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viernes, 23 de febrero de 2007


CATFISH LOUIS EN RESIDENCE 24-3-2006

Antes de nada, quería decir, que hacía bastante tiempo que no salía a ver ningún concierto y mucho menos a escribir una crónica en la web, así que para delicia de mis lectores, voy a hacer que en esta crónica podáis probar la guindilla del blues, y ya me diréis lo que sentís y si todavía no habéis escuchado a Catfish Louis, nunca es tarde para hacerlo. Mientras tanto leed la crónica.

Lo que en principio fue una tarde-noche doble con un concierto de jazz en el Centro Cívico de Barraincúa con IGNASI GONZÁLEZ QUARTET, se convirtió en un programa simple, ya que no llegamos a tiempo para ver el concierto de jazz. También a la gente en Bilbao le ha dado en ver conciertos de jazz y debe ser el último grito entre la gente más “chick” en el bocho, y estaba toda la sala llena a rebosar, tanto que la gente debió quedarse en la puerta de acceso, por lo que estuvimos viendo y escuchando algo desde fuera ; lo poco que pudimos sacar en conclusión es que este cuarteto tiene un pianista excepcional.

Pero vamos al plato fuerte de la jornada, CATFISH LOUIS, un hombre entrado en años, un sibarita del blues, un entendido como pocos del blues primigenio del Mississippi nos dio un recital excepcional en el más estricto sentido de la palabra, porque en una frase muy famosa de Jim Morrison: él tiene la guindilla del blues y el alma se impregna de un aura negra llena de notas sencillas y muy expresivas. Acompañado de Juanjo, el tío del serrucho y de la tabla de lavar ropa, Catfish Louis estaba bien asistido en la parte rítmica con la tabla; contrariamente lo que se puede decir con el serrucho, que en ciertas partes del concierto no acertó en poner el ángulo exacto para que sonara de forma impecable.

Pero bueno, vamos a comentar lo que fue la velada desde el principio, contando con las pruebas de sonido. Hubo algún que otro sobresalto con los acoples al probar el micrófono que además de dejarnos una desagradable sensación en los oídos, casi se carga alguna pantalla por muy poco. Como hace Manu Chao con sus temas recurrentes en sus álbumes de estudio, Catfish Louis, tiene acordes que valen para todo, que valen para hacer introducciones a casi todas las canciones; en fin, que a Catfish le fue poseyendo el espíritu del ferrocarril y los aromas del delta del Mississippi, tanto es así que cuando se calentaron las cuerdas de la guitarra y las cuerdas de su voz, el recital parecía uno de esas autenticidades sonoras que se ven muy de vez en cuando: desde Malcolm Scarpa no he visto nada parecido; mucha personalidad este bluesman.

En cuanto se despejó de gente el local, en la última media hora de concierto es cuando Catfish Louis mostró su mejor cara con una versión muy libre de Hey Hey, que yo conozco versioneada por Eric Clapton en su famoso “Unplugged”. Y para delicia de “mister barman”, hizo el tema “How Long, How Long” dos veces. Este tema es el que sale en el primer disco recopilatorio de Residence.

En fin, amigos, una buena velada llena de cerveza, notas mágicas de blues, aromas de café con Baileys (buenísimo para quitar las borracheras – probadlo en Residence – es muy recomendable), algún que otro exaltado en la parte delantera del local que Manu con su habitual forma de actuar resolvió sin ningún incidente reseñable.

Bueno Catfish, te esperamos en otro recital. Felicidades por dejarte poseer por el blues.

Esta dirección es altamente recomendable; es el sitio de los músicos bohemios de Bilbao. Aupa Residence: www.residencecafe.com

BLUEGRASS EXPRESS en Residence 22-10-2005

Ayer sábado 22 de octubre de 2005 estuvieron tocando unos forajidos de leyenda. La leyenda empezó ayer, cuando el quinteto autóctono de nuestras tierras vascongadas atacaron un repertorio bailón, evocador y sobre todo típicamente americano. Tanto es así que todo parecía americano, las voces bien templadas y bien acopladas, los solos de banjo, los solos de violín, los solos de acústica; y sobre todo, una cosa muy especial: suele pasar muy pocas veces que los espectadores de un local creen una comunión con los músicos, y haya también una complicidad por ambas partes. Pues ayer fue así, hubo un buen rollete de puta madre. Lo siento por el taco, pero la ocasión lo merece.

Todo empezó tranquilamente con todo el mundo respetuosamente callado y esperando a que los forajidos de las Rocosas tocaran una notas mágicas de temas mitad propios y la otra mitad de temas clásicos, aunque a mí sólo me sonaban un par de temas, uno de los temas era el “Country Road, take me home” de John Denver, y alguna canción también de Hank Williams. El ambiente fue caldeándose poco a poco, con las pintas de cerveza de todas las modalidades que ofrece Manu-the barman en el “Residence”. Hay para elegir; si quieres cerveza rubia, puedes tomarte una Paulaner; si quieres tostada te tomas una Murphys; y si quieres cerveza para hombres de verdad por su amargor y su especial textura y sabor, entonces te tomas una Guiness. Pero lo que de verdad dio personalidad al concierto fue el Jack Daniels, y los continuos llamamientos de la banda de tomar Jack Daniels, que para el que no sepa lo que es, es un bourbon o whisky del alambique, que es lo más parecido a tomar gasolina de alguna taberna polvorienta en Texas.

Lo mejor del concierto fueron las continuas alusiones al mundo rural americano del Sur, con temáticas tales como el soldado que vuelve de la guerra de Secesión y ya no tiene casa, ni tiene sirvientes negros ni nada, y tan solo le queda su guitarra, una armónica y un serrucho para hacer música, que más tarde utilizará para cortar madera de secuoya para hacerse una cabaña en el bayou. O también otra típica estampa, es la del tío Billy sentado en el porche de su casa, con la silla mecedora y en el tendedero los calzones colgados para secarse, y venga pues a dar un sonoro “iaiaiaiaooooooo”. Otra típica estampa es la abuela preparando unas judías en la cocina para alimentar a las hambrientas bocas de los duros hombres de la granja. Bueno, en fin, que todo muy auténtico, pero para hacerse una idea, hay que pasarse por el Residence o cualquier otro lugar para ver a este quinteto extraordinario. Os aseguro que vais a tener diversión asegurada; pero no os olvidéis de tener un buen whisky en la mano, una buena cerveza, o cualquier otra bebida alcohólica para blancos, porque recordemos que el country es típicamente blanco y que la variante del country, que es el “bluegrass” es típicamente blanca y ¡a disfrutar muchachos! Y esto aunque tengáis que trabajar como yo al día siguiente, pero merece la pena. ¡Hay que mimar la buena música muchachos!

