Pub Dorian Blues (20090314)

2009-03-15T05:28:00.000-07:00

Ya pensaba que no llegaría a mi cita demencial, pero es que el partido del Athletic de Bilbao-Real Madrid había sido de locura con goles para dar y tomar, más exactamente con una victoria del Real Madrid a domicilio por 2-5, joder parezco José Ángel de las Casas… Pero es que tenía una cita más importante que el fútbol, tenía mi cita con el rockandroll en el Pub Dorian Blues, donde era la primera vez que actuaban mis amigos Santiago Delgado & The Runnaway Lovers, y es que los amantes escurridizos no pueden faltar a su cita más importante: sus fans… Los fans hemos sido fieles como siempre y ha habido fiesta agogó!!!!

Sólo faltó el Drácula Ye-Yé, y Aigorrrr con el candelabro; bajé a toda leche desde Ocharcoaga hasta Santuchu, así que llegué con la lengua fuera, los sobaquillos chorreando y con el flequillo preparado para la demencial actuación que estaba por ver. Y es que si Jonathan Richman si levantara la cabeza se sentiría muy orgulloso de los chicos; hablamos de muchas cosas, del Seat 1500 de color blanco y las potas que echamos en las bajadas de Despeñaperros. Hubo porros folares, folos feladores, tupés en crecimiento, y muchos flequillos felices.

El concierto una delicia de amistades, muchas cervezas, muchos güisquis chelis para el personal que vamoahaserunguateque, hablamos de la playa del amor, de Juan de Pablos, Juan Bautista, de Anita, de Johnny Ramone y sus bambas blancas, de José Luis López Vázquez. Y es que es el peor concierto técnicamente hablando de Santiago Delgado & The Runnaway Lovers, pero a pesar de todo no pierden nada de su encanto. Y es que precisamente ése es el encanto del grupo. No fue la mejor noche para hacer alegorías del Athletic, pero siempre tocan el himno personal e intransferible de nuestros bilbainitos más majos e internacionales del momento.

Hubo muchas celebrities, estuvo Carlos Beltrán integrante de Jukebox Racket, Mati ex – Small Things, muchos Antoñitos, muchos Manolos y muchos Marianitos, incluso estuvo algún B.B. Initialssss, algún Runnaway Lover suelto, caballos salvajes en medio de la carretera en los sueños de Juanjo Runnaway, y otra Celebrity famosa fue Juanjo el señor de los serruchos. Es curioso, pero sólo había 3 de los 4 fenómenos. Faltaba el gran Gorkavaderretro con sus escobillas acariciando el cajón flamenco, y es que estaba tocando con Los Reverendos. Blancanus de Extended Plays estaba en carretera por Guernica y no pudo llegar a su cita con los amantes escurridizos. Hubo ausencias notables como José Luis López Vázquez, John Travolta (porque estaba en la playa del amor en “Grease” con Olivia Newton John), y también faltó Fran Yeste, faltó Iñaki López, ah y también faltó la chica del CCC.

Todo se solucionó con unas cañas después del desconcierto, y afotándolo todo el que escribe estas líneas gastó una batería de litio, hubo algún enfermo mental que se le olvidaron las pastillas en casa, y rockers, mods y chicas confluyeron en la fiesta musical posterior que duró hasta las 5 de la mañana con un extenso concierto coral en corritos.

GOLPES BAJOS: Todas sus grabaciones 1983/85 (2LP)

2009-03-06T06:17:00.000-08:00

En esta recopilación se podría decir que está todo lo que necesitas si te quedas encerrado en una casa después de una violenta tormenta, y no tienes nada con lo que divertirte, sólo una vela encendida en medio de la mesa del salón, una tabla de incienso en el otro lado de la casa, un farolillo de petróleo en el balcón y un tocadiscos sonando Golpes Bajos.

Golpes Bajos es un grupo atípico dentro del panorama de la música española. Su sonido es sencillo y a la vez denso. Son cuatro músicos excelentes criados en las tierras de Vigo, que según ellos decían era muy aburrido entonces, lo que se dice una ciudad de provincias y obrera, con lo cual tuvieron que trasladarse en aquellos fabulosos días de los ochenta a la ciudad de Madrid.

Si decimos Golpes Bajos, nos sonará; pero si decimos Germán Coppini nos sonará al primer cantante de Siniestro Total en su álbum de debut “Cuándo se come aquí”, y también conocido por colaboraciones con otros músicos como Nacho Cano de Mecano; y alguna que otra banda sonora. Y cuando hablamos de Teo Cardalda nos viene a la memoria un músico de la cabeza a los pies, lo único que no me gusta de él es su salida de Golpes Bajos y su posterior fundación de Cómplices. Pero bueno, gustos aparte, el grupo Golpes Bajos creó una época, y con estos dos personajes geniales en el panorama español, formaron con Pablo Novoa y Luis García el cuarteto más fugaz del pop español.

El disco que tengo entre las manos, cayó en mi regazo un día que fui a buscar buena música española, olvidando aquellos cantantes casposos de los setenta, dígase José Vélez, dígase Elsa Baeza, dígase Ángela Carrasco… Excluyo a Cecilia, Nino Bravo y Camilo Sesto que son un punto aparte. Después de aquella coyuntura de afirmaciones románticas baratas, permanentes de peluquería y pantalones de campanas, vino una nueva forma de entender la música, que aglutinó toda la nueva ola, punk, pop y la cultura española musical hasta ese momento, cogiendo siempre lo mejor.

Este disco se llama “Todas sus grabaciones 1983-85” y tiene un montón de clásicos que están en la memoria colectiva de todos. Comenzando por “No mires a los ojos de la gente”, se puede decir que es una canción con la que me siento muy identificado, pero cuando era más tímido, uno aprende que hay que mirar a los ojos de la gente, fijamente o furtivamente para saber más de su interior.

La segunda canción “Estoy enfermo” es una canción que comienza con una caja de ritmos, como no podía ser otra, y tiene unos arreglos magníficos, un toque funky muy bailón, y la temática principal es la soledad, el estribillo es obsesivo y dice así: “estoy enfermo, cómo envejezco”. Y el ritmo que le va que ni pintado, y explica a la perfección lo que es el alma humana cuando se ve sola y acorralada. Se comienza a pensar que uno se hace viejo, aunque seas joven.

“Malos tiempos para la lírica” tiene la fuerza de la frase y la realidad que ello transmite. Con un inicio de caja de ritmos y un compás medio, hace de esta canción una de mis favoritas y más famosas de Golpes Bajos. Y comienza así: “el azul del mar inunda mis ojos, el aroma de las flores me envuelve, contras las rocas se estrellan mis enojos, y así toda esperanza me devuelve”. Por así decirlo, es la añoranza de los grandes literatos españoles, y me viene a la memoria Benito Pérez Galdós, o el mismo Pío Baroja.

La cuarta canción del disco va en el estilo acelerado que más le gusta al amigo Cardalda, encargado de las percusiones y teclados y a veces guitarras; al carecer de sección de vientos, Teo Cardalda hace lo propio con los sintetizadores. Esta canción va básicamente de la pérdida de un ser querido y de lo que le cuesta a todo el mundo a soltar lágrimas en público, siempre lo hacemos en privado, porque es una muestra de debilidad.

La quinta canción del disco se llama “Tendré que salir algún día”, y aquí prescindimos de toda la parafernalia instrumental y electrónica. Germán Coppini hace aquí una exhibición interpretativa y haciendo gala de su potencia vocal y de su singularidad en sus formas. Siempre ha sido un genio en esto de transmitir emociones a través de inflexiones de la voz. Y como si de una persona echada en la cama, solo y abatido en penumbras, Germán nos traslada a una habitación húmeda y oscura donde poder pensar sobre nuestro porvenir.

Canción sexta: “Escenas olvidadas”. Es quizá una de mis canciones favoritas por su ritmo latino y por su mensaje evocador. Palabras olvidadas y momentos mágicos, escenas olvidadas en nuestra cotidiana vida, pero de vez en cuando afloran y se convierten en canción. Una canción preciosa de amor, y unos arreglos de guitarra impresionantes. Qué decir de los arreglos de bajo, una verdadera maravilla.

Número 7: “Hazme un nueve”. Los toques de piano y vibráfono electrónico dan un toque añejo y evocador. Y trata sobre el recuperar a una persona antes querida y hablar con ella, y hacerle recordar todos los momentos buenos que pasaste con ella. Es cuando Germán Coppini se sale aquí, no sin la colaboración inestimable de Teo Cardalda a los coros, que le dan todavía más profundidad al “recuerda…”

En la octava canción del primer disco de este doble, me llamó la atención esta canción tan infantil y bonita, que está basada en el famoso cuento Hansel y Gretel. Todos los temas de Golpes Bajos tienen ese toque a tarde lluviosa volviendo de trabajar y viendo a la gente pasar sin pena ni gloria con su paraguas de doble varilla. Aquí vuelven a imponer ese estilo clásico con juguetes tirados y voces apagadas en las paredes.

Canción número nueve: yo no colecciono moscas y estoy igualmente loco. Así que cada uno encauza su locura como mejor pueda servir a la humanidad. De eso se trata al fin y al cabo. El coleccionar moscas, es como el que colecciona bonobuses, o colecciona cromos. Siempre hemos coleccionado cosas desde que somos pequeños, y nos gustaba mirar bichejos e incluso matarlos, pero va en la actitud humana más primitiva por desgracia, y quizá ése sea el verdadero sentido de la vida, el que nos ha impuesto la naturaleza en nuestro cerebro más primitivo y oculto. Y diréis, qué ha querido decir con esto, pues nada, que el hombre es básicamente primitivo, y esta canción confirma la otra faceta del hombre, que es sublimar cosas que otros animales no pueden. Nos gusta observar las cosas, coleccionarlas, y hacerlas inmortales. Y bueno, creo que todo el mundo conocerá la canción “Colecciono moscas”.

Como buenos gallegos no podían faltar ancestrales tradiciones de antiguos habitantes que no son gallegos precisamente; los vikingos, los lusitanos mezclados con esos vikingos y montón de etnias perdidas en el tiempo, pero todos ellos abrazando la creencia de otro mundo y otros seres que nos vigilan y forman parte de otro reino que de vez en cuando hacen aparición en los bosques de Galicia según los mitos de los lugareños. Es la Santa Compaña, una procesión de ánimas que se supone que si los ves, tú eres el siguiente en ir con ellos. De eso va la décima canción del primer cedé.

He hablado con un montón de gente sobre esta canción, que me parece soberbia, por toda la elaboración, la ejecución y su composición. Un heavy me dijo que no le gustaba el pop español y escuchó esta canción y le pareció un temazo. Es la canción número 11 del disco y se llama “Cena recalentada”. Y empieza así: “cena recalentada cuando llego tarde a casa, la imbécil de mi hermana que me pica y que se pasa. Es lo típico que solían decirte cuando llegabas tarde a casa: “¿dónde has estado? Mira qué facha… ¿Qué horas son éstas? Vete a la cama…

Creo que el peor tema del disco es esta versión de “Come prima”, que es el único tema no propio, y cantado en italiano, que la verdad no les pega nada. Viéndolo bien, igual algún día me pongo a escucharlo y me meo, pero bueno, esto de la música es como el cielo, nunca hay uno igual.

El número maldito 13, coincide con una canción atormentada. Una persona encerrada dentro de sus obsesiones, deprimida y presa de las furias y manías de su esposo, ella es “La reclusa”. Me llama la atención de los arreglos latinos y con una zambomba al fondo, y unos toques guitarreros de lo más atípicos para este tema. Es una pesadilla sonora reflejando la frustración de un hombre que sospecha que su mujer se la pega con otro.

El tema recurrente, además de la depresión y la reclusión dentro de uno mismo, es también la obsesión de ver vida dentro de las cosas inanimadas. Y Golpes Bajos tiene un temazo que me encanta, en la que ven una fiesta dentro de una tienda de moda por la noche. Los protagonistas son los maniquíes. Todos tenemos cierto temor a los autómatas, algunos más que otros, más que temor, en algunos casos es pavor y filia. Este tema habla sobre “La fiesta de los maniquíes”, y están ahí para venerarlos y no tocarlos.

SEGUNDO DISCO

Entramos en la parte más introspectiva y el universo de Golpes Bajos se vuelve más oscuro si cabe. Comenzando tenemos un instrumental como prólogo que no será otra cosa que un tema basado en la canción “Santos de devocionario”.

El sonido de Golpes Bajos se vuelve más preciosista, y tiene unos toques de sintetizador que me recuerdan a nubes de algodón. Y este tema “Desconocido”, es de lo más cotidiano, cuando acudimos a un amigo, y tenemos un vacío y queremos que ese alguien llene y palíe ese vacío. En realidad para eso valen las amistades, para cubrir nuestros espacios vacíos, esos de los que se hablaba en “The Wall” de Pink Floyd. Aunque en este caso sea la parte humana la que gane.

Otro de esos temas elegantes arrancan con unos toques de caja de ritmos que ya parecen otra cosa. Es lo más parecido a una batería normal. El tercer tema se llama “La virgen loca” habla sobre una abnegada madre que cuida de todos sus churumbeles, aplacando su mala leche cada día y trabajando como una esclava. Hay algunas cosas de Germán Coppini, con sus letras y sus palabras rebuscadas que me hacen mucha gracia, además de sus gemidos guturales que hace de vez en cuando, que sólo los entiende él, porque algunas veces quedan bien y otras no tanto.