¿Qué habrá sido de Billy el Niño, el pobre Cowboy Bill, la hermana Mary, del comisario del pueblo destartalado, del pobre campesino que tiene que sufrir las durezas del clima del desierto y de la harmónica babeada de Charles Bronson en una del oeste?

En fin camaradas, a beber mucha gasolina y mucha cerveza y escuchar country cuando tengamos congoja o cuando tengamos ganas de cachondeo. Saludos desde el desierto y mucho polvo.

martes, 20 de febrero de 2007



BILBOLOOP 05 > 15-10-2005

Os voy a decir unas cuantas cosas sobre el concierto que pudimos ver ayer en la Sala Bilborock situada como todos sabéis en la antigua iglesia de la Merced. Tuvo momentos buenos y marchosos, tuvo momentos malos o problemáticos o lisérgicos –los que estuvieron ya sabrán por qué lo digo-, y finalmente tuvimos momentos diabólicos, o mejor dicho momentos de estar en el mismísimo infierno a pesar de que el último grupo Vive La Fête, puso toda la carne en el asador y nos deleitó con un concierto épico, pero a la vez tortuoso.

Empezaré por hablaros del grupo que abrió la lata de los duendes, que se llama STANDARD. El grupo no tardó en entusiasmar a la gente con su ritmo agresivo, imponente, repetitivo, punk y sobre todo “groovy”. Es decir, para mí fue una gozada desde el principio hasta el final. Es el típico concierto que te pasas más tiempo moviendo el pie y mirando a un sitio fijo en el escenario y centrándote en los continuados golpes de caja, de bombo y de platillo y también el excelente bajo, que sonaba a gloria bendita –gracias señor por ponernos por fin una buena ecualización en Bilborock-. En fin, buenísimos. Y bueno, y además son del gran Bilbao, que es un punto a su favor. Ahora mismo tengo en mis manos una maqueta de las de toda la vida, pero esta vez en cedé autoeditado; ¡como debe ser cojones! La diferencia entre el directo y la maqueta, es que el directo es cálido y acogedor y la maqueta fría.

Poniéndonos a comentar lo que fue el segundo personaje que ¿tocó? En resumidas cuentas, el chaval se lo montó muy bien, con el rollo electrónico que era una mezcla entre Suicide y The Velvet Underground por los guitarrazos que pegaba. Pues bien, el personaje en cuestión se llama ELECTRONICAT, y parece ser que es francés. Su concierto lo despacharé enseguida. El concierto en general fue malo, a excepción de las 4 canciones bizarras del principio, lo demás fue algo para que la gente le diera bien a la caña de cerveza para los que venían después: VIVE LA FÊTE. Este hombre desde que se compró una pedalera para hacer efectos, la utiliza para todo, y cuando digo todo es todo. Yo creo que debe de ser el típico tío que tiene en su casa un montón de artilugios electrónicos que utiliza para convertirse en lo que es: ELECTRONICAT –un invento cibernético enlatado dentro de una pedalera que al estilo de la lámpara maravillosa sale como el genio para de vez en cuando para atormentar nuestras pobres almas.

Y llegaron VIVE LA FÊTE, el nombre del grupo es VIVA LA FIESTA! Y joder que si hubo fiesta... Con esta gente hay fiesta asegurada durante horas y horas y horas y horas y años y años, pero os aseguro una cosa: si os quedáis en un concierto de VIVE LA FÊTE en un recinto cerrado como Bilborock podéis tener graves consecuencias psicológicas posteriores.

Antes de entrar al recinto a las 20 horas, allí estaban los VIVE LA FÊTE, me supongo que para ir a la suite y darse un buen lote la parejita de francesita y francesito, y como no, para meterse unas buenas rayas, que es un requisito indispensable para tocar y para ver un concierto de VIVE LA FÊTE. Este dúo de franceses compuesto por chica despampanante rubia e imprevisible en el escenario y un chico un tanto especial en su vestimenta, su actitud irreverente y su gran dote artística. Unidos los dos parecen Serge Ginsbourg y Brigitte Bardot en sus buenos tiempos cachondos. La verdad es que esta gente no paró en todo el concierto. Con un ritmo constante y enloquecido durante todo el concierto se convirtieron en los reyes de la fiesta, haciendo honor a su nombre. Los cinco músicos que había iban todos de negro y con un antifaz pintado sobre los ojos, menos nuestra cochinilla particular, bailando can-can y poniendo al personal flipando totalmente, llevaba un vestido negro de esos que llevan las muñecas góticas de porcelana; a mí me recordaba a Roxana Arquette en la película “Jo qué noche”. El elemento masculino del grupo no paró de tirar lapos al aire, a los costados, a sí mismo, escupiéndose para que le cayera encima...También a algún miembro del equipo técnico le tocó de lo suyo... En fin, sin comentarios.

Sólo me quedaba una cosa por comentar, hubo alguien especial que se pasó por allí, alguien que no se ve todos los días. Él es el guitarrista de Atom Rhumba, o más conocido en círculos cerrados de gente, como el tío de “Yogur”.

Bueno, pues entonces, un saludo vascongado para todos y seguid disfrutando de conciertos, pero recordad, abusar de las drogas y de las músicas duras puede perjudicar la salud mental, la salud física, y la función locomotriz en el ser humano.

domingo, 18 de febrero de 2007


DEEP PURPLE – Child In Time

Si hay algo grande de verdad en la historia de la música rock, esa va a ser la canción Child In Time. Todo el que sea aficionado a la buena música y conozca algo en profundidad la discografía de Deep Purple, además del disco “Made In Japan”, que por otra parte es el disco que todos conocemos y cuando Ritchie Blackmore se “equivoca” intencionadamente en la canción “Smoke on the water” para que los buenos heavies se pongan a flipar con lo que ha hecho nuestro amigo Ritchie...

Para empezar a comentar esta canción, creo que es importante decir que está en su contexto; este contexto es el disco “In Rock”, famoso por su portada con una montaña, que me parece recordar que tiene el nombre de la montaña de “Rushmore”, que está en Estados Unidos con las caras de 4 presidentes, pero en esta portada se han cambiado las caras y están los mismísimos Deep Purple.

“Child In Time” es un tema enorme en todos los sentidos, en su duración, en su carácter épico, por el dominio de todos y cada uno de los miembros del grupo sobre el tempo de la canción. Es apoteósico. Hay dos versiones de esta canción, una de ellas está en el disco “In Rock” y otra en “Made In Japan”. Yo me quedo con la del estudio, es mucho más espacial. El órgano de John Lord está inmenso en la versión de estudio.

Pues bien, el tema empieza con un tiempo lento y majestuoso, porque el tema está dedicado a la belleza de una mujer joven que está descubriendo el mundo y la diferencia entre el bien y el mal, más o menos y a groso modo. La canción sigue con la entrada de la voz de Ian Gillan y la batería que empieza a marcar las pautas de lo que luego será la apoteosis de la mitad de la canción. Es cuando Gillan empieza a lanzar unos gritos desgarradores muy efectivos cuando uno quiere expresar todo lo que lleva dentro, y os puedo decir que no me parece que este hombre tenga horchata en las venas al cantar. Acto seguido entran todos a la vez en un ritmo marcial, para dar paso a Ritchie Blackmore que hace un solo de guitarra impresionante, te pone los pelos de punta, el solo dura como unos 2 minutos y medio, después de todo esto sale a la palestra John Lord con su órgano con distorsión tan típico para ayudar en la ejecución y hace un doblaje con el guitarrista absolutamente prodigiooooooooooooso.

Después de todo esto llega otra vez la calma, para atacar la escasa letra de esta canción con las mismas estrofas del principio y otra vez vuelta a lo mismo con los gritos de Gillan, que desde aquí le felicito. ¡Macho, te habrás quedado a gusto! Y como diría Laurie Anderson con Peter Gabriel – “This is the picture – excellent birds”. El que conozca la canción sabrá de lo que estoy hablando, y el que no que lo adivine, es humor abstracto.

Hay una película donde aparece “Child In Time”. Esta película es “Twister”, esta en la que se enfrentan a un gran tornado en los estados del centro de Estados Unidos. Si veis la película, os fijáis en una de las primeras escenas, cuando van a buscar uno de esos tornados, y ponen la parte potente de “Child In Time”. Además salen también viejas glorias del rock n roll, como pueden ser Mark Knopfler y Eric Clapton.

En fin, un saludos, y no bebáis mucho chicos. Thank you boys!!!!!!!

jueves, 15 de febrero de 2007


ASTRONOMY DOMINE (compuesta por Syd Barrett)


Hay una cosa que hay que decir sobre esta canción que es sumamente importante. En todo, como en la música, hay que tener los ojos abiertos ante las cosas grandes, como puede llegar a ser esta canción, un puñetazo en la cara, es pasar por un agujero de gusano a marchas forzadas, es expandir tu mente hacia otros mundos, os puedo asegurar que escuchar esta canción puede tener efectos beneficiosos para el subconsciente –según quién la oiga, claro.-

Cuando yo estaba con mi amigo Aitor un día en casa y decidimos ir a comprar un disco de Pink Floyd, y vimos varios vinilos de Pink Floyd, cuando vendían vinilos, en una tienda de Santuchu llamada START que ya no existe. Fue entonces cuando estábamos pensando en comprar psicodelia, y Aitor decidió comprar el disco THE PIPER AT THE GATES OF DAWN, lo pongo en mayúsculas, porque creo que fue uno de los momentos más importantes de mi vida, fue conocer este disco, joder tíos, ¡qué discazo! Ese es uno de esos discos que dices que está grabado con medios precarios, pero señores, qué producción. Ahora, cuando estoy escribiendo estas líneas estoy escuchándolo. Nunca me canso de escucharlo, es un vicio.

Acto seguido de todo esto, nos fuimos a casa a pinchar el disco en el plato. La primera audición resultó un desastre. No entendíamos nada, tendríamos unos 16 ó 17 años más o menos, y creo que no entendimos nada en ese momento porque teníamos una idea preconcebida de la psicodelia.

Vamos a lo importante, la canción, que ya me olvidaba. ASTRONOMY DOMINE empieza con unas palabras ininteligibles de unos walkies talkies que parecen pronunciadas en inglés; acto seguido aparece la guitarra TELECASTER de SYD BARRETT, punteando incansablemente un ritmo constante que te lleva a pensar que esto no es normal. Lo más interesante viene ahora, cuando NICK MASON entra con su batería de una manera majestuosa. Después de esto la canción explota en un riff de guitarra que se puede decir que es de los que más te queda con la boca abierta de todos los que he escuchado. Es una experiencia indescriptible, si tú estás normal, un día te la pones, y puedes aparecer en Marte tranquilamente.

El primer párrafo de la canción habla sobre planetas y constelaciones en general, más exactamente habla sobre Júpiter y Saturno y de cómo la lisergia nos abre las puertas de la música. Toda una experiencia. Es cuando después hay un doblaje de voz y guitarra de Barrett que emula una especie de túnel sin fin en el espacio donde caemos y seguimos cayendo y seguimos cayendo. Nos vamos encontrando con meteoritos de todo tipo por el espacio y llegamos otra vez a la tierra, pasando eso sí por el anillo de asteroides que hay antes de Júpiter, cuidado que el viaje todavía no ha terminado. Todo esto que os estoy contando está amenizado por ráfagas de guitarra, de bajo, de batería, y cómo no de Richard Wright, que está ahí para demostrarnos que él es fundamental en el grupo.

Tras esta amalgama de sonidos y experiencias, Syd Barrett vuelve a cantar con energías renovadas el mismos fraseo del principio para llevarnos otra vez al agujero negro del espacio, para ya, esta vez acabar definitivamente con el mismo fraseo del principio, pero más alargado, donde aquí si os fijáis, Nick Mason es el que se luce, porque sabe marcar el final con unos golpes de bombo muy precisos.

Bueno, ha sido un placer en colaborar con la revista electrónica de BLANCANUS. Y cuando veáis un link, querrá decir: POR FAVOR, PULSE CONTINÚE para entrar en el hiperespacio.

Roberto Marcos, desde Marte con amor.


KYUSS - Gardenia

“Welcome to Sky Valley” es como se llama el trabajo de un grupo llamado KYUSS y la canción que os voy a comentar es “Gardenia” una especie de pseudomelodía grunge, una vorágine de violencia musical, nocturna, salvaje, se podría decir que entramos en una noche de tripis cuando oímos esas guitarras llenas de distorsión zeppeliniana; el grupo que más se acerca a el sonido de este grupo es Soundgarden.

Este grupo lo conocí por casualidad en un bar de Barrencalle llamado “Katu”. Pregunté al barman-dj qué era lo que sonaba y no me enteré muy bien, pero oí algo de “Kiu” y dije, bueno está bien, a ver si me entero mejor otro día que esté menos puesto y también con menos ruido. Entonces un día fui a mi tienda favorita de discos de Bilbao –Discos Oxford, al lado de la Plaza Jado, en Colón de Larreátegui, 26- que os recomiendo que vayáis, ya que tiene la mejor colección de jazz, grupos de rock sinfónico, rock psicodélico de los 60 y 70, música country, blues, bluegrass... Bueno, en fin, acojonante. Pues es allí donde vi el disco, que creo que estaba esperando para mí, y le dije a Josu, que así se llama el dueño de la tienda, que me pusiera el disco, y sí señor, allí estaba ese disco tan deseado por mí, y lo compré. Y la portada del disco es lo que me llamó la atención, porque parece un fotograma de una escena de David Lynch, de la película “Carretera Perdida”, o “Terciopelo Azul”, o también “Corazón Salvaje”. Pues bien, en la portada aparece un paisaje, ya casi de noche, donde se ve un cartel de carretera, que dice tal que así “Welcome to Sky Valley”. A mí por lo menos, me evoca muchas cosas esta portada, es algo que muchos sentirán en una calurosa tarde de verano, después de unas cuantas cervezas, y después de haber visto cómo se pone el Sol, seguimos con la fiesta, para seguir refrescándonos con más cerveza y patatas fritas.