Cuarta canción: “Ayes”, un tema sacado de una serie de policías de barrio y macarras incontrolados, guitarras sólidas, batería agresiva y sintetizadores casi de “Corrupción en Miami”.

Como si de una figura de madera hecha por un artesano que ama su arte, un personaje se recrea en esta canción, un muñeco lleno de heridas y girones. “Travesuras de Till” – canción quinta, basado en las aventuras de un personaje del folklore alemán llamado Till Eulenspiegel. Un tema triste y a la vez elegante: fácil de escuchar.

Y volvemos a los tormentos existenciales de la galaxia Golpes Bajos, hablando de esas creencias ancestrales basadas en el cristianismo. Y España es una nación vieja y con un largo padecimiento de religiones inquisitivas. Y esta canción lo refleja muy bien, la música más conducida a esas gentes desinteresadas que son ciertos curas y misioneros, verdaderos cristianos. Ellos “Santos de devocionario” y es el tema sexto, un tema lleno de enigma y misterio.

Otra versión divertida e igualmente larga con 7 minutos es el octavo tema, quizá este tema parece más elaborado en el tema del sintetizador electrónico. Coppini sigue con sus repeticiones vocales absurdas. El tema 8 es otra versión de “Las travesuras de Till”, más concisa y más lenta y quejumbrosa, quizá prefiero esta versión…

Sólo decir que Golpes Bajos no tiene mucha discografía. Destacar el primer disco “No mires a los ojos de la gente” y tres discos más: “A Santa Compaña”, “Colecciono Moscas” y “Devocionario”, sin contar claro está, con los sencillos. Y este disco que he comentado tiene todo lo principal, así que el que quiera descubrir a Golpes Bajos, que adquiera esta joyita si todavía lo tiene disponible, porque posiblemente estará descatalogado.

Os dejo varios links para los que no conocéis a este grupazo gallego.

COLECCIONO MOSCAS: http://www.goear.com/listen.php?v=106e01c

MALOS TIEMPOS PARA LA LÍRICA:

http://www.goear.com/listen.php?v=b84906d

DESCONOCIDO:

http://www.goear.com/listen.php?v=7e06d0f

CENA RECALENTADA:

http://www.goear.com/listen.php?v=7e06d0f

MINA AGOSSI TRIO - Museo Guggenheim (20090219)

2009-02-19T17:45:00.000-08:00

Jejejejeje, os creéis que no os puede sorprender nada en este mundo. Estáis muy, pero que muy equivocados. A mí personalmente no sólo puede embaucarme una artista por sus pintas, aspecto físico o su forma de ser. En este caso, ese ser que todos quisiéramos como artista perfecta, lo tenemos en una persona. Creo que me he enamorado de una manera de ser: Mina Agossi, una mujer, que al verla cantar la primera canción a capela, ante un público más que expectante, más bien espectador, ha aplaudido con esmero todo lo que esta belleza negra ha cantado.

Cuando digo belleza negra, desde luego no me refiero al hecho de su raza. Pero es que fundamental es la manera de ser de esta pedazo de mujer que rebosa sensualidad, sexualidad, y complicidad con el público y sus dos cómplices en este viaje jazzístico atípico, lleno de sorpresas en todos los sentidos. Lo sorprendente de este viaje dentro de un museo, es que el museo se convierte en cómplice del cantante, el cantante se convierte en cómplice de todos nosotros y el museo acoge a todo ser viviente que ame la música, las artes en general, y es el caldo de cultivo esencial para el buen amante de la música.

Su amor por la vida es evidente, su afán por agradar al respetable-patente. Y sus afanes psicodélico-jazzísticos hacen que mis maltrechas sienes sientan mi corazón latir, y mis brazos y sus vellos correspondientes hagan la ola al oírla. Creo que en algunos momentos de esta épica actuación he llorado por dentro. No es broma cuando digo que esta mujer es capaz de levantar a un muerto de su tumba, cuando escuché su dulce voz, y su forma de moverse, los músicos son encantadores de la serpiente de colores en ese país de las maravillas que no es otro que mi mente psicodélica.

Mina Agossi Trio. Como trío, es peculiar que hacen lo mismo que podrían hacer un sexteto, o un quinteto, o un cuarteto; es el médium entre el dúo y el cuarteto. Es decir, toda una delicia que por lo que veo va triunfando allá por donde va. Una mujer capaz de callar a un auditorio oír cómo susurra a sus dos fieles amigos, como insinúa exóticas frases sensuales capaces de hacer que me suba la tensión, su manera de moverse, su manera de mezclar el blues y el jazz, el jazz y psicodelia, de introducir disciplinas electrónicamente posibles con lo analógicamente posible, es una tarea que sólo he visto en esta chica llena de vitalidad.

Canta lo que quiera, canta a Hendrix, se inventa tonadas de bolero, recrea temas de tango en fraseados anglosajones, visita estancias desconocidas en el alma del escuchante; nos vuelve a sorprender con versiones de Nina Simone –Feeling Good-, es capaz de convertir cacofonías en sinfonías. Y sobre todo lo más gratificante de todo, es lo simpática que es… Hace que el escuchante, se sienta como en la mismísima cocina de su casa, comiendo unos huevos fritos con salchichas, una ensalada perfectamente aliñada, y siempre con esa inmensa sonrisa que funde al más templado de los hombres. Es un helado de chocolate que ha derretido mis sesos, y sólo pienso en comprarme su último disco. Y la verdad es que esta mierda de entrada unificada de la “Teleka” la guardaré como oro en paño, y lo introduciré en el libreto de su último disco “Simple Things”.

Y es precisamente el título del disco, que dice todo sobre lo que hacen este trío de magníficos, un contrabajista capaz de tocar las cuerdas gruesas y tiesas y hacerlas mantequilla, y ofrecernos el mejor de los desayunos con un bollo de música desde el tercer canto rodado desde el sol, ese baterista que supliendo al oficial, y con su amplia longitud y languidez típica de su juventud, sabe esconder sus juventudes con el mejor espectáculo sonoro-técnico que he visto en ningún concierto. Un tío capaz de tocar con manos, muñones, escobillas, baquetas y mazas… Todo un portento que se comunicaba con el bajista y a la vez con la cantante. Y por fin esa cantante que se merece todos mis piropos, por buena cantante, buena comunicadora, buena seductora, y buena hacedora de melaza sexual. La comunicación con sus compañeros, complicidad con el aire roto en esos cúmulos de blancas y negras, y ese estímulo visual rockero-psicodélico-bluesero-billie holliday revivida- y esos labios repitiéndonos lo importante que es la pasión en la vida y en el arte, hacen que la velada de este día, haya sido muy especial.

Y por último quisiera resaltar que esta bella mujer, ha tenido un pasado; siendo su París natal, un lugar de encuentro con su pasión, también tuvo sus andaduras en Durango como au-pair, donde cuidó a una niña, que en este concierto estaba presente ya como mujer; esa niña a la que cuidó tuvo que levantarse para recibir un emotivo homenaje, tan bonito como todo lo que hemos visto hoy. Os recomiendo este trío de neo-jazz: MINA AGOSSI TRIO.

Canela fina – Os lo aseguro. Y sólo por 6 €. Espero ver más conciertos como éste y acompañado por mis mejores amigos fotográficos; un beso para ellos también. Dan ganas de vivir eternamente por la buena gente.

FOTOS DE ONDACARACOLA

http://www.ondacaracola.com/

www.flickr.com/photos/ondacaracola

MAHASTER RIVER - Residence Café (14-2-2009)

2009-02-15T04:57:00.001-08:00

Mahaster River, se podría decir que son un trío a la antigua usanza. Uno de esos tríos que mezclan a la perfección un montón de músicas de los 70; lo mejor del rock sinfónico, lo mejor del proto-heavy, lo mejor del folk inglés, ciertos tintes de jazz en su música se adivinan también, y asimismo son capaces de tocar un “Stormy Monday” al más puro estilo “free” –es decir, un modelo musical libre-. Sus conciertos son divertidísimos y participativos.

Ellos vienen de Bergara (Guipúzcoa) y es uno de esos pueblos perdidos en la inmensidad de las estribaciones de la Cordillera Cantábrica. Un estilo fresco y fácilmente reconocible les avala allá donde van; un sonido recién salido de una tartera con lo mejor de nuestra cocina vasca. Son tres chicos con ganas de agradar al público (pero es que el público del Residence siempre se lo pone fácil, y se sienten como en casa)… y Tienen nombre: Unai Azkarate (guitarra eléctrica y voz), Fernando Laskurain (guitarra de doce cuerdas), y Mikel Azkargorta (bajo eléctrico).

Al finalizar al concierto les dije lo que siempre me gusta decir a un grupo; que si sois muy buenos, que si tenéis una vitalidad de la ostia, que tenéis al público comiendo de vuestra mano, que si me firmáis por favor el disco que os he comprado –para el Doctor Rober con mucho amor-, que tenéis unas bases musicales muy buenas, contando con la música de cabecera de los 3 empieza por los grandes Led Zeppelin. Y es que en realidad Mikel toca el bajo como John Paul Jones, uno de mis héroes de juventud y de lo que me quede de vida; me entusiasman esas bases de bajo y la guitarra de doce cuerdas que me recuerdan al más puro estilo acústico de Led Zeppelin. Y estoy escuchando el disco ahora, la canción número 6 llamada “Rollo Folk” y es una verdadera pasada cómo juegan con la incertidumbre del escuchante a darle a probar lo mejor de su música…

Cantan en dos idiomas: en eusquérico bergarano* e inglés. Unai hace su papel de líder a las mil maravillas; no en vano, la posición de los 3 en el escenario es como si de un aquelarre acústico se tratara; Unai está de pie y en el medio, y aunque se mueve mucho no pierde la posición, y tiene todo lo que se puede pedir a un cantante, que es la dosis justa de locura y la dosis justa de cordura, por lo menos en el escenario; y también tenemos a dos maestros, uno acariciando el bajo de forma que envuelve el sentido auditivo, y el otro haciendo sonar la guitarra de doce cuerdas que le da una profundidad acojonante a todo el espectáculo. Puede ser que metiendo una percusión a lo John Bonham podría quedar excesivo, y un baterista al más puro estilo Mitch Mitchell podría ser perjudicial para la limpieza de su sonido, así que me inclino más hacia un percusionista que mantenga un ritmo; les vendría muy bien.

Cuando hablaba del aquelarre puedo exagerar o no… He visto pocas veces tan engorilaos a todos los guiris del Residence después de ver el Torneo de las Seis Naciones de Rugby, pero es que los ya conocidos Pauline y sus amigos agregados por la marcha, hicieron que aquello pareciera un permiso de locos fuera del frenopático; Pauline bailando como sólo ella sabe hacer, un personaje rubio y escuálido rompiéndose las palmas que pudo hacerse daño perfectamente –se ganó una pinta de parte del cantante-, y otro agregado a última hora, un hombre de negocios disfrazado el fin de semana. Y todo el que entraba por la puerta tenía la obligación de bailar con Pauline.

Una cosa que siempre me ha gustado de Mahaster River es la manera que tienen de entusiasmar al público, con el desparpajo de Unai y sus formas de rockero loco, subiéndose a todo lo que tenga una superficie dura y resistente; el suelo también vale para revolcarse en el mar de cigarros apagados y algún que otro hielo que haya pasado por el cuello de alguna chica. En fin chicos, que en Bilbao se os quiere y aunque no traigáis a todo vuestro ejército de fans, fons y fins, sabéis que contáis con los mejores fans que podéis tener: esos que todavía no saben de vuestra existencia. Un gran abrazo amigos, me siento como en casa cuando venís a tocar a mi ciudad.

*Dícese del euskera que se habla allende los ríos corren libres, las montañas se acercan peligrosamente a la locura de los hombres, y tiene mucho que ver con el lenguaje universal de los signos; en la música van implícitos todos estos aspectos del susodicho idioma. Un idioma capaz de trasladarnos al far west –o sea Bilbao- desde Bergara ¡a Pamplona hemos de ir!

www.mahaster-river.blogspot.com
www.myspace.com/mahasterriver
www.fotolog.com/mahaster-river

NOTA: Y por cierto, me ha encantado ese guiño a John Coltrane que habéis hecho en el segundo tema del disco, ese pedazo de tema “My Favorite Things”, y por supuesto la versión de The Shadows - “Apache”.

PINCHADA KLITORIS FREAKSHOW 21-2-2009

2009-02-08T08:45:00.000-08:00

Habrá música de chicas ye-yé, rockandrolleras desmelenadas y algún que otro freakismo autóctono. Muchas sorpresas de todo tipo de freakismos musicales. Espero la asistencia, aunque la hora ya sé que no es muy buena.

Ah, y va a haber muchos martinis preparados. Garantía de buena siesta.

YIN YOLSTRACK (DORIAN BLUES 20090124)

2009-01-25T06:48:00.000-08:00

YIN YOLSTRACK (Dorian Blues 24-1-2009)

Hace dos días que ha venido la borrasca ciclónica “Klaus”, podría ser Santa Klaus retardado; pero sólo he oído el nombre cuando ya ha pasado por el Cantábrico, lo cual me da libertad para llamarla como a mí me venga en gana. La llamaré tormenta de invierno Yin Yolstrack, la tormenta perfecta que vino a las 23:30 horas del sábado 24 de enero de 2009, dejando bajas importantes tras de sí. Bajas como un montón de borrachos, queriendo más droga de la buena, la sección del viento norte. Pero es que lo bueno, es que no sólo había viento norte, el viento nos azotaba de Poniente, Levante y también de Sur, un vendaval de esos que no había desde años. El más importante pasó con la Armada Invencible de Felipe II y se tragó a un ejército, y todas las pretensiones de la invasión española en las islas británicas se tornaron en agua de borrajas; pero qué hubiera sido el mundo de haber entrado las tropas españolas en las islas británicas… ¿Los Nikis cantando en inglés?