Bueno, voy a hablaros ya de la canción en cuestión, Gardenia, todo un derroche de energía heavy, metalera a tope, típico sonidos setenteros a lo Black Sabbath. La canción empieza con unas guitarras saturadísimas de distorsión, casi no hay melodía, es todo mala hostia; acto seguido empieza lo demás, entran el bajo, otra guitarra, la batería, y bueno, todo entra a saco, para ponernos a mover las melenas, los que tengan claro. Después de toda esta brutalidad de sonido típicamente grunge de Seattle, viene la voz del cantante, que para mí es lo mejor de todo, ya que expresa perfectamente la esencia de la canción, la voz aparece de todo ese ruido ensordecedor, con una mala hostia inaudita. Después de haberse quedado bien a gusto, el cantante pasa a la trastienda del estudio para dejar paso a los demás, para dar paso al intermedio de la canción, la batería y el bajo se quedan solos, marcando un ritmo pesado y tortuoso, para luego después dar paso otra vez con guitarrazos vigorosos al clímax de la canción. Toda una experiencia tíos, os recomiendo este grupo y este disco con ganas, es un verdadero descubrimiento para mí. Y si hay mucha gente que piensa que la música está acabada, con grupos como éste, la verdad es otra, con un poco de imaginación, de talento y de ganas se pueden hacer grandes cosas.

La formación de este grupo se compone:

· John Garcia - Vocals
· Josh Homme - Guitars
· Scott Reeder - Bass
· Alfredo Hernandez – Drums

Bueno tíos, hasta otra cita con el rocanrrol y saludos.

ROBERTO MARCOS

martes, 13 de febrero de 2007


BRANQUIAS BAJO EL AGUA Autores: DERRIBOS ARIAS

Hola amigos de nuevo. Voy a comentaros lo que me parece un pedazo de tema de la movida madrileña. Por aquellos años 80 se podían hacer todo tipo de cosas extravagantes. Con una caja de ritmos primitiva y acompañado por unas guitarras sucias y un bajo muy ochentero. Vamos que todo se complementa perfectamente con la fabulosa voz de Poch. No precisamente por su virtuosismo, sino por lo singular de su timbre y pronunciación. La enfermedad de Huntington tenía la culpa de todo esto. Esta enfermedad es un mal degenerativo del sistema nervioso que provoca entre otros síntomas la pérdida del equilibrio, movimientos desacompasados, etc...

La canción “Branquias Bajo el Agua” aparece como tercer tema en el disco recopilatorio titulado “CD” –una ocurrencia muy original de Alejo Alberdi, confundador del grupo- de la escasa carrera musical de este grupo procedente del barrio del Gros de San Sebastián. Por allí Poch muy famoso, andaba por esas calles llenas de los proles de ese barrio obrero y residencial al lado de la secundaria playa del Gros.

Por otra parte, lo que no me explico muy bien, es cómo este grupo pudo triunfar con una propuesta tan desordenada, tan extravagante, tan neurótica, pero evidentemente con esa atmósfera barriobajera, llena de polvo, de flúor en forma de pasta de dientes, de peces imaginarios en una pecera inexistente, de branquias que respiran bajo el agua. Pues bien, sólo hay una respuesta válida a todas estas interrogantes: ERAN LOS 80. No hay nada más que decir... La gente estaba loca por pasárselo bien, por probar cosas nuevas, por hacer el loco, por probar a sumergirse como Cousteau en las aguas del Cantábrico y poder ver peces de colores.

“Branquias Bajo el Agua” habla de unas branquias, unos peces, de un baile, que se funden magistralmente con estas frases tan veraniegas para una canción –eso que se da en llamar canción del verano- Tras una introducción muy profunda de caja de ritmos y sintetizador moderno del año 1982 comienza a decir Poch: branquias bajo el agua es el baile de actualidad, branquias bajo el agua ideales go-go’s, siente la tentación de arrojarte de una vez en tu pecera, ¡cielos! Los peces asustados... aiiiiiiiii...... Seguidamente empieza a describir algas verde-azuladas o lo que podría ser un documental de los fondos marinos con muchos colores, algún besugo suelto, algún congrio, alguna morena enseñando su dentadura sonriente... Después de todo esto hay un solo de guitarra acojonante, de estos que me gustan tanto, sencillo, sin muchas florituras logrando conseguir un clímax sonoro mientras Poch se dispone a sumergirse en su pecera para salir y sumergirse en otra... Es cuando Poch dice insistentemente al final de la canción INMERSIÓN EN MI PECERA, INMERSIÓN EN TU PECERA... ¡¡¡¡LISTOS PARA LA INMERSIÓN!!!!

Y bueno, señoras y señores, espero que no se hayan mareado mucho en la proa de este barco porque ahí estoy yo para guiarles por la buena música o al menos la música selecta o rara. Espero que sirva esto para honrar el atrevimiento e ingenio de cualquier músico.

Saludos desde los fondos marinos, creo que aquí me quedaré hasta que venga la próxima glaciación.

TE RECUERDO AMANDA de VICTOR JARA


La canción de la que voy a hablar tiene dos protagonistas: AMANDA y MANUEL. La canción va sobre la problemática del trabajo precario que todavía estamos padeciendo. La canción TE RECUERDO AMANDA data del año 1971, en el Chile de Allende, antes de venir la barbarie de Augusto Pinochet. Bueno, esto lo voy a dejar a un lado. Todos conocemos más o menos lo que ha sido esta dictadura. Esto es lo que se llama dictadura totalitaria, que tiene como cometido tener bajo la bota a la gente que pide “libertad”.

Lo más importante de la canción es el sentimiento del amor que sienten dos trabajadores: que son AMANDA y MANUEL. Cuando Víctor Jara canta: te recuerdo Amanda, la calle mojada, corriendo a la fábrica, donde trabajaba Manuel, la sonrisa ancha, la lluvia en el pelo, no importaba nada –ibas a encontrarte con él, con él, con él...- son 5 minutos, la vida es eterna en 5 minutos, suena la sirena, de vuelta al trabajo, y tú caminando, lo iluminas todo, los 5 minutos te hacen frorecer...

Voy a explicar en unas escuetas frases lo que en estas palabras llenas de sentimiento y apasionamiento, Víctor Jara quiere decir. A mi entender, lo que aquí explica Víctor Jara, es que en 5 minutos puede haber un mundo, un universo, una odisea, todo está en la mente, todo queda grabado en el tiempo, todo quedará en un disco, todo está expuesto en un disco polvoriento recogido de alguna casa, después de haber sido quemados todos los master de Víctor Jara en su país. Creo que en esta canción –AMANDA- es la verdadera imagen de la devoción amorosa, aprovechando hasta el último minuto en que instantes después moriría en una explosión como otros obreros su amado MANUEL, ya que en la canción dice: “muchos no volvieron...” Acto seguido, Amanda, se despide de Manuel cuando la suena la sirena de la fábrica; Amanda después de haberse encontrado con Manuel, se la ve una sonrisa de oreja a oreja, por haber compartido ese instante antes de que su amado Manuel muriera. No hay palabras...

Ante canciones tan grandes como ésta, creo que no quedan palabras suficientes para hablar sobre ella. Bueno, en la segunda estrofa, hay unas últimas frases que son muy emotivas, que es cuando Manuel queda destrozado por la explosión, como también lo quedan otros. Es una historia triste, es una historia del siglo XX, es una historia del proletariado, que en todos los sitios del mundo es lo mismo; en unos sitios, se mata la gente, en otros sitios son muertos en vida, en otros sitios te da la risa... Pero hay un denominador común: que es la tragedia de vivir como vivimos, donde vivimos, sin pasar sin pena ni gloria. Y precisamente lo que consigue Víctor Jara es un epílogo preciso y apasionante sobre un momento que desgraciadamente se repite todos los días: en cualquier lugar del mundo muere un trabajador o trabajadora. Es el único cantautor que ha hecho del movimiento obrero una muestra de grandeza y orgullo.

Aunque volvamos a la realidad, que aunque sea en forma de canción, es muy real; al final de la canción, el personaje de la canción se convierte en héroe, muriendo en una fábrica sucia, antes de despedirse de su mujer, sin él saberlo, y sin ella saberlo, o quien sabe: intuyéndolo. Manuel partió a la Sierra y encontró la muerte en una maldita explosión...

Bueno, despidámonos de Amanda y de Manuel. Como dice el título de la canción, recordamos el nombre Amanda, y de lo buena que es la canción.

domingo, 11 de febrero de 2007


EN SÓLO UN SEGUNDO de AMARAL

Hay 3 calificativos que se pueden emplear para esta canción que os voy a comentar –En sólo un segundo del grupo AMARAL- Es una canción larga, es una canción elegante, y es una canción sobre todo NOCTURNA. Cuando uno la escucha se queda atrapado dentro por la belleza que desprende.

La canción habla sobre la fina línea entre la vigilia, el sueño, el amor, la conexión humana telepática, y otras muchas cosas más que no puedo explicar. Como dice la canción en su título, habla sobre lo que puede dar un segundo de sí, pero no en el plano material, sino en el plano astral. Eva Amaral dice aquí que en sólo un segundo ha comprendido lo que importa y lo que no.

Hay una frase, que es la primera de la estrofa – FUERA SOPLA EL VIENTO, FUERA ESTÁ LLOVIENDO, UN AULLIDO ATERRADOR. Para mí es el mejor principio que podían haber elegido. Da una sensación de vulnerabilidad ante todo lo que nos rodea, el clima, los elementales, da a entendernos que lo que no vemos también existe. Y sobre todo, y algo que importa sobre todo lo demás, que es vivir las energías que nos rodean. No sé, creo que es algo muy íntimo. Como dirían en la serie EXPEDIENTE X –La verdad está ahí fuera-. Y yo añado: ¿o está aquí dentro?

No sé si habréis visto la película CONTACT. Para mí hay una escena que me parece maravillosa; es la primera escena donde se ve todo el cosmos, pasando por todos los planetas de la Vía Láctea, hasta llegar a la Tierra, pasando por las diferentes capas que tiene la atmósfera. Y al final, el objetivo de la cámara acaba saliendo por el ojo de la niña protagonista, que interpreta Jodie Foster. No sé si entendéis lo que quiero decir, a colación de lo que he dicho con EXPEDIENTE X, que la verdad está dentro de nosotros, el universo somos nosotros también.


Bueno, vamos a ir a lo importante que es la canción. Primero la canción empieza con unos sonidos electrónicos que parecen sonidos de otros mundos, acto seguido nos está martilleando una batería electrónica, que marca el ritmo tortuoso del tema. Eva Amaral comienza a cantar esas palabras mágicas de FUERA SOPLA EL VIENTO... Luego viene el estribillo “en sólo un segundo, he comprendido lo que importa y lo que no, el fin del mundo, la tormenta y el dolor, quedan muy lejos de esta habitación...” En fin, que yo al escuchar esto, siento que queda todo muy lejos, pero muy muy lejos. Es increíble, los sentimientos que transmite Eva Amaral aquí. Y lo mejor de todo, es que esta gente no son pretenciosos para nada.

Hay otra frase que me encanta: “como un mantra conocido por los dos, no son fantasmas, es mi espíritu el que habla, entra en tu sueño y te grita desde lejos que te quiero...” En fin, he comprendido lo que quieren decir, y todos lo sabemos, pero es tan profundo que no se puede expresar con estas teclas de ordenador.

Un saludo, aficionados a la música. Espero que no tengáis complejos al escuchar la música. Ya sé que Amaral le tira para atrás a más de uno. Pero esta canción es maravillosa, hermosa y profunda.

Quiero acabar con otra escena de la película CONTACT, cuando “Chispita” le pregunta a su padre, que si hay vida en otros lugares del universo. El padre le responde que todavía no se ha encontrado vida en ningún sitio, pero que si fuera así, cuánto espacio desaprovechado...

Se me olvidó daros los deberes, porque si no conocéis todavía el disco “Estrella de Mar”, os invito a que lo escuchéis, y sobre todo este temazo que es el último del disco.




THE CELEBRATION OF THE LIZARD – Comentario sobre este tema de Morrison

Hay varias preguntas sin responder que me rondan la cabeza sobre este tema de The Doors, y más concretamente este poema de Jim Morrison. Originalmente apareció en el disco de The Doors –Waiting For The Sun-, como una pequeña parte titulada “Not To Touch The Earth”. Pero donde aparece en su formato completo, es en el disco en directo “Absolutely Live”, “The Doors In Concert”, bueno, y otros tantos discos piratas.