Bueno, creo que debo una explicación de que la borrasca en cuestión es una invención interesada por mi parte. El grupo Yin Yolstrack es un grupo que estrenaba proyecto musical en el Dorian Blues, trataba de adaptar ritmos latinos, medios tiempos, bossa nova, y baladas con unos ritmos e instrumentación pregrabados, y sobre esta base hacer armonías de viento a base de bombardino y saxo soprano a los vientos, y por parte de la percusión adicional todo tipo de instrumentos de madera, y a los instrumentos raros: como serrucho y arpa de boca.

El personal es el siguiente, en orden de izquierda a derecha: Juanjo (rey del bombardino), Jordi (rey del saxo soprano), Víctor (rey de las percusiones, venido exclusivamente a este concierto desde Mallorca) y el inefable Juanjo (rey del serrucho musical en Vizcaya y en las Vascongadas).

El concierto fue un poco accidentado, porque a uno de los amplis le fallaba la conexión del interruptor y hacía cortocircuito, así que había un amplificador pequeñito hecho con una caja metálica de botellas de licor adaptado para el menester de altavoz, y bueno, entre todo el bullicio del bar, era como un pedo silencioso, pero no os precupéis, no huele…El otro problema apreciable, era que había que dar al “play” para la música de base, y estaban encargados Pilar y Joseba, los comandantes del barco Dorian Blues.

Los músicos se notaba que estaban un poco cansados y nerviosos, pero más bien fue una jam; y se agradece que la música en un bar sea improvisada y participativa. El bombardino sonó muy correcto, un poco ahogado quizás, pero muy efectivo a la hora de llevar el ritmo, en cuanto a Jordi digo lo mismo, se palpaba el nervio típico del debut. Lo que me sorprendió fue el percusionista. Desde aquí mi tierra, Bilbao, te lanzo un saludo y un abrazo muy grande por haberlo hecho tan bien. Víctor es un percusionista excepcional, con un gran sentido del ritmo y de las estructuras latinas y de bossa nova. Un saludo que te hago llegar por el cierzo del Ebro hasta Mallorca. En cuanto a Juanjo serruchista oficial, puedo decir que cada vez lo hace mejor con el serrucho, quizá porque las horas de ensayo se notan. Siempre hay una cosa que me gusta de él, que es cuando se prepara toda la parafernalia con el guante blanco para tocar; ya sé que no es un guante de látex, pero a mí me gusta pensar que es de ese material y va a hacer una exploración rectal en una consulta urológica. Lo siento Juanjo, ya sabes que te aprecio mucho, pero tenía que decirlo, me hace mucha gracia lo del guante…

Lo verdaderamente sorprendente, transgresor y gamberro, vino después de 1 hora y cuarto de concierto, cuando vinieron los hombres de la Orquesta Sinfónica de Bilbao, 3 de ellos pusieron el listón muy alto en lo que es improvisación; me gusta ver a músicos que no están sujetos a unas reglas en forma de pentagrama, que elijan un bar para hacer sus pinitos en el mundo del jazz; no son pinitos, sino secuoyas. Me dieron los nombres de estos tres magníficos músicos que voy a enumerar ahora. Daní, un portento del trombón de varas, que aunque borracho, tocaba a las mil maravillas y con una gracia pocas veces vista, si tuviera que hacer un símil entre el conejito de Duracell y un hombre, Dani sería el hombre, tiene energía de sobra. Siempre tiene que haber un hombre que dirija la mini-orquesta, y ese hombre tocaba la trompeta, y se llamaba Miguel, que en momentos en los que había que poner orden, con la propia trompeta lo ponía… Un descubrimiento saber que hay músicos que disfrutan de las armonías tan intensamente como Xavi, que tocaba la trompa, por cierto un instrumento muy vistoso, que primero se colocó en la barra, sentado estratégicamente en una esquina y cerrando los ojos vivía la música intensamente, sobre todo las baladas, para evadirse de este mundo… Después se colocó en el escenario, y ahí se quedó meciendo la trompa… Gracias Xavi.

Hay cosas tiradas que quedan después de una fiesta, monedas por el suelo, servilletas de papel escritas extraviadas, y cigarros mal apagados. El caso es que no sé cómo llegó una escupidera de metal al escenario, y sirvió para premiar a los músicos, por su buen hacer, pero es que estos tres chavales jóvenes con ganas de diversión tocaron gratis y me supongo que la bebida les salió gratis.

Y como buen cronista, tengo que apuntar ciertos detalles que a la mañana siguiente puede que se me olviden. Así que apunté el dinero que había en la escupidera. En total había 39 céntimos de euro, 37 céntimos dentro de la escupidera y 2 céntimos fuera, por lo que deduzco dos cosas. La primera: la vida del músico es muy dura, y lo digo con conocimiento de causa (soy cantante), y la segunda es que la gente ya no se agacha a coger una moneda de 2 céntimos, por lo menos delante de mucha gente…

Espero con ansia el siguiente concierto, y que sea sin rigideces y expulsando todo el nervio del músico nobel para fuera, y relajarse... Y es que como comentaba con Dani el trombonista, los músicos borrachos tocan mejor…

Y creo que os voy a poner una muestra de músicos locos, a Pink Floyd en su segundo álbum, la única canción de Syd Barrett que hay en el disco: Jugband Blues.

http://es.youtube.com/watch?v=MLRBgsHHKYo

TUCO Y DEFINITIVOS en el DORIAN (20090117)

2009-01-18T04:39:00.001-08:00

TUCO Y DEFINITIVOS – DORIAN (Santuchu – BILBAO 20090117)

Tengo la almorrana henchida de gozo tras haber ido a ver a Tuco con su definitivo compañero y sus pornografías infantiles para mayores y para todos los públicos, pero fuera del horario infantil. Los perpretadores son dos en este caso: el gran Tuco (salido del circo de los pornosalidos “su representante más fiel”), y el prolífico Iñaki (Mubajito, Sexy Troopie Band… Y este proyecto, del que me enteré ayer en el Residence, pero al final no pude ver porque estuve en “El Club de los Sentidos”). Pero bueno, son otras historias paralelas y no ajenas entre ellas. Nos encontramos en el Dorian, un divertido sábado.

He de decir, que en un concierto me he reído pocas veces como el día 17-1-2009, un día a tener muy en cuenta en mi calendario; varios recuerdos, un cedé –Sex o no Sex-, un deuvedé – 1986-1993-, una chapa de Tuco, y el regalo más preciado que trajo de Ecuador, a un módico precio me dijo… Pero lo tengo sudado y así se quedará, es sudor de Tuco tíos, sudor de rock and roll y lágrimas (pero de risa). Es un chaleco de colores.

No nos dejamos ningún detalle atrás. En cada sitio en el que toca, reparte unas tarjetitas que ponen (para mi fan número 1), y el caso es que parece que está escrito con bolígrafo de verdad. Me hace mucha gracia, cada detalle que tiene este hombre con sus proyectos musicales, porque en el disco que escucho, el micrófono es un consolador, el título es Shakespeare –Sex o No Sex-, y los títulos son para mearse. “Canción de amor para mi mano derecha”, que trata sobre el amante español caliente, o eso cree él, sale todos los fines de semana a mojar con el pito tieso, y llega a casa como llegó, con la tensión típica de no haber mojado, y desde luego la mejor amante y que nunca falla, es la mano derecha. Creo que casi he llorado de risa escuchando esta canción porque llega al alma masculina. Tenemos otro caso masculino “Chico fácil”, ése que siempre está disponible para las mujeres, o sea todos nosotros, vamos que somos chicos fáciles, y ellas chicas fuertes, como decía Aurora Beltrán.

En cuanto al aspecto físico de Tuco, hay mucho que decir, porque es desconcertante y chocante al mismo tiempo, pero en cuanto lo escuchas y lo ves, sales de dudas y te das cuenta de que podría ser tu padre cantando al amor pajeril, cantando a los más bajos instintos pornográficos, y recordándonos que los salidos no estamos solos y tenemos un representante en este mundo, recordándonos la cantidad de revistas porno que tenemos en el armario: Tuco (creo que significa “pene”).

Un prestidigitador ambulante, un truhán con patillas, un fenómeno con lunares, un conocedor de idiomas (francés, cubano y griego), un hombre embutido en unos tirantes de cuadros negros y blancos, un hombre capaz de llamar al sillón en el que te sientas para ver internet –el sillón de paja-, el hombre de la erección eterna, el hombre de las fantasías sexuales, al hombre que le gustan todas. Un hombre con el que me siento muy identificado por su forma de vestir, por los complementos como las gafas, por la pasión que tengo por cubrirme la cabeza con gorros, sombreros y viseras, unos zapatos de lo más originales con unas chapas metálicas para hacer claqué, tirantes de cuadros, unas camisas de Chiquito de la Calzada; pero sobre todo: un hombre entrañable, con una creatividad fuera de lo común.

Otro apunte importante: a Tuco le gusta regalar cosas, a mí me regalo el chaleco que sale en la foto, muy importante: cedés y deuvedés a 5 €. En cierta ocasión me dijo que el mismito Jesús Ordovás recibió de su cuenta una camisa de Tuco, y como no tenía ninguna disponible en su baúl, cogió la suya propia y se quedó en tetas para darle la camisa.

Si podéis ver en vuestra ciudad a este pornoautor, no dudéis en ir a verle. Es todo un espectáculo, por su puesta en escena, cuando se pone a bailar claqué, cuando aporrea el piano cual Jerry Lee Lewis, tocando de todo menos rock; son corridos, son boleros, son tangos y hasta coplas como “Soy hetero” de Antonio Molina.

Que no falte el sentido del humor, y si podéis os pasáis por su sitio web: http://www.pornorock.es/Sitio%20web/Bienvenida.html

Para ver más fotos del concierto:

www.flickr.com/photos/eldoctorrober

IGGY POP AND THE STOOGES - Raw Power (1973)

2009-01-15T09:55:00.001-08:00

IGGY POP AND THE STOOGES – Raw Power (1973)

Quién se queda indiferente ante un personaje llamado Iggy, Iguana, Iggy Pop. Ese tío con nervios y músculos que no para quieto. Ese tío que se queda solo brincando en un escenario. Tiene hendiduras en la cara de la caña que se ha metido en toda su vida. Pero es un cantante que transmite pasión, que transmite ganas de destrozar la pared de cartón piedra que tenemos delante de nuestras narices. No hay chorradas que puedan decirme de Iggy Pop. Sigue siendo una leyenda, y con este disco que tengo entre mis manos voy a demostrarlo.

Raw Power: un disco visceral. Ante todo ruidista. Lleno de vicio, de sexo, violencia. Y esa voz insistente rugiendo entre todo ese ruido, y logra que se oigan sus gemidos incesantes. Es un disco de 1973. Los únicos 3 discos que tiene Iggy Pop con The Stooges, son 3: “The Stooges”, “Fun House” y éste “Raw Power”. Una diferencia sustancial en el tiempo. Primer disco del año 1969, segundo disco 1970, y para grabar el material de Raw Power 3 años más, con un sonido verdaderamente desastroso, pero ciertamente no lo cambio por nada. Y aunque se ha hecho una restauración de la grabación, sigue sonando igual de guarro.

Todo hay que decir que el desaguisado está perpretado por David Bowie, que fue el encargado de hacer la mezcla, y la alquimia salió peligrosa e inestable. Pero sigo diciendo que amo este disco. Tiene unos solos de guitarra que me ponen el vello de punta. Eso sí, hay que tener cuidado con el volumen de este disco; en el que están descompensados el sonido del bajo y la guitarra solista. Forman un barrilón, tal que al ponerlo en casa podemos hacer que exploten los cristales en añicos.

Vamos a destripar el disco canción por canción. Se dividen en dos clases: canciones punkis en exceso, y medios tiempos orientados al blues más salvaje. Empezamos con un tema que es ya una insignia, solamente por el título “Search and Destroy”, como si de un caza militar se tratase, nos dedica unos acordes iniciales para tirarnos al suelo y pisotearnos. Esta canción habla básicamente de un individuo que va dando tumbos por las calles, es el personaje olvidado y como una avispa es el que va inyectando el veneno del descontento, una especie de superhéroe disfrazado de vicioso y drogadicto; la verdad que consigue inquietarme.

Seguimos con más peligros y disgustos, porque en este disco el guitarrista tradicional –Ron Asheton- se ha trasladado al bajo, ya que en este trabajo no está Dave Alexander, y ha sido sustituido por James Williamson, otro animal vestido de cuero negro. En este trabajo, The Stooges se visten como las putas, acompañando al excéntrico Iggy que hace lo propio con todo tipo de ropas reflectantes, pelos de colores y esa delgadez que siempre le acompaña. Decía que seguíamos con el peligro en el cuerpo, porque la segunda canción se llama “Gimme Danger”, una canción que habla del extraño que todos llevamos; Iggy extrapola su propia personalidad dañina, y hace de alfombra virtual, para que otro ser inhumano, le pisotee las tripas.

Tercer tema: “Your pretty face is going to hell”, originalmente titulada “Hard To Beat”. Una vorágine de sonido caótico, acorde con el album, que trata sobre una dulzura de mujer salida del mismísimo infierno, a la que Iggy hace un homenaje; lo que vulgarmente se llaman mujeres de la calle, o Burning llamaban “la mujer fatal”. Simplemente Iggy, hace un homenaje a la trabajadora de “pollas”, instándola a irse al infierno de donde ha venido. Posiblemente una canción difícil de bailar.

Cuarto tema: “Penetration”. Esta canción por lo menos, se puede bailar, que ya es algo. Un ritmo heavy con sonido punk y un ambiente bastante sexy, lleno de gemidos y exageraciones vocales del hombre de la boca kilométrica y movimientos involuntarios. Seas chico o chica, creo que le da igual a Iggy y se tumba, y le encanta que le penetren una y otra vez. No hay duda de que le gusta, cuando repite: penetrate me!!!!

Quinto tema: y es el que da título al disco –Raw Power-. Seguimos en el terreno pedregoso y ruidista del disco y nos invita a suicidarnos machacando nuestra cabeza jugando con una pelota del ritmo en nuestra cabeza. Y es lo más sorprendente. La canción sigue teniendo ritmo. En realidad es una canción para bailar, no es como la lambada exactamente, pero para el oído instruido, y siendo un niño grande puedes comprender el mensaje. Muévete de la manera más conpulsiva posible y asunto concluido.

Quizá con “Gimme Danger”, “Penetration”, y la sexta canción del disco “I Need Somebody”, éstos son los pilares del disco, que la verdad tiene pocos. Es un disco mítico, porque enseñó una manera de hacer música, el vicio y la música unidos en un disco irrepetible. Se puede decir que este tema es un blues disfrazado; la única canción donde se filtra algún sentimiento positivo del tío de la cara cortada. Una invitación a la unión por compasión. Trata de un tío tirado que pide el amor de otra persona, contando que es un sinvergüenza sin remedio, pero paradójicamente sólo cuando canta esta canción, es alguien con sentimientos. Todo un universo, metido dentro de varios universos.

En el séptimo tema, llegamos al séptimo orgasmo. Una canción que hace un juego de palabras equiparando “Sex-apeal” con el título de la canción “Shake-apeal”. Una canción llena de ritmo pornográfico. Invita a mover la cadera y dejarse llevar por los aullidos del vicioso, y los músicos haciendo el animal a la par.

Octavo y último tema: y como llegamos al final, y no puede ser de otra forma, vamos a acabar de la forma más horrible. Vamos a acabar dándonos la ostia contra una pared o contra el suelo. Si alguien ha quedado vivo después de este disco que levante la mano, si todavía no se ha caído por la impresión de que nos azoten, nos den por el culo, nos pique todo el cuerpo de sudar, y nos lloren los ojos por toda la reacción caótica en nuestro cerebro. Llegamos al viaje final: “Death Trip”. Con acordes fuertes y exagerados, destrozamos cualquier esperanza que teníamos de que Iggy Pop puede tener sangre pura en sus venas.

Este disco, es como un chute de droga dura. Si no estás preparado no puedes escuchar este disco. Es demasiado duro de escuchar. Y si estás preparado es como una galleta amarga que te gusta saborear rápido para que no te queme, ese regustillo amargo que te queda en forma de hormigueo en los brazos, y te sube hasta las sienes, y hace que se te abran los ojos de par en par; ahora voy a relajarme escuchando el primer disco de Stooges.

LA DAMA SE ESCONDE

2008-12-27T20:08:00.000-08:00

LA DAMA SE ESCONDE - Lo mejor de La Dama Se Esconde (recopilación 1999)

Si yo pudiera estar esta noche contigo, una hora más, si yo pudiera soñar y decirte al oído un deseo secreto, encuéntrame esta noche en la tierra de los sueños.

Así es como empieza una letra de “La Dama Se Esconde”. He encontrado este disco escondido dentro de la maraña de discos que tengo, unos originales y otros... no tan originales. He visto a dos chavales jóvenes, como a mí me gustaría estar en ciertos momentos. Ya sé que sigo siendo joven, pero me gustaría ser otra vez adolescente, y no pensar en cosas tan trascendentales y no preocuparme tanto por algunos sentimientos que lo único que hacen es maltratarme y debilitar mis más ocultas creencias.

El caso es que no logro disentir de la realidad y la verdad de estos donostiarras, que me hacen creer que la verdadera realidad está por esperarme y no parece que me venga a buscar. Este año ha sido muy duro para mí y no ha hecho más que maltratarme y quizá debería sobreponerme, pero es que incluso los más secretos detalles de mi vida me invitan a creer que esto es imposible.

Bueno, creo que mejor voy a hablar sobre el disco, que me parece, de lo más interesante… El disco se llama “Lo mejor de La Dama Se Esconde”, y contiene sus singles, caras b, rarezas y 1 tema inédito; lo que puedo decir de este grupo, o más bien dúo, es que siempre te sorprenden con sus temas oscuros y sorprendentes. Dos jovenzuelos que hablan sobre los mundos de Tolkien, de mundos paralelos, hablando de ciudades de fuego, senderos ocultos y magos de colores.

Los anhelos y temas de “La Dama Se Esconde”, son siempre etéreos y nunca siempre claros. Siempre hablan de mundos de fábula. Mundos de fábula llenos de personas reales a las que siempre ven y tienen la apariencia de gente cercana, pero al final son gente que cada vez están más lejanas. Un nuevo día viene, pero según “La Dama Se Esconde”, las cartografías indican que los mapas y las fronteras no son verdades siempre, y que la gente a la que has conocido no son lo que tú creías que eran. O al menos, ésa es mi percepción. Muchas veces mi rincón de privacidad y de verdad se encuentra en la música, y no precisamente en el blues. El pop muchas veces te saca de muchas dudas existenciales: cómo soy, si existo, si amo, si voy a divertirme, si tengo que probar un chupito de whisky espirituoso. En fin, que me parece que la música me sirve según el momento y la situación.

Los dos jovenzuelos, son los jóvenes que todos hemos visto en televisión, cuando había artistas que se descubrían por sus mensajes llenos de palabras y mensajes. Canciones como “La tierra de los sueños”, “A años luz”, “Coleccióname”, “Princesa” o el mismo “Amenazas”. Temas todos estos que se encuentran reunidos en este recopilatorio lleno de sorpresas y de mensajes por descubrir.

Yo sólo tengo clara una cosa, cuando escucho este disco; tengo ganas de que me sorprendan, tengo ganas de que me llenen de cosas positivas, o al menos artificios, que me hagan creer que vivo en ese sueño del que me habla “La Dama Se Esconde”. Me gustaría viajar a ese mundo en el que todo es poético, en el que se coleccionan sonrisas, coleccionan comics, coleccionan momentos, coleccionan sentimientos. Vamos, que me han coleccionado hace tiempo, porque soy un romántico sin cura, y puede que así no me convierta en millonario, ni tampoco me quieran tan sólo ni un poquito más de lo que ocurre en la realidad.

Pero, sencillamente me da bastante igual. Creo que siento la necesidad de escuchar un disco para curar mis heridas. Y “La Dama Se Esconde”, han llegado a mi corazón más adolescente e inocente. Si me llaman idiota, me da lo mismo, porque sé que si me porto como un verdadero hombre, seré hombre, y se me porto como un verdadero energúmeno, seré eso: un energúmeno. Me quedo con esas palabras poéticas de carmines impregnados en pieles blancas, guitarras maltrechas por amores de violines, o violines violados por eternos tambores.

TIN MACHINE

2008-12-25T16:46:00.000-08:00

TIN MACHINE

En días en los que no hay garantía de diversión musical, siempre tenemos el jazz, pero nos acaba por cansar. Si nos ponemos funky no paramos de mover los pies, y nos lleva a un frenesí sin salida. Si nos ponemos disco, nos ponemos a mover el pie, y un poco ñoños por el revival de que todo fue mejor cuando los Bee-Gees se lavaban con Profidén. Si escuchamos heavy nos acaba por estallar la cabeza. Si escuchamos punk es posible que nos obsesionemos con que no hay un futuro posible. Y si escuchamos clásica, seguramente se nos quedará una posición de pijo jugando al golf en una mañana soleada. Y si escuchamos blues, en algún momento nos sentiremos mejor y dejaremos de necesitar el blues.

Por lo tanto, lo que nunca falla, es David Bowie. Lo tiene todo. Todos estos elementos más o menos mezclados los tiene; o mezclados o a parte. He llegado a poner un par de discos dobles de Bowie, el disco “David Live” y el disco “On Stage”, y ya me ha picado el gusanillo de escuchar algo más cañero y actual. Y Bowie, como siempre tiene una respuesta para todas nuestras plegarias.

El proyecto en concreto se llama Tin Machine – Tin Machine. Un grupo formado por viejos conocidos y nuevos para Bowie, pero no nuevos en el panorama musical. Con una portada blanca de fondo, aparentemente sencilla, y poniendo muy a las claras que el rock no es sólo música para desarrapados greñudos que sólo piensan en fumar canutos y tomar cervezas sin parar, el disco se presenta elegante, vivo, salvaje y muy musical. El proyecto lo forman David Bowie: guitarra y vocales; Reeves Gabrels: guitarra solista; Hunt Sales: batería y vocales; y Tony Sales: bajo y vocales (que supongo que será el hermano del anterior). Viejo conocido de sesión a finales de los setenta es Reeve Gabrels. Con su buen hacer y sus solos de quitar el hipo, nos crea unos sonidos típicos del más puro estilo glam, pero sin hacer aspavientos innecesarios.

Sólo decir las características principales del disco, es que es un sonido rotundo y elegante, gracias a la aparición de David Bowie, y por supuesto un reclamo. Sin haber acabado la década de los ochenta, pero ya muriendo (1989), los hermanos Sales, que han tocado con Iggy Pop anteriormente, y el guitarrista Reeve Gabrels, deciden formar un grupo a la vieja usanza, sin un líder definido, en el que la música sea protagonista. Yo, personalmente conocí este disco por el último gran programa musical que dieron en Televisión Española: “Rockopop”, presentado por Beatriz Pecker; y dieron un vídeo del primer single que era “Heaven’s in here”, un medio tiempo orientado al blues, y con un solo de guitarra que por aquellos tiempos me flipaban mucho. Hay temas como “Tin Machine”, “Bus Stop”, “Pretty Thing” y “Crack City”, que componían la parte dura del disco. Temas duros con altas connotaciones heavies. Había temas introspectivos como “I can’t read” o “Prisoner of love”. Pero la gran sorpresa fue cuando el día que fui a comprarme el disco original, había una famosa canción de John Lennon –“Working Class Hero”- que originalmente él tocaba en acústico y voz sólo; pero Bowie la transformaba de tal manera que le daba una connotación más cínica y política si cabe. En definitiva, un gran disco para disfrutar cuando tengas ganas de sorprender a tu conciencia, a tus vecinos, y porque no, al cabrón de tu jefe, cuando mueves tu cosita, mientras escuchas el disco con los cascos.

Posteriormente a aquella gran compra que ahora mismo estoy degustando, y la carpetilla, está algo amarilla en algunos lados, pude ver en televisión un concierto del grupo en el que todavía dejaban el listón más alto que en los discos. Todo un derroche de energía, de humanidad, de sensaciones visuales e incluso táctiles, cuando Bowie se quitaba la camiseta y dejaba que le secasen el sudor algunas cachondas en el público, tocaba el saxofón sólo con su boquilla; o Gabrels apartaba el jack de su clavija para ofrecer el trofeo al público e hicieran ruidos varios tocando el pitorrito, mientras él modulaba sonidos con su pedalera.

Si todavía no conocéis esta maravilla de disco, os lo recomiendo. Al que no sea amigo de Bowie, aquí vera un Bowie distinto. Y al que le guste Bowie, mejor que mejor, no le defraudará. También tienen otro disco más, éste más difícil de encontrar, que se llama “Tin Machine II”.

NEW YORK DOLLS en Sala Rock Star de Baracaldo (05-12-2008)

2008-12-06T05:46:00.000-08:00

NEW YORK DOLLS en la Sala Rock Star de Baracaldo (2008-12-05)

Oye Carl – Dime Berg. ¿Quiénes son estos tíos con pinta de maricones y que llevan el pelo cardado y engominado y se comportan como verdaderos drogadictos? Pues mira Berg, son New York Dolls, que se han reunido después de muchos años de ostias musicales y tugurios sucios con el suelo lleno de cerveza y de cristales rotos.

No os voy a aburrir sobre la historia de New York Dolls, porque para eso tenemos una buena enciclopedia multimedia en el wikipedia. Pero sí que voy a recordaros brevemente las vidas y muertes, idas y vueltas, subidas y bajadas, tragos y chutes y la Babilonia del rock, que es un castillo de naipes que en cualquier momento se puede caer, pero que siempre nos tiene pendientes y somos capaces de dejar todo por un par de horitas y dedicarnos en cuerpo y alma a un momento inolvidable.

Bueno, han tenido mucho movimiento en su formación, pero éstos son la formación en un disco que tengo en mis manos con los éxitos más sonados; el disco se llama “Rock and Roll” y aparece en la portada un dibujo de una vaquera muy rica con dos pistolitas en las manos. La formación son DAVID JOHANSEN –vocales, armónica y gong; JOHNNY THUNDERS – guitarra y vocales; SYLVAIN SYLVAIN – guitarra, piano y vocales; ARTHUR KANE JR. – bajo; JERRY NOLAN – batería y percusión. De éstos hoy día sólo quedan dos DAVID JOHANSEN y SYLVAIN SYLVAIN. Ahora os explicaré porqué.