La gran pregunta es: ¿a qué se refería Jim cuando hablaba de serpientes, leones en celo, vagabundos babeando, cuerpos en la calle pudriéndose, extrañas criaturas de toda condición, fósiles, cavernas y tías cachondas con pezones en vez de pestañas? La respuesta es: EL APOCALIPSIS, EL DESORDEN y EL CAOS, es decir, este mundo de locura sin fin. Si veis la película “Apocalypse Now” entenderéis perfectamente lo que os digo.

Bueno, creo que empezaré haciendo una descripción lo más fidedigna posible sobre este temazo de The Doors, un absoluto gustazo para los sentidos.

La primera parte de la canción empieza con la descripción de unos cuantos horrores que ocurren en la calle, supongo que después de una resaca de Jim en una habitación de un hotel después de haber comido pollo frito con un batido de vodka. Esta parte habla de leones en la calle y perros vagando por la calle y en medio de todo eso hay una fiera enjaulada en medio de la ciudad y el cuerpo de una madre pudriéndose también en el centro de la ciudad. Parece ser que el alma de este cuerpo empieza a vagar por la ciudad y cruza varios territorios que voy a describir ahora.

Este ente parece ser una bestia compuesta de humano y reptil que se despierta en la habitación de un hotel verde. Después de todo esto ya nos preguntará Jim si estamos todos dentro:

¿Ha entrado todo el mundo? ¿Ha entrado todo el mundo? ¿Ha entrado todo el mundo?
La ceremonia está a punto de empezar

En este momento nos despertamos en un lugar desconocido donde parece hablar de su novia Pamela Courson, ya que habla de su oscuro pelo rojizo, color de pelo que tenía su novia. Según muestra la canción el narrador (Jim) está encerrado entre sábanas, que son prisiones desiertas y tiene la necesidad inmediata de ir corriendo al baño y mirarse al espejo y preguntarse sobre las cuestiones principales de esta vida, ¿a dónde voy? ¿a dónde te diriges Jim? ¿Jim a dónde vas? Aquí Jim probó el sabor de la sangre fresca cuando hizo un corte en algún miembro de su cuerpo, y se restregó con los azulejos que eran frescos y lisos. Todo un gustazo del cuerpo... que a todos nos gusta hacer por las mañanas cuando hay –4ºC, bromas aparte.

Aquí llega la segunda parte de la historia, que trata sobre la filosofía freudiana. Es donde empieza el juego de la introspección. Eso que todos hemos hecho de vez en cuando. Este juego trata de viajar al interior de tu cerebro, olvidar quién eres, dónde estás, olvidarlo todo.

Es aquí donde Jim, te insta amistosamente a probar este juego, que es el juego de volverse loco:

Now you should try this little game
Just close your eyes, forget you name
Forget the world, forget the people
And we’ll erect a different steeple

Olvida el mundo, olvida a la gente, este juego es muy divertido y deberías venir conmigo. Sólo tienes que relajarte y seguirme, eso es todo. Toma el peyote y ven conmigo –come on!-

La tercera parte de la historia es la dedicada al tripi. Jim retrocede hasta las profundidades de su cerebro y llega hasta donde nadie ha llegado nunca y todo el mundo le gustaría saber cómo llegar. Esta forma es la de tomar peyote e ir al desierto. Si queréis aprender cómo ir, tendréis que ver la película de Oliver Stone “The Doors”.

Este mundo al que Jim viaja parece coincidir con un paisaje prehistórico donde todo es sobrenatural, irreal y cómo no, abundan los reptiles. La descripción es una mezcla entre el mundo prehistórico de los dinosaurios donde no hace nada más que llover, y los chaletsy moteles adosados de algún desierto de Arizona o Nevada.

Después de toda la orgía en el motel, viene la cuarta parte. Alguien te ha despertado y te informa de que ha habido una gran masacre en la ciudad. No debes pararte para nada, -no te detengas a hablar o mirar, tus guantes y tu abanico están en el suelo, estamos saliendo de la ciudad, nos escaparemos y quiero que vengas conmigo- . Enérgicamente, Jim le dice a su novia que vaya con él inmediatamente y corran sin parar por su vida (el ácido hizo su efecto).

NOT TO TOUCH THE EARTH

El ajetreo de esta cuarta parte es indescriptible; seguramente es una de las mejores partes de la canción. Por así decirlo es el hit del verano, porque habla de la salvaje brisa, la casa en la colina, las sombras de los árboles, igual nos encontramos también a Norman Bates por ahí, ¿quién sabe? Lo indudable es que si no quieres que la canción del verano te coja, TIENES QUE CORRER, CORRER Y CORRER. Y NO MIRES ATRÁS. Ha habido un asesinato en un coche, el alquitrán de la carretera arde, y también hay un presidente muerto dentro del coche. ¿Se referirá a J.F.K.? La respuesta es sí. A mí esta parte me recuerda mucho a los salones desiertos del hotel que aparece en la película de Kubrick “El Resplandor”.

Si sabemos leer entre líneas, aquí Jim, cuando dice que la hija del ministro está enamorada de la serpiente, podría estar hablándonos de miles de cosas. Es increíble lo que estas palabras pueden causar en la mente. Y mentar a la serpiente, un reptil que copula con un humano, nos podría recordar a algún presidente de cierto país. Para profundizar más sobre esto que digo, estos temas de corruptelas políticas, perversiones y demás cosas oscuras, recomiendo ver las películas de David Cronenberg, películas como “Rabia”, “Videodrome”, “Vinieron de dentro de...”. Llegado a este punto es cuando Jim decide poner fin a la canción “Not to touch the earth” diciendo a su chica que ya se puede ver el sol, la luna, los infiernos, que todo quema, y que pronto llegaremos y nos relajaremos, porque hemos llegado a la tierra que me vio nacer.

LA QUINTA PARTE

Esta es la parte en la que Jim hace un inventario de las cosas que hemos visto, de lo hermoso que es todo, de que todos somos uno, el mundo es uno y de que todo es hermoso. Hemos bajado por ríos y autopistas, hemos bajado por bosques y cascadas. Hemos pasado por Carson, Springfield y Phoenix, ¿qué más quieres ver? Y te puedo asegurar que conozco todos los lugares de mi reino, chica...

Aquí va la última parte de la canción que os transcribo a continuación:

Durante siete años habité
El disoluto palacio del exilio
Jugando extraños juegos
Con las chicas de la isla
Ahora he regresado
A la tierra del justo y el fuerte y el sabio
Hermanos y hermanas del pálido bosque
Oh hijos de la noche
¿Quién de vosotros escapará de la persecución?

Ahora llega la noche con su legión purpúrea
Volved ahora a vuestras tiendas y a vuestros sueños
Mañana llegaremos a la ciudad donde nací
Quiero estar preparado.