En 1971 murió el antiguo baterista Billy Murcia tras ingerir grandes cantidades de drogas y alcohol, sus groupies lo sumergieron en una bañera de agua fría y llenaron su boca de café… Lo sustituyeron por Jerry Nolan. Otro de los miembros importantes –JOHNNY THUNDERS- murió en circunstancias que no se conocen muy bien, en un hotel de Nueva Orleáns en 1991, pero se especula que pudo ser por una sobredosis de metadona, o de leucemia o SIDA. Fue fundador también de un grupo que se llamaban JOHNNY THUNDER AND THE HEARTBREAKERS, con un estilo muy parecido a NEW YORK DOLLS.

Pero bueno, aquí hemos venido a hablar del concierto en la Sala Rock Star. Teloneando unos guipuchis –Aterkings- muy influenciados por Iggy Pop y los ruidos repetitivos, pero sin ninguna pretensión artística. Pueden estar tranquilos que ninguno de nosotros contaremos que estuvieron taloneando a New York Dolls, pero ellos estarán eternamente agradecidos por haber comandado el inicio del concierto con estos mitos del rock and roll.

Es cuando esperando un tiempo bastante largo y eterno, la gente se impacientaba bastante por la tardanza del grupo. Y no hacían más que poner canciones de merengue, salsa y cosas parecidas; se nota que el garito está destinado para la gente guapa. Por el ambiente "cool" que hay. Hay que reconocer que el sitio está bien preparado con 3 barras bien distribuidas; una a la izquierda, una a la derecha y una en medio del sitio junto todos los artilugios tecnológicos de ordenadores, luces y proyectores. Luego hay un restaurante que está bastante majo, protegido con un cristal.

Como ya he dicho, esas muñequitas con pinta de mariconas ya entradas en años, se pusieron manos a la obra tocando clásicos de la banda como Babylon, Looking For A Kiss, Private World, Trash, Puss ‘n’ Boots, una versión de Janis Joplin and The Holding Company: Piece Of My Heart, una versión de Hey Bo Didley del propio Bo Didley, supongo que como homenaje a su reciente muerte.

Fueron unos 80 minutos de un rock más que intenso, un sonido perfecto y bien modulado. La acústica del sitio era casi perfecta, lo que no me gusta es la distribución del espacio. Para ser unos viejetes con cara de viciosos no tocan nada mal, y tienen mucha marcha todavía. Supongo que hay cosas que te pueden hacer cambiar por una noche... Pero eso ya es otra historia. Como me dijeron a mí llevando melenas hace mucho tiempo: "Los rockers nunca moriréis..." Todavía me pregunto por qué me dijo esto un tocado por la heroína... Pero bueno, es lo que tiene vivir en cualquier barrio pintoresco de Bilbao.

Volvamos al concierto. Vi a mucho descubridor de la música, chicas de 18 añitos a lo sumo 25, que se pasaron por allí a ver qué hacían estos carrocitas. No sé muy bien si entendieron que el rock que practican ellos, es duro y corrosivo, sarcástico y urbano, lo que se podría decir: una desvergüenza total, un sonido desenfadado y desordenado, pero que siempre te pone las pilas. La gente pedía más, así que, dejaron de vociferar: "beste bat", para empezar a vociferar: "New York Dolls!", a lo cual todos accedimos a pronunciar, y tocaron mi canción favorita de ellos: PERSONALITY CRISIS; es todo un himno para mí, guitarras sucias, vocalizaciones descomunales, abriendo la boca al más puro estilo Mick Jagger, y ese SYLVAIN SYLVAIN incitando a la gente a hacer el gamberro...

Señores y señoras. Hemos visto a unos supervivientes del rock and roll y bien vivitos y vitales. No defraudaron, fue un concierto corto pero intenso.

Contento de haber estado quizá en la despedida de esta banda. Espero que no porque tienen mucha cuerda. Y son los supervivientes del verdadero espíritu del rock and roll.

ANKITONER METAMARS (27-11-2008 EN EL BULLIT)

2008-11-28T06:05:00.000-08:00

ANKITONER METAMARS (27-11-2008 en Bullit)

No sé exactamente lo que es la realidad, lo que es la locura, lo que es la cordura, en qué consiste la profundidad de campo de una fotografía, nunca he estado en un picnic americano con moscas y con avispas. Lo único que sé es que después de haber estado en…No sé muy bien el tiempo que he gastado en mi existencia en el Bullit. No sé muy bien el ruido que he escuchado hasta llegar a mi casa y ver la verdadera realidad de la vida, la verdadera verdad, la verdadera realidad del ruido, la verdadera divinidad de lo no divino… Todavía no sé muy bien lo que es la realidad.

Dos tíos plantados en un escenario después de haber pimplado cientos de vasos de tubo manchados de JB. 4.44 dura la segunda canción del disco de ANKITONER METAMARS, y precisamente éstas son las cosas que me llaman la atención de cuando escucho un disco. Esto es lo que llama la atención de un músico después de dar un recital: que le compren un disco.

Pero es que yo no sólo tengo bastante con descargarme un disco a través de unas telarañas cibernéticas, debo tener un formato lleno de puntos binarios con unas ondas sonoras, en este caso me hablan de un caleidoscopio electrónico que me vuelve loco. Ese caleidoscopio divino, que a la vez es satánico; la dualidad sonora, la dualidad alcohólica, la dualidad envenenada de esa ponzoña ruidosa y corrosiva.

El disco se compone de dos caras, aunque sólo tenga una. Pero es que la realidad del disco compacto es ésta: son dos caras en una. Con la tecnología podemos tener muchas caras, incluso las caras que ponemos nosotros al escucharlo. Todo lo que escuchamos tiene un precio. El ruidismo no es gratuito. Tienes que pagar 5 € por una entrada, y no es suficiente, porque una puta, llamada camarero te pide dinero por una birra que cuesta 2,50€ por una cerveza de botellín. Juntando dos te salen esos 5 €, y ya hemos completado el círculo.

No penséis que estoy loco, lo único que estoy haciendo es reivindicar el poder del absurdo en un mundo jodidamente cuerdo. Anki Toner & Javier Piñango forman este dúo de ruidismos sin fin y terrores nocturnos. La mar de ruidos que he escuchado, el club de los resentidos en el que estamos todos, la maraña de pulgas que nos pican cuando me rugen los tímpanos, no es ninguna invención.

Hay un tiempo para todo, para amar, para escuchar, para encender tu ordenador en tu solitaria habitación. Hay un momento en el que decir “aleluya” es la solución. Es precisamente este momento en el que acabo de venir de un conglomerado de estilos y de locales, cuando me doy cuenta de que la fina línea de lo peligroso y lo divino están unidos; por eso tengo que decir “aleluya” ¡chicos!

He comprado un disco que puede descargarse por Internet, pero yo he querido comprarlo, y por eso este acto de un ángel caído en combate musical y ruidista, se merece una dedicatoria Coheniana, y digamos que es un tributo a todos los perdidos en ese espacio infinito lleno de locos divagando en un mar de dudas.

El que me conozca, ya sabe que estoy divagando. El que no me conozca no sabrá que estoy divagando. Y el que me conozca demasiado sabe que esto lo hago por amor al arte. A todos ellos, los que me leen por amor al arte, a la música, a las letras y a las rimas sin sentido. A todos ellos va dirigida esta misiva de locos asesinos y vociferantes.

Por Ankitoner Metamars, y el Cristo verdadero. Por todo aquello que nos dé libertad creativa. Esto no es una crónica. Es más o menos una crónica que cuenta lo que ha pasado, pero tengo tantas cosas en la cabeza y hay tantas guerras interiores en las cabezas de la gente, que me gustaría saber cuándo acabará. Pero a mí se me hace cortísimo, cuando logran atrapar la corriente cerebral oculta que tengo muy dentro de mí, pasa esto: EL CAOS.

Para más información y descargas:

www.myspace.com/ankitonermetamars

www.ankitoner.com/

Yo podría haber descargado el disco de internet, pero me apetecía comprarlo también. Os animo a que lo que os guste de verdad lo compréis. A mí este proyecto me ha gustado.

Más información:

En la foto está Anki Toner tocando la armónica entre el público y el que se ve con cara de éxtasis, es el archiconocido en Bilbao Álvaro Brutus, autor de un tributo a The Velvet Underground, con grupos de la tierra y grupos amigos de la música de los neoyorquinos.

ANKITONER METAMARS son:

Anki Toner: voz y ruidos

Javier Piñango: ruidos varios.

HA MUERTO MITCH MITCHELL

2008-11-14T01:13:00.000-08:00

MITCH MITCHELL HA MUERTO

Me he enterado esta mañana gris, fría y lluviosa que uno de los grandes, uno de mis ídolos de juventud y de lo que me resta de vida, ha muerto. Él se llamaba Mitch Mitchel, más conocido como baterista del primer gran trío, y más célebre de aquella época, llamado The Jimi Hendrix Experience.

Mitch era el único superviviente de la banda, que dicho sea de paso, era el que mejor se complementaba con el gran genio del trío: Jimi Hendrix. Ahora mismo estoy flipando con una de mis canciones favoritas –Spanish Castle Magic- del segundo disco de la banda: Axis-Bold As Love, grabado en 1967 a toda prisa tras el superéxito de la banda con su primer disco "Are You Experienced?"

Parece ser que ha muerto de causas naturales en una habitación de hotel en Portland (Oregon) - Estados Unidos. Ha cogido de sorpresa a todo el mundo, ya que estaba actuando en un festival que se llamaba “Experience Hendrix Tour”; y según los testimonios de los más allegados decían que se le veía más vital que nunca. Es lo de siempre, cuando más ganas tienes de hacer cosas, y más ilusión le pones a todo, siempre tiene que pasar algo jodidamente malo.

Mitch Mitchel ha participado entre otros proyectos, en aquel famoso “Rock And Roll Circus” que organizaron The Rolling Stones, y donde también estaba gente como Eric Clapton, John Lennon y Yoko Ono, con una banda que se llamaba The Dirty Mac. Por allí aparecieron los Jethro Tull, The Who…

Siempre me gustó su forma de tocar agresiva, pero a la vez delicada. Atrapando el caos de Jimi Hendrix en redobles imposibles. Mientras escucho Little Wing, esta canción tan hermosa, me despido de otro de los grandes. Ahora cierro los ojos y sigo soñando con aquellas estridencias sonoras de los sesenta, que comenzaron con el mago de la electricidad que logró domar lo más ansiado del ser humano: el poder del metal, de la espada del rey Arturo, y la magia imperturbable del rayo. Pero como decía aquella canción del grupo español Los Módulos –Todo tiene su fin-, y desgraciadamente eso es lo que hay. Descansa en paz amigo.

JUKEBOX RACKET + THE CHERRY BOPPERS (07-11-2008)

2008-11-08T02:41:00.000-08:00

JUKEBOX RACKET + THE CHERRY BOPPERS (Café Teatro 07-11-2008)

Cuando estabas en tu casa mirando la televisión, seguramente viendo algún programa de estos de bailar, ayudar al prójimo, o simplemente algún concurso en que lo único que te dan es algo material, dinero también te dan, pero después de gastarte mucho. Entonces caes en la cuenta de que hay otras formas de gastarse el dinero…

Yo me he gastado 10 euros por una entrada, y había un programa doble. Tocaban dos grupos: Jukebox Racket y The Cherry Boppers. Pueden parecer como el agua y el aceite, pero lejos de viejas rivalidades musicales, allí nos encontramos lo mejor de cada casa. Una gorra del medio oeste americano, de ésas de las vías de tren, unas greñas hasta media espalda, un tupé exquisitamente engominado, camisas planchaditas de todos los colores, calvas relucientes, porreros empedernidos, bebedores habituales, y poseedores de la verdad individual absoluta. Absolutamente todo lo genuinamente mejor de cada casa, estaba allí para adorar a los nuevos héroes de esa noche.

A los Jukebox Racket ya les había visto en Bailén en las anteriores fiestas de Bilbao, así que hay cosas que puedo decir; una de ellas es que la música no se hace, sino que fluye, otra cosa es que los Boggie Punkers han perdido un gran activo con Luis Punker. Tengo dudas acerca del éxito de este grupo recién creado a la sombra de Boggie Punkers, porque creo sinceramente que todo lo que había de auténtico en esa banda, se fue con el alma del grupo, el que daba sentido a todo este caos psychobilly; en cuanto a la parte musical, no tengo nada que decir, porque siguen en plena forma, Carlos Beltrán continúa emocionándome con sus eternos solos agresivos, Javi Caballero me sigue flipando con su forma de tocar la batería incesantemente, y Edu Uñas, qué puedo decir de él, nunca me cansaré de ver sus dedos difuminarse con las cuerdas del contrabajo. Pero tengo una duda: y esa duda es el cantante. El amigo Javi Zaitegui, canta bien, pero no le veo para este proyecto; me acuerdo del grupo “Dinamita pa los pollos”, donde sí que me emocionaba su forma de sentir el rock más intensamente.

Lo verdaderamente desastroso, vino con el sonido del concierto, bastante pobre y difuminado. Casi no se oía la batería, el bajo se intuía y las voces de vez en cuando parecían tener protagonismo. Pero el espectador es el que tenía el botón rojo bajo su dedo índice, y podía pulsar cuando quisiera la orden de expulsión del local. Pero claro, todos habíamos pagado una entrada barata, para el caché que allí se alojaba, prácticamente toda la escena bilbaína de rock and roll y funky-jazz. Por allí pasaron un montón de gente a la que conocía ya, y pude saludar.

Por suerte, allí estaban los Cherry Boppers para alegrarnos una noche brumosa y lluviosa bilbaína, para acercarnos los ritmos calientes de James Brown, las melodías locas de Herbie Hancock, y las ansias de cualquier blanco de poder tener esa semilla siempre fresca y verde de la música negra. El sonido en principio, igual que los anteriores, un sonido difuminado y sin brillo, que poco a poco fue arreglándose, no sé si gracias al buen hacer y ensayos constantes del grupo Cherry Boppers, o gracias al empeño obligado del hombre de la mesa de mezclas. Fue una actuación redonda la de estos bilbainos, con unas cuantas colaboraciones, de un saxofonista alto que me dejó flipadísimo… Qué decir de Igu Allnigter el invitado vocal de la gorrita y el traje colorado, pedía a voces y cánticos blueseros, que el grupo tiene que adoptar un vocalista. (si alguien me puede dejar una nota de cómo se llama el saxofonista al que se cayó el sombrero, se lo agradeceré; un fenómeno).

Hay una cosa, que me gustaría lanzar al aire a los miembros de una mesa de mezclas. No siempre tiene que haber un equilibrio entre todos los instrumentos en todos los tipos de música. En este caso, pido que haya una descompensación entre los sonidos agudos, como la guitarra y el hammond, y luego que brillen un poquito más sin llegar a saturar, el bajo, batería y vientos. No sé cómo lo hacían en los discos antiguos, pero aquí hay una prueba de que las cosas relativamente descompensadas, ganan con los años.

Mención especial, para la iluminación, las proyecciones visuales, gracias a las cuales hemos recreado lo que es un verdadero viaje al infierno de los funky-drummers and funky groovers; visualizaciones éstas, con pelis como “La Naranja Mecánica”, “Reservoir Dogs”, “Pulp Fiction”, y actuaciones de James Brown a saco. Además de alguna película de negros puros, de esos de cuero negro y mucha droga funky callejera. Vamos, en fin, que ha habido momentos en las proyecciones que han sido perfectas aliadas con la música que se estaba interpretando. Las imágenes en blanco y negro quemadas, tenían una fuerza increíble.

Pam Grier, Tarantino, Curtis Mayfield, Funkadelic, y una larga lista de nombres que podría exponer aquí están presentes con este nuevo parto en forma de disco que se llama “Play It Again”, un disco que ya tengo en las manos y compré en uno de los locales donde suelo ver a más de uno de los Cherry Boppers. Y sinceramente me ha parecido un discazo. Están en un momento espléndido, y sinceramente esta vez me lo he pasado de puta madre con un concierto de los Cherry, muy ensayado y trabajado todo; sé que esto es trabajo chicos, pero ahí estaremos apoyando como público y de la forma que sea.

Animo a otras bandas a grabar discos, que aunque no sean de tirada editada con todo lujo de detalles, se atrevan a hacerlo en sus propias casas con una mesa de mezclas, o a la antigua usanza, todos juntos y revueltos y conseguir un sonido divertido con el que poder disfrutar. Y sobre todo, hay que apadrinar bandas locales, es la mejor forma de que la música salga adelante.

MI HERMANA CORINA en Residence (11-10-2008)

2008-10-12T04:54:00.000-07:00

MI HERMANA CORINA – Residence 11-10-2008

Esta gente de Mi Hermana Corina, tienen muchas cosas que decir y muy variopintas. La verdad es que la impresión que dan, es que cada uno viene de una madre musical. Estuve hablando con la voz cantante y compositor –Hugo-, y le dije mi opinión personal sobre lo que hacían, una música honesta, personal y muchas cosas más, que por su imperfección prefiero obviar. Pero éste es el verdadero encanto del grupo. Es un grupo de amateurs que suenan verdaderamente bien en directo, con sus estridencias sonoras, sin machacar el cerebro.

Os recomiendo el disco encarecidamente, que estoy escuchando ahora mismo. Sólo son 6 €, y tenéis en algo más de 30 minutos 10 joyitas de pop garagero, muy valiosas para mí. Desde luego, lo que más me gusta es la carátula del disco, que es un dibujo de una chica abusadora de excesos en forma de lacas y tintes, tijeras de peluquería, piercings en la oreja derecha, un tatuaje de una calavera, pitillo en boca, y un mechero metálico de gasolina, y la boca ensangrentada. ¿Será la hermana Corina? No lo sé, pero me ha llamado la atención la carátula, diseñada por Oriol Malet http://www.oriolmalet.com/ , y lo que dicen es que un producto se vende por fuera, y verdaderamente así es casi siempre.

Como ya he dicho, el grupo en directo, tiene sus imperfecciones, y no desisten en el empeño de agradar. Y ahora estoy escuchando el disco, y la verdad que me gusta mucho más. En directo, versiones como Led Zeppelin – Whole Lotta Love, Ilegales – Soy quien espía los juegos de los niños-, una versión de Moonage Dream de Bowie, y por último una salvaje versión de Helter Skelter, que suena bastante bien.

No se puede decir que suenen como tal o cual grupo. Lo importante es que tienen un sonido muy particular, y llegaron en el momento más creativo de Residence, cuando todavía tenemos muchos cables sueltos, y trastos fuera del trastero, las paredes y techos a medio decorar, y una cúpula por pintar como la capilla sixtina. Me alegra el saber, que todavía hay músicos que se atreven a darlo todo porque les gusta lo que hacen.

Mi Hermana Corina son: Asier Aldaiturriaga al bajo, Hugo Allende a la guitarra y voz, Mikel Belaustegui a la guitarra, el gran Fernando Lacabex (Rocco Lacatus) a la voz, Eduardo Mendiguren (Wito) a la batería y una colaboración de Inés Núñez cantando en dos temas. Grabado en los Estudios Tío Pete de Urduliz, y es una producción del año pasado. Me ha gustado el sonido bruto que tiene el disco, esas guitarras, pedaleras de efectos, sonido envolvente, y ese duende que no tienen todos los grupos. Soy amante de la espontaneidad, y para hacer buena música, tienes que saber hasta dónde puedes llegar, y sobre todo: TRANSMITIR. Como una conversación cualquiera, la música fluye, como cualquier otra energía, y si no hay comunión con el escuchante, se rompió el vínculo. Sólo pido una cosa muy sencilla: que no me aburran.

Sólo digo esto: apadrina músicos locales, te harás un favor personal, comprando música por sólo 6 €, harás un favor al músico que con todo su cariño ha grabado su arte para degustación ajena; lo digo por experiencia, ya que como cantante ocasional, me gusta agradar, y gustarme; y si no, no salgo. Salgo a divertirme, a divertir, y pasarnos un buen rato todos juntos. El arte se puede tener, se puede pretender, pero no se puede forzar. Todo surge espontáneamente. Sólo os pido una cosa chicos: seguid con ese buen rollete de colegas de barrio. Tenéis un estilo propio.

www.myspace.com/mihermanacorina

NOTA: la formación ha cambiado después de este disco, según me ha informado Hugo por correo amigo en myspace, y es la siguiente:

Asier Aldaiturriaga: bajo

Edu Mendiguren: batería

Hugo Allende: voz y guitarra

Roberto Quintela: guitarra

Con la colaboración especial de:Gari (ex-Hertzainak): teclados

EL CLUB DE LOS GOLPES

2008-10-06T22:31:00.000-07:00

CÓMO CARGARSE UNA SILLA DE PLÁSTICO Y REÍRSE A LA VEZ

Es increíble lo que una silla puede dar de sí, el demonio está cerca. Las astillas de una silla de plástico incluso pueden seccionar unos cables de micro. El mal rollo se puede apoderar de ti, pero sólo la diosa fortuna es capaz de darte la inmensa alegría de que el único disgusto plausible sea un simple susto y un golpe en un codo. Recuerdos de antiguos golpes donde la espalda pierde su nombre, todavía me recuerdan que sigo estando vivo.

Pero esto no es ninguna crónica terrorífica de esas de Teletienda en que te venden miles de productos, ni tampoco es un concurso de la madrugada donde te hacen creer que vas a ganar dinero, e incluso tampoco es un sueño sadomasoquista. Es la puñetera realidad en un lugar que se llama La Hacería.

Allí estuvieron actuando dos grandes de la escena bilbaína, que son Catfish Louis y Washboard Johnny que me informó posteriormente de los estropicios que causé en los aposentos de tan anacrónico lugar. Marta Sánchez, sin los soldados del amor, pero con el soldado del canuto tieso, al lado, el cual preguntó a Marta algo sobre el nombre de su grupo –Marta Sánchez Trío-, si algo tenía que ver el nombre del grupo con alguna práctica sexual a tres, pero nada más lejos de la realidad, el osado preguntón se llevó una contestación acorde con la osadía de preguntar semejante estupidez.

Justo cuando me iba a ir de La Hacería, es cuando ocurrió el famoso incidente que ha quedado grabado en el subconsciente propio y ajeno; un golpe seco y un chasquido posterior en medio de la actuación de Catfish Louis and Washboard Johnny, rompió la paz y el buen rollo de la segunda semana de temporada 2008/2009 en La Hacería, es entonces cuando empecé a sentir un balanceo extraño en mi espalda que acabó con mis huesos por los suelos, consiguientes risas propias y ajenas, sonrojos, y casi aplastar a un pobre perrito de color blanco.

Todo esto para preparar mi huida hacia otro garito bilbaino sito en Plaza Indauchu; es el Graffit, donde actuaban Santiago Delgado and The Runnaway Lovers, que con puntualidad bilbaína, consiguieron empezar a la hora, nos ofrecieron un concierto con un sonido desastroso, contrastando con el gran ambiente creado, por la pinchada posterior de Juan de Pablos, que estaba como el niño que estrena mesa, moviendo el esqueleto, como un jovenzuelo enamorado por primera vez. Puso Los Brincos, y como no podía ser menos, puso Los Summers con “La chica de cada verano”.

El rosario de rockabillys, bluesmen diversos, mockers, punks, heavies y psicodelias varias, se dieron cita en las cavernas del vicio: Le Club, un club para poetas muertos, camioneros renegados, y degeneración pura y dura. Músicas poperas, rockeras y techno de los ochenta, llenaban las lenguas golosas de los viciosos de la música nocturna. Un lugar donde pasar la noche, llegue la mañana, hablar alto y no muy claro, y sentir que el flúor es esa sensación que se siente después de comer al lavarse los dientes.

La aventura acabó con un papel cuadriculado con un mapa improvisado indicando una dirección hacia el metro o bus de Lejona a las nueve de la mañana, prácticamente sin nadie en la calle y rogando orientación a los habitantes de este recóndito lugar.

TOM WAITS - Closing Time (1973)

2008-09-18T05:43:00.001-07:00

TOM WAITS – Closing Time (1973)

Un jovencito y recién salido del cascarón, figura en una portada con un fondo negro, una lámpara azul de salón de billar, un piano lleno de polvo, unas teclas manchadas de bourbon y un tapón depositado sobre la tapa del piano. Un tío que se llama Tom Waits, acaricia ese arpa encerrada dentro de un piano, que bien le convendría una afinación. Aunque en un sitio tan lleno de suciedad, cigarrillos apagados en un cenicero, un cigarrillo a medio apagar y una cerveza a punto de caerse en el hueco del piano, bien poco se puede hacer por el buen sonido.

Aún así, es éste el sonido que me gusta en algunos paisajes de este disco. Paisajes asolados por la soledad, canciones llenas de emotividad, de añoranza a unos cuantos nombres de chicas como Martha, Rosie, y también unas cuantas baladas con reminiscencias callejeras como Virginia Avenue. Canciones todas ellas más centradas en la moda del trobador callejero, montado encima de un sonido más amable y dulce. Una canción como “I Hope That I Don’t Fall In Love With You”, con arreglos de guitarra acústica, conforman una balada preciosa y llena de suavidad y dulzura, una canción que habla sobre una música que suena mientras te tomas unos tragos y te trae recuerdos de ella, una y otra vez.

Pero desde luego mi tema favorito del disco es “Lonely”, con el que puedo cerrar los ojos en la oscuridad, poderme echar todo lo largo que soy encima de mi sofá y clavarme en los riñones las durezas de ese sofá viejo, saborear cada nota desafinada de ese piano viejo y lleno de humedades. Más de una vez cuando la escucho me pone la piel de gallina, y tranquilamente podría llorar. Es un tema verdadero, bello e irrepetible. Es un mantra encerrado dentro de un lamento, y ese lamento clama al alma del que lo escucha y trasciende al gran sentido artístico. El que sabe no tiene necesidad de explicarlo con definiciones filosóficas, sólo tiene que dejarse llevar y disfrutar del suave vaivén de la membrana del altavoz y quizá alguna brisa complemente la sensación azotando la persiana.

En resumen, un disco lleno de emotividad y todavía no madurado por el afán de hacer más áspera la voz del maestro Tom Waits. Quizá Tom Waits sea el músico más prolífico en la reinvención del jazz, aportando abundantes elementos de autor y también elementos renovadores en la reciente historia de la música.