Para mí esta es la parte de la canción que más tranquilo me deja, porque he participado con Jim en el viaje. También me hubiera gustado jugar al parchís con las chicas de la isla. He vuelto del viaje y ya he venido a Bilbao. Saludos.




Comentario: Roberto Marcos (colaborador especial para Blancanus).

PINK FLOYD – UNA HISTORIA EN CINCO CANCIONES

Hola amigos, esta vez me he puesto a escribir no sobre una canción en exclusiva, sino de una cadena de cinco canciones del disco de Pink Floyd – The Wall. Las canciones son: HEY YOU!/IS THERE ANYBODY OUT THERE?/NOBODY HOME/VERA/BRING THE BOYS BACK HOME. Para mí es la parte más reseñable de este disco, o al menos, en ciertos momentos como estos días de invierno, me apetece escuchar de vez en cuando canciones tristonas y otoñales como éstas. ¿Alguien ha oído hablar de Vera Lynn? Alguien si va a un supermercado y va a la sección de cedés de ofertas, posiblemente verá un doble disco de Vera Lynn. Yo no la he escuchado, pero parece que es una de esas cantantes de música ligera que cantaban después de la Segunda Guerra Mundial, para levantar la moral a la gente. Todo esto os sonará un poco raro, pero Vera Lynn tiene mucho que ver con esta serie de canciones, ya que la canción “Vera” dice así: ¿Se acuerda alguien de Vera Lynn?/¿Recordáis que dijo que nos volveríamos a encontrar en algún día soleado? ¡Vera! ¡Vera! ¿Qué ha sido de ti?/ ¿Alguien más aquí siente lo mismo que yo? Creo que es una letra breve pero muy intensa diría yo. En fin, vamos a empezar comentando las canciones citadas en las primeras líneas.

Estas canciones están ubicadas al principio del disco 2, que todo el mundo metido en el tema, ya sabrá. La canción “Hey You”. Pues la canción empieza con un arpegio de guitarra excepcional. Es un arpegio profundo y delicado, seguido de unos toques de bajo que anuncian que algo muy triste está ocurriendo; y de eso es de lo que va la canción: de la soledad del ser humano en este mundo deshumanizado. Empieza a cantar David Gilmour: ¡Eh tú! Ahí fuera en el frío, quedándote solo, haciéndote viejo, ¿puedes sentirme?, ¡Eh tú!, el que está de pie en el pasillo, con los pies escocidos y sonrisas marchitas, ¿puedes sentirme?... no les ayudes a enterrar la luz... Básicamente de lo que estamos hablando es de la situación actual en la que nadie se mira a la cara por las mañanas cuando va en el autobús o en el metro, que a nadie le importa nada, que nadie se preocupa por nadie y un largo etcétera de situaciones lamentables que vivimos a diario por la deshumanización de las personas. El disco está grabado entre 1979 y 1980 y ya apuntaba maneras de lo que era el mundo moderno en los “alegres” años 70. Estoy diciendo que este disco sólo se podía grabar en aquellos años cuando había más actitud ante los problemas, más vinculación con la vida social de la calle, más preocupación activa o pasiva. En fin, que no estoy diciendo que nos estemos comiendo la cabeza, pero sí que estemos alerta ante lo que ocurre.

¿Seguimos en el hilo musical? Sí. En el medio de la canción, después de daros un discursillo, hay un doblaje de guitarra, que no es exactamente un solo de guitarra, pero es una obra maestra de Mister David Gilmour; es una maravilla técnica oírle tocar de esa manera tan sentida. Un solo perfecto. Seguidamente siguen cuatro líneas que a cualquiera le enferma el simple hecho de escucharlas: Pero sólo era fantasía, el muro era demasiado alto, como puedes ver. No importa cómo intentó escapar. Y los gusanos se le comían el cerebro... Precioso... Y al final de la canción aparece la voz de Roger Waters, en la línea de la primera estrofa, acabando con esta frase: JUNTOS RESISTIMOS, DIVIDIDOS CAEMOS.

La segunda canción que os comentó, es una canción corta pero también muy intensa, es de las más emotivas que he escuchado. Empieza la canción con el sonido del sintetizador de Mister Richard Wright, y una frase repetida varias veces: IS THERE ANYBODY OUT THERE? -¿Hay alguien ahí fuera? Pues seguimos con el tema recurrente de la primera canción, que es la soledad. Después de que desaparece la voz, entran un par de guitarras españolas, haciendo un doblaje maravilloso, que te pone la carne de gallina.

Viene el tema bombazo de las cinco canciones: NOBODY HOME. Si alguien ha visto la película de Alan Parker – The Wall – con música de Pink Floyd. En la escena en la que sale esta canción, está Bob Geldof viendo películas antiguas de guerra, de esas películas que ponían durante la guerra para dar ánimos a la gente, que son totalmente propagandísticas, está en una habitación en la que sólo hay una tele, una lámpara de pie y un sofá, y mientras está en el sofá no hace nada más que cambiar de canal, eso que hoy día se llama “zapping”, pero yo lo llamo “cambiar de canal”. La letra de la canción habla de las cosas que tienes en una casa, pero que muchas de ellas, pasando el tiempo las amontonas, y no te sirven para nada. –“Tengo un pequeño libro negro con mis poemas dentro/Tengo una bolsa con un cepillo de dientes y un peine dentro/Cuando soy un buen perro, algunas veces, me echan un hueso dentro/Tengo gomas elásticas sujetándome los zapatos/Tengo tristeza por esas manos hinchadas/Tengo trece canales de mierda para escoger en el televisor...”

Después de decir todas estas cosas que tiene, cosas de esquizofrénico, porque el disco entero está dedicado a Syd Barrett, y también otros discos de Pink Floyd; Syd Barrett: ese diamante que brilla y un día dejó de brillar por meterse en el cuerpo más mierda de la cuenta. Lógicamente la canción habla de Syd Barrett, leyendo unas cuantas cosas de la canción como estas: Tengo manchas de nicotina en los dedos, tengo una cuchara de plata en una cadena, tengo un soberbio piano para colocar mis restos mortales, tengo salvajes ojos penetrantes, tengo un fuerte deseo de volar, pero no tengo a dónde volar, ooooh pequeña cuando cojo el teléfono, sigue sin haber nadie en casa, tengo un par de botas Gohills, y mis raíces están marchitándose. Cuando uno ha visto la portada del disco de Syd Barrett – The Madcap Laughs - , se puede imaginar uno esta letra tranquilamente, porque Syd Barrett en esa famosa foto tiene unas pintas que ni te cuento... Resumiendo, la letra de la canción habla sobre lo que siente un enfermo mental ante lo que le rodea, que en este caso es aislamiento.