Quedaba un año para que yo naciera; era 1973 y Tom Waits había sacado su primer disco. Es un cantante que tardé en apreciar y entender. Pero dicen que el buen vino gana con los años. Lo mismo pasa con nuestros oídos; si los cuidamos bien en cuantos a ondas sonoras se refiere, podemos descubrir que hay muchos mundos por descubrir… No ha llovido nada desde entonces, y Waits ha llegado hasta nuestros días con un triple disco muy arriesgado: Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards con un montón de canciones, no todas ellas acertadas, pero es que el poderío de Tom Waits puede hasta con la mediocridad, y hace que una canción mediocre, se convierta en algo digno y diferente, acoplando sonidos bárbaros y distorsionados, conforma un sonido lleno de matices y rodeándose de lo mejor en músicos, hoy día se puede decir que Tom Waits es un genio absoluto, y es de esos cantantes con los que hay que guardar silencio cuando les escuchas.

Esperemos más sorpresas del genio Waits en los próximos años.

http://www.youtube.com/watch?v=IsnBeN-sWgY

RICHARD WRIGHT HA MUERTO

2008-09-16T05:10:00.000-07:00

Ayer ha muerto uno de los cerebros de Pink Floyd. Tras la pérdida hace algo más de un año de Syd Barrett, el varapalo de la muerte de este teclista me ha apenado bastante. La causa de su muerte ha sido un cáncer que ha minado su vida.

Es el artífice del sonido más sinfónico del grupo. El disco “Wish You Were Here”, dedicado a Syd Barrett está plagado de temas con extensos arreglos de órgano.

Temas propios como “See Saw”, “Paintbox” o la suite de Ummagumma – “Sysyphus” fueron lo más destacado de sus composiciones, además claro está con su participación en alguno de los temas de “The Dark Side Of The Moon”. Siempre fue el miembro tapado de Pink Floyd.

He pasado un montón de momentos buenos escuchando su música. Ya sólo quedan dos de los fundadores del grupo: Roger Waters y Nick Mason más el añadido después de la expulsión de Barrett del grupo, que era David Gilmour. Su participación en el sonido del grupo fue fundamental. Canciones como la suite del disco "Meddle" - "Echoes", serían imposibles de imaginar sin el sonido clásico de sus teclas.

Vaya desde aquí una plegaria a su alma, y darle las gracias por sus mágicas notas.

http://www.youtube.com/watch?v=M_bvT-DGcWw

ANNABEL LEE

2008-08-31T22:32:00.000-07:00

RADIO FUTURA – Annabel Lee

Una historia truculenta y de amor. Esta canción de Radio Futura basada en un poema del alcohólico escritor de sobra conocido por los más atormentados locos de la literatura. Ese personaje es Edgar Allan Poe.

Los maestros de ese grupo español, que es Radio Futura, compusieron música para este poema en forma de tragedia; en realidad una historia de amor profundo, tan profundo que habla en esencia, del amor eterno, más allá de la vida.

En la madurez de la carrera de este grupazo, sacaron un disco en 1987, para mí uno de los mejores, sin contar con el mítico “La Ley del Desierto, La Ley del Mar”, que contaba con canciones tan buenas como “Escuela de Calor”, “Hadaly” o “Semilla Negra”. Orientados ya en este disco a un sonido más funky, con influencias claramente latinas, dan un giro de timón a un disco mucho más perfecto, grabado en N.Y.C., o sea, New York City. Parece que los grupos españoles siempre han tenido problemas para buscar productores que den un sonido adecuado a sus expectativas.

Pues bien, este disco del que estamos hablando se titula “La Canción de Juan Perro”. Lo de Juan Perro, ya da pistas de que Santiago Auserón será carne de perrera en el futuro, y seguirá componiendo en aras de la poesía y las ciencias, como buen estudioso en la materia que es. Annabel Lee es la joya del disco, indiscutiblemente, aunque también tengamos “El Canto del Gallo”, que bueno, merece una escucha; ese sonido tórrido y lleno de sabores, con el que no paras de mover los pies y no puedo evitar que se me ponga la carne de gallina, con esas subidas y bajadas en la voz de Auserón.

Comienza con un piano electrónico, dándonos un aviso de que el tema, es crucial para el disco, siguiendo con unas guitarras acústicas bien sonorizadas y colocadas, unas guitarras eléctricas densas, y una batería y bajo equilibrados. Pero sin duda, lo mejor de la canción es la letra, perfectamente adaptada a lo sinuoso del tema. Modela de forma magistral la poesía Santiago Auserón, con esa voz suya tan personal.

El tema es candente siempre, eterno y precioso; eso que ya no se lleva que es el romanticismo; hoy día todo se hace por interés, a excepción de algunos artistas que mueren en el intento, e incluso utilizan su cuerpo para tener experiencias que les den la inspiración, en el caso de Edgar Allan Poe, era su fuerte, un alcohólico que en sus viajes de delirium tremens, relataba historias tétricas. Esos viajes astrales que relataba en sus cuentos son una buena prueba de ello.

Un amor adolescente, entregado y descarnado, es el punto principal del tema. En el poema mezcla partes de realidad, partes morbosas y partes místicas, hablando de ángeles, dioses. No está muy claro de lo que habla cuando pronuncia esta frase: “Por eso un viento partió de una oscura nube aquella noche, para helar el corazón de la hermosa Annabel Lee”. A mí por lo menos me viene la imagen de un relámpago bajando de una nube y matando a la bella Annabel Lee.

Y el amor es tal, que el protagonista masculino de la historia, se queda guardando la tumba de la bella adolescente, que aunque muerta, sigue comunicándose con los vivos después de enterrada. Y he aquí lo bello del tema; equipara el sentimiento del amor, que es tan profundo como la muerte. Son cosas que no comprendemos todavía; por eso nos dan una sensación de vértigo al pensarlas.

Me parece magistral la parte final de la canción, que dice así: “Nuestro amor era más fuerte que el amor de los mayores; que saben más, como dicen, de las cosas de la vida; y ni los ángeles del cielo, ni los demonios del mar; separarán jamás mi alma del alma de Annabel Lee”. Me recuerda mucho al Drácula de Coppola cuando dice Gary Oldman interpretando a Drácula y ve a Mina –HE CRUZADO OCÉANOS DE TIEMPO PARA VERTE-. Es más que una simple frase, implica un vínculo eterno.

Me da una sensación de intranquilidad existencial, cuando pienso que una persona se podría quedar eternamente al lado de un sepulcro, velando un muerto eternamente, viendo en el cielo, signos de la muerta amada. Me vienen unas heladoras sensaciones, cuando pienso que esto podría ser algo más que muerte simplemente, para convertirse en una ventana en el tiempo y encontrarse vida y muerte en este mundo.

El secreto está en el aire y en las dimensiones, y puede que estemos en mundos paralelos sin saberlo. Y encontrar esa puerta, es la muerte o puede que el nacimiento. Pero la muerte con el amor no es tal. Nos lo llevamos con nosotros al más allá, de eso estoy seguro; y creo que muchas decisiones las tomamos alentadas por personas que no vemos.

Ahí quede eso, y os insto a pensar en ello a la luz de una vela, acompañado de alguna bebida espirituosa.

http://www.libreriahispana.com/idiomas/eap_lee.html

http://es.wikipedia.org/wiki/Allan_Poe

http://www.youtube.com/watch?v=NZEBCFgyqm8

APANARRES FOREVER

2008-07-31T00:46:00.000-07:00

FIESTA DE JORGE APANARRES EN ERANDIO 24-7-2008

Un techo y unas paredes untadas de cal, desde 1975 hasta hoy. Unos techos altos como antaño y unas vigas sosteniendo todo el entramado de masilla vieja, madera antigua, mesas de jugar a las cartas, y antiguos aromas a tugurio jamonero, choricero y queso viejo. Un lugar ideal para jugar al tute o al mus; un lugar perfecto para reunirse con los amigos a escuchar bilbainadas después de haber ingerido ingentes cantidades de vino cabezón.

Una foto con sus pioneros fundadores del local, por orden del gobernador civil, y también por la orden divina; también por orden del generalísimo por la gracia de dios. Unas escaleras antiguas de madera que llevan hasta un tercer piso, se pierden en la oscuridad de esa noche llena de jóvenes de hoy día, deseosos de pasárselo bien y hacer alguna que otra gamberrada ayudados por la cerveza blanca o de trigo, e ingentes cantidades de vino Paternina.

Una mesa llena de aperitivos de todo tipo, tales como salami, jamón serrano del bueno, de ese rojo y con la grasa blanca, queso de agujeros azul, unos biscotes pequeños albergando trozos de filetes de salmón con unas hierbitas aromáticas por encima… Y las empanadas psicodélicas.

Todo esto para describir la noche del cumpleaños más gamberro y a la vez ordenado que he conocido. La electricidad de 125 voltios todavía, para no tener que pagar mucha luz en estos tiempos de crisis. Para hacer funcionar cualquier artilugio del año 2008, haría falta un transformador de 125 a 220 voltios, de esos que utilizaba yo en el año 1988 en mi antigua casa. El choco tiene de todo. Tiene huecos para dar cabida al buen vino. Y el servicio da cabida a una araña que sube hasta el techo.

Y todavía os preguntaréis qué tiene esto que ver con una de mis crónicas musicales, pues muy fácil: el choco está en Erandio, se llama “Txoko Bekoa”, y está ubicado en la parte vieja del pueblo de los de aupa. Un buen lugar para conversar, un buen lugar para beber, un buen lugar para contar chismes, un buen lugar para conocer los más básicos instintos humanos cuando tienen tiempo libre. Y ESCUCHAR MÚSICA…

Sólo hace falta tener en un bolsillo un ipod, un mp3, un mp4, o todo lo que tenga una salida de audio para conectar a una fuente de sonido tal como un par de altavoces de ordenador con alimentación propia. Ya está montado el sarao, y nos disponemos a escuchar los éxitos habituales de una cuadrilla de hippies, unos con pelo, otros sin él, otros con pinta de mod y otros simplemente con la sonrisa puesta.

Hubo alguno que vio por el descansillo del portal a un perro blanco volando; bueno, yo estoy seguro de que noté algo especial, pero no tenía nada que ver con el perro blanco ni con el conejo blanco de Jefferson Airplane, más bien tenía que ver con la cajita de puritos de marihuana-fútbol que venden en los bares.

Los regalos que adquirió el homenajeado fueron de lo más originales, sobre todo uno. El primero fue el disco con edición numerada del grupo Eten –vinilo claro-, y el segundo una edición especial –en vinilo claro…- del disco de The Rolling Stones “Their Satanic Majestic Request”; una edición preciosa, todo hay que decirlo…

Pero lo mejor vino después, cuando el homenajeado nos homenajeó a todos con unos regalos de lo más absurdo y pintoresco. Y cuando miréis la fotografía ya comprenderéis por qué. El concurso consistía en meter 12 papeletas que correspondían a 12 regalos entre los cuales están los 3 arriba expuestos; a mí me tocaron los mejores, aunque lo mejor está en la decoración del doble vinilo, ¡anunciado en televisión! Todo el esperpento se dio cita a eso de las 6 de la mañana, cuando se sacó ese puré de guacamole, y acabamos con todo rastro de él, doritos incluidos.

El mejor regalo que me han hecho, o al menos el más original, es este vinilo doble de Nana Mouskouri, anunciado en televisión y pintarrajeado, que si antes podía tener el valor de coleccionista de 2 €, ahora tendría un valor de 0,50€, tras ser atacado por una banda de hippies sin escrúpulos. Apunto también que yo soy el hippie sin pelo, que no tiene plato para pincharlo, y tengo dos cosas en común con los otros hippies, no tengo escrúpulos con nanas para dormir y tengo sentido del humor. La verdad es que me tiré por los suelos con esa firma que ponía: mmmm Rober…

CON PIE EN EL BLUES 18-7-2008 EN EL PUB BLUE NOTE DE BARACALDO

2008-07-18T21:07:00.000-07:00

UN PIE EN EL BLUES 18-7-2008 pub Blue Note

Cuando una voz rota desgarra su blues, pasa esto, cuando vas a ver un concierto después de comerte una ensalada llena de bonito, anchoas y lechuga rebosante de salsa, puede pasar esto: que cuando apretas demasiado los puños para cortar las hojas de lechuga, y ves que hay una salsa negra adornando el plato tienes la necesidad de comer, pero no quieres mancharte, y si no te pones una servilleta, pues te manchas... Con el blues esto no puede pasar, siempre te manchas de blues lleno de sabor, blues, sal, vinagre, una voz rota que desgarra su blues… Entonces llegamos a un local que se llama Blue Note, donde las notas se convierten en sensuales, que te hacen sentir cómo esas notas se convierten en una mano invisible que desgarran tus pellejos y te acarician de tal manera que esa voz rota que desgarra el blues, desgarran tus carnes y te convierten en un caníbal vegetariano. Tienes esta certeza: te manchas de blues, te manchas de humanidad, te manchas de buen rollo.

Pero como el tío del famoso detergente no está, no se puede limpiar la mancha y queda hasta el día siguiente por lo menos; hasta que te das cuenta de que tienes un montón de discos de blues, todos en inglés, pero de vez en cuando tienes la oportunidad de escuchar alguno en español. Y coño, ves que hay gente que se atreve a contar que hay otras formas de ver la música, la realidad; otras formas de tomar cerveza haciendo promoción de ella, claro está, porque si no, no comes; tiene que patrocinarte alguien. Y esto también forma parte del blues. El coñazo de la vida, si no tienes padrino no vas a ninguna parte. Y si no tienes patrocinador tampoco. Pero aquí está la gracia y el meollo de la cuestión: el arte no paga los zapatos de cocodrilo, ni las maletas llenas de armónicas, ni una furgoneta llena de guitarras y amplificadores. Pero hay una cosa que llena nuestros corazones: ése es el blues.

Baste esta introducción para presentaros un grupo a la antigua usanza. Se intuyen unas melenas añorando aquellos tiempos en los que Leño daban sabor a la gente en los locales de ensayo. AC/DC hacían el trabajo de electricidad, The Doors hacían la revolución en la puerta de atrás con “Back Door Man”, y The Blues Brothers hacían pedagogía del blues.

Como suele pasar en estos casos, hay dos amigos que tienen una afición común: en este caso es el blues. Tontxu y Carlos, Carlos y Tontxu, son aliados en esa causa perdida en la península, a no ser patrocinado por una famosa marca de cerveza de color esperanza. Un día se juntan en un viejo pub cerrado, de cuyo nombre no tengo acceso, ni tampoco tengo la llave, pero sí que he recogido la guindilla del blues legado en las notas de sus guitarras; las cosas no se ven igual día tras día, si no tienes una guitarra sonando en las orejas, si no tienes un jefe tocándote las pelotas, o si no tienes un mosquito bufándote en la oreja como yo lo tengo ahora. Seguramente me habrá picado ya, pero como me he calzado las botas del blues, los guantes de picar carne, las tijeras de podar greñas de decrépitos viejos acabados sin alma ni juventud: por todo esto puedo hablar con propiedad, puedo decir las palabras precisas y exactas, porque el alma del verdadero bluesman me ha llegado hasta el tuétano.

Sus gustos van más allá que el propio blues, la historia del rock and roll está llena de figuras a las que hacer un homenaje, y para eso se prestan gente como Creedence Clearwater Revival, Ray Charles, Bob Dylan, The Blues Brothers, Los Rodríguez, y hasta los mismísimos Fito y Fitipaldis.

Como ya he dicho antes, he tenido el gusto de descubrir un nuevo local que no conocía, gracias a la ausencia de otros hosteleros de la capital, así que había que ir a los extrarradios a vivir nuevas emociones. Me había quedado en los dos fundadores del grupo, pero todavía queda la sección rítmica, que con esa pasión de la que habla el propio disco que compré, y su canción con el mismo nombre, no han hecho de mí un hombre nuevo, pero sí que han hecho de mi noche un habitáculo donde tenga ganas de descubrir más grupos de viejos tan jóvenes como éstos. Ojalá todos los “jóvenes de edad”, tenga tantas de ganas de agradar como estos currelas del blues. Víctor uno de ellos, que con su afán de fijarse en los demás ha conseguido integrarse en los cimientos de ese blues primitivo tocando el bajo de forma constante y sin perder detalle de lo que hacen sus compañeros. O mismamente, un tal Iñigo, que con esa sonrisa permanente es el típico colega cómplice que todos los grupos quieren tener al frente del andamio principal, el ritmo. Con todo esto, acabamos con el melenudo y simpático armonicista que forma un equipo único con Carlos, con el que tiene mucha complicidad. Él se llama Lalo, que con su colección de armónicas que pocas veces he visto, parece una persona más en el público, ya que rodea el escenario constantemente y acompaña las consumiciones con esos guiños y sonrisas cómplices, a sus compañeros, al público, a una cámara de vídeo que aparezca por ahí, o mismamente a cualquier chica guapa que esté viendo el bolo.

Sólo digo una cosa, que con un pie en el blues, no se puede estar con pantuflas pisando un pedal de distorsión, porque se pueden prender fuego. Tampoco se puede estar con unas zapatillas del mercadillo baratas. Hay que calzarse el mejor zapato caro y estrafalario para poder patear con gusto un pedal de efectos, y poder lucirlos con orgullo para que no puedan decirte que no tienes estilo.

El camión de estos músicos no tendrá muchos caballos, pero sí tiene un montón de años llenos de sufrimientos, alegrías y vivencias de todo tipo, como cualquier ser humano. Así que nos quedamos pisando ese pedal invisible que tenemos que pisar día a día, y ya llegará el día en que tengamos que levantar ese pie del pedal para no tener que atropellar a los inocentes. De momento, me quedo con el blues.

Ya me he puesto mi camiseta, que me costó sudor y alguna pequeña pelea como en las rebajas de enero. Y ahora escucho el directo que he comprado en disco compacto, con edición casera. Y puedo decir una cosa: gracias por el blues, todos los días lo llevaré encima.

http://www.galder.biz/blues/
http://www.myspace.com/pubbluenote

BLUE BAYOU en el Dorian (Santuchu) 11-7-2008

2008-07-12T11:05:00.000-07:00

BLUE BAYOU (www.myspace.com/izaryernesto)

Se suponía que tenía que dar el concierto Catfish Louis, pero al final no pudo ser por un problema en su brazo, un bulto que han tenido que sajarle. No me costó encontrar el sitio donde un dúo que se llamaba Blue Bayou dieron un concierto de esos que hacen época. Un bolo redondo difícil de superar, gracias también a participaciones tan dispares como el serruchista amateur Juanjo y también artífice de recitales con todo tipo de instrumentos raros que ayer no llevó, el armonicista Carlos que ya he visto en alguna jam, y la colaboración pintoresca también del dueño del Dorian –Roberto-, que tocaba una pandereta primero y luego unos bongos, con una felicidad que contagiaba a los demás.

Según entré por la puerta del Dorian ayer, no sé por qué me daba que viendo a Izar y a su compañero Ernesto, iba a ver un estupendo concierto lleno de versiones de gente como Bruce Springsteen con el “Togher Than The Rest”, “Don’t Think Twice It’s Alrigt” de Dylan, y alguna que otra joya de la fallecida Eva Cassidy.

El concierto empezó con temas lentos, pero poco a poco fue amenizándose con litros de cerveza Paulaner Salvator, y ahí al lado tenía a Juanjo con la funda en la que llevaba dos artilugios, uno, el ya famoso serrucho con su correspondiente arco de violín, que ayer por cierto se salió, dejó una impronta en los temas que participó como nunca le he visto, y el otro instrumento un banjo fabricado con una caja de puros y tiene hasta entrada de jack. Y un poco más adelante estaba el genio de la armónica que dio un recital de lo que es sentir el blues soplando para fuera y para dentro desde su mesa, acompañado de sus amigos que le jaleaban y le animaban a tocar. Tenía una importante colección de armónicas, cada una de ellas para cada tono. Hasta que llegó a participar con el grupo, donde sencillamente se salió.

Pero lo verdaderamente especial de la noche fue ese descubrimiento continuo que tengo el placer de disfrutar de esta Emilou Harris de Vizcaya. Canta con un gusto y un amor que me estremece; no es sólo el chorro de voz que tiene, que es portentoso, sino también su forma de rasguear las cuerdas de su guitarra acústica. Ernesto su compañero, cuando tuvo que aparecer lo hizo con brillantez, con unos solos muy sentidos, y se ve que se entienden a las mil maravillas. Es difícil encontrar a alguien con el que sentirse a gusto, y lo digo por experiencia, tan solo una sola mirada bastaba para saber lo que venía a continuación.

En cuanto al garito me gusta mucho, tiene unas dimensiones parecidas al Residence, y creo que ya tenemos otro garito alternativo donde poder tomarse una cerveza en compañía de amigos. Una vez que ha cerrado ya esta temporada el Residence hasta el 31 de agosto, hacía falta un garito de música en directo, por lo menos hasta el fin de este mes, y para los que nos quedamos en vacaciones estivales encerrados en Bilbao, es un alivio poder tener un sitio donde ir a ver música en directo.

El local se llama Dorian, como el “Retrato de Dorian Gray”; está decorado como la típica taberna irlandesa, con un retrato del propio dueño, me imagino que con su mujer, donde hay una foto en blanco y negro difuminada que pone “Imagine”, y los servicios, es de lo más original que he visto, porque en las puertas hay dos niños, y no se sabe su sexo, así que son unos servicios neutros; y hasta que no entras en uno de ellos y no ves a Elvis, no sabes cuál es el de tíos…

Y rematando el bolo, quisiera resaltar que la mejor versión, más vital, más brillante que he visto en mi vida de “That’s Alright Mama”, la escuché ayer con esa voz potente y angelical, que tiene como nombre IZAR.

DON SIMÓN Y GARRAFUNKEL - DE PELÍCULA DE TERROR ESPAÑOL

2008-06-29T09:28:00.000-07:00

DON SIMÓN Y GARRAFUNKEL

Bien podría ser una película de Woody Allen, una película de Robert Altman, pero más divertida era la realidad que “El Juego de Hollywood”. Podría ser un cuadro de Goya mal colgado en una pared, o podría ser un reflejo en un espejo de un cuadro de Velázquez. Pero el caso es que me encontré al lado de una cocina comiendo una excelente ensalada con los espárragos más gordos que he visto nunca y un bacalao a la vizcaína excelente, preparado por un actor de la película “El Restaurante Alberdi”. Allí estaba plácidamente sentado mirando un mantel blanco y una pantalla con unas luces psicodélicas mientras sonaba “Gloria” con Jim Morrison aullando a los cuatro vientos las virtudes de una meretriz subiendo por unas escaleras, y deletreando su nombre. Sólo faltaba la luz de una vela, pero ya estaba Jim diciendo “come on baby light my fire…”

En esto que llega el momento del descanso en la película y las actrices secundarias llegan y se sientan en una mesa, después de haber estado visitando la ciudad y dar con la entrada del cine Alberdi. El galante camarero les pregunta qué va a ser: pues muy bien, tenemos la especialidad de la casa que es ¡bacalao, bacalao, bacalao! Y por favor pónganos una ensalada de esas que tienen tropezones abundantes de forma fálica. El camarero dice: quiere decir esos espárragos navarros… Sí, sí, esos espárragos enormes dicen las clientas.

El capítulo uno de interiores ha acabado y ahora queda por estudiar los exteriores y explorar las posibilidades que puede dar el escenario de cartón piedra, las luces de neón azules como si de dos columnas enormes se tratara, se erigían guardando la entrada de un local donde había infinidad de recovecos y un montón de puros “cohiba” expuestos tras la barra, esperando ser fumados por algún goloso cliente...

Una vez tiradas las credenciales al suelo y habiendo posado la cena, volvemos a la asombrosa realidad de actores de carne y hueso. Antes del duelo más atípico en 24 años, un Alemania-España conforma la final futbolística de la Eurocopa 2008, y todo el mundo por la calle pregunta por lo mismo: ¿dónde vas a ver el partido? Después de haber estado en esa antigua fábrica de puros, nos dirigimos al famoso templo del placer de beber en copa grande y elegante. Algunos se quedaban asombrados ante tanta grandeza; un tubo de ensayo se llenó de 2 litros de cerveza, y dos personajes en el bar competían por ver quién derramaba menos cerveza en su panza. Uno ganó una corbata húmeda, y otro ganó una trompeta de Jericó por lo bien que sopló… A continuación entraron en el juego los rockers y sus tupés apretados por tanta gomina. Nos contemplaba José Luis López Vázquez encima de una tetilla sonriendo de forma maligna e invitándonos a ir a Francia por las suecas. Otro personal del bar estuvo una noche entera cortando matojos para hacerse una ensalada de cogollos.

El protagonista de la película cogió sus credenciales del suelo y volvió a llevarlas a buen puerto, comenzando a cantar canciones absurdas de Siniestro sobre la revolución rusa y gobernantes pintorescos de la antigua Unión Soviética como Yuri Andropov, haciendo apología de la reconquista con “Ayatolah no me toques la pirola”; e incluso, llegó a entonar ¿qué harías tú en un ataque preventivo de U.R.S.S.? Pues yo lo tengo muy claro, ¡no sé!

Ya no se cenó más en la casa donde había todo tipo de artículos vintage, como un reloj que parecía antiguo que iba a pilas, un perro de peluche enmohecido en el suelo y unos cuantos vinilos mal colocados en un sofá, unos con el disco dentro y otros con el disco fuera, un sombrero estampado en fuego iluminaba la noche, en la cocina había una aceitera enorme, y en el centro del salón había un retrato que presidía toda la casa y que te perseguía con la mirada, era la madre de Igor el terrible. En el segundo acto de la película, comenzaron a entrar en acción los extras, alguno dejó de recolectar cogollos para poder respirar el aire, otro empezó a rockandrolear, el emperador de la casa cogió el piano y tocó hasta hartarse canciones de salón baratas, e imitar a Little Richard, Chuck Berry y Jerry Lee Lewis, hay un tío de gafas metálicas que detrás del sofá ve todo con una timidez típica del genio y otro rubio personaje que con ojos de Curt Cobain escruta melodías heavies en el entorno, un alto personaje se encorva para tocar una armónica de blues y tocar una excelente versión de Moon River. Las botellas de ginebra, vermú y ron, estaban peligrosamente junto a las botellas de mistol y fairy. Esto es lo que podría llamarse la casa del drácula yeyé. La guitarra Gretsch del padre Igor, se desafinaba sola y no había dios que afinase esa guitarra, al igual que la guitarra española que sonaba a mil demonios flamencos. Y al final, para que no se enfriase se tapó a la pobre con una manta hasta el día siguiente que tendría que trabajar en algún local de ensayo.

Lo único que quedó claro es que no es lo mismo Simón y Garfunkel que Don Simón y Garrafunkel, así como no es lo mismo un forro polar que un porro folar, y puede que tampoco sea lo mismo el onduline bajo teja que listerine bajo teja.

Lo único que quedó claro esa noche de yardas y millas en tubas de vídrio, era que había que comerse una hamburguesa vegetal con jamón y gambas crudas.