Seguidamente, viene la canción “Vera”, que ya he comentado antes, que Roger Waters canta con una sensibilidad digna de Tim Buckley. Es una canción profundamente nostálgica, de un ayer que existió y el protagonista de la historia lo repite en su cabeza todos los días y se pregunta por qué nadie se acuerda de Vera Lynn, y está solo pensando que es el único que sabe de la existencia de Vera Lynn.

Para terminar con el rollo que os he contado, ahora ya puedes traer a los chicos de vuelta a casa. Así es como reza el título de la canción: BRING THE BOYS BACK HOME. Aquí no hay lugar para la imaginación. En la película se ven a todos los chicos volviendo de la batalla, algunos lisiados, otros sordos, otros locos, vamos todo muy bonito, cosas que sólo nos pasan a nosotros –los proles- Y los chicos volvieron sanos y salvos de la guerra, pero volvieron con unas heriditas, que con un poco de mercromina y agua oxigenada se irán con el tiempo...

Bueno, señores y señoras, saludos desde mi búnker.

sábado, 10 de febrero de 2007


THE CURE – Open

Cuando escuchamos a The Cure vemos cosas tenebrosas, muy turbias, terroríficas, tortuosas e infinidad de adjetivos que podría buscar en el diccionario Espasa, pero no me da la gana de buscar. Tengo ganas de escuchar esta noche la canción “Open” y no hacer otra cosa que poner la función “repeat” de mi aparato de sonido para poder escucharla una y otra vez.

La temática de esta canción es muy atrayente: HABLA SOBRE LA NOCHE, LA CONFUSIÓN, EL CEREBRO EN PLENA EFERVESCENCIA NOCTURNA, EL VIAJE MÍSTICO ACOMPAÑADO DE UNOS ACORDES DENSOS Y LARGOS... MUY LARGOS...

Robert Smith tuvo una gran idea al crear este pedazo de canción. Es el primer tema del álbum “Wish” –os recomiendo que os veáis si podéis el vídeo de la gira de 1993, llena de sombras y luces azules y rojas estratégicamente puestas sobre los pelos llenos de todo tipo de cosméticos y tintes negros, y sobre todo lo más importante: los pelos sobre la cara para que no se vea el más mínimo sentimiento positivo. Una verdadera maestría en la puesta en escena de “The Cure”.-

El tema “Open” empieza con unos acordes con algún que otro efectito para meternos desde el primer segundo del disco en el universo sonoro de Robert Smith y compañía. El bajo hace los honores creando, aún si cabe, una atmósfera más densa; para mí una de las introducciones de The Cure más curradas en la que se alternan dos guitarras bien combinadas. Acto seguido ya llega la fiesta de los disfraces en algún antro de Londres o de Manchester, ¿quién lo sabe? Robert Smith nos lo cuenta... Allá vamos... Abrimos la puerta del local... La puerta es negra... Se oye música estridente... Entra antes de cerrarse la puerta pesadamente mientras entra más gente detrás y te empujan y entras a apretujones y no puedes respirar muy bien, su piel se vuelve viscosa por efecto del calor, el sudor, el humo del tabaco y el aliento de la gente... Todo nos hace pensar que esa noche no vamos a acabar muy bien.

Ésta es la sensación que da la canción, una pesadilla sonora sin fin, parece que nunca se va a acabar, pero sigamos con la fiesta, que estaba muy divertida, ¿no creéis? Entonces alguien viene y te pregunta si quieres una copa y que te va a presentar a unos tíos muy interesantes que saben de arte y esas cosas raras y luego acabas en el otro lado del local hablando con gente que no conoces. Vuelves al mismo sitio donde habías entrado con los amigos porque se te acabó el contenido de tu copa y acarreas más material y a volar. Después de unos minutos largos, miras el reloj y todavía no ha pasado mucho tiempo, pero después miras otra vez y ha pasado una eternidad... Y vuelves a tomar una copa. Tienes que ir a orinar porque ya no aguantas más y te encuentras con la misma gente de antes, porque todos son iguales, todos se ríen, todos bailan, todos fuman, todos beben, todos se divierten y hay que hacer algo: HAY QUE SALIR DEL LOCAL PORQUE EL AMBIENTE ESTÁ DEMASIADO CARGADO. Y la verdad que no deberías haber bebido tanto y te sientes cansado y asqueado de todo y decides irte a casa ya.

Bueno, creo que he sido gráfico con las palabras y habréis disfrutado de una buena borrachera de letras, puntos y comas y si volvierais a leer esto acompañado de una copa, mucho mejor, entenderíais todo. Cada uno que entienda lo que quiera, las sensaciones son subjetivas.

Y para que veáis mejor lo que explica la canción, os lo voy a poner traducido al español. Todo un lujazo. Vais a veros envueltos en una de esas borracheras en el Antzoki a eso de las 6 de la mañana. Y cuando leáis la letra y la metáis en un PDA os aconsejo que vayáis donde Josetxo Anitua para que os ponga la canción, seguro que le gustará la idea...

OPEN

No sé lo que hago aquí. Habría hecho mejor en irme a la cama pero... Sólo una copa, quieren conocerte. Te gustarán, nos caen muy bien. Te prometo que nos iremos dentro de una hora. Te traeré otra mientras saludas a todos.

Aquí estoy agarrado a la copa. Mi boca, las sonrisas se acercan, se abren de par en par al levantarme. Sonrisas demasiado radiantes. Respiro demasiado hondo, la cabeza me da vueltas. El ambiente está cargado, tan cerrado. Empiezo a tambalearme. Las manos que me sujetan ya no tienen nombre. No se van. Y vuelta otra vez.

Me doy contra desconocidos. Y aún no son las 11. Abro los ojos como un niño y alguien me da el paraíso. Y lo acepto de rodillas como otras mil veces antes. Me transfiguro o al menos me lo figuro. Mirando al suelo, estoy mirando al suelo. Y empiezo a sonreír como un animal agonizante. Tengo sangre en las manos. Tengo manos en el cerebro. La primera arcada me deja con ganas de más. Grito de mala manera al ver que se acerca al suelo.

Estoy tirado de espaldas. Las luces y las mentiras me ciegan. Los colores, la música son estridentes. Parece que mi cabeza se hincha. Vuelta a empezar. Vuelta otra vez. Río, doy saltos. Canto, río, bailo, canto, río, río. No consigo saber dónde estoy ni quién soy. Tampoco sé por qué sigo, por qué lo saco, por qué lo tiro, por qué lo hago, por qué lo echo. Así como cae la lluvia a raudales, me siento por dentro.

Ya no aguanto más lo que soy, en lo que me he convertido cuando mi vida se petrifica. Muevo la boca. Muevo los pies. Te digo que te amo a muerte como si mi vida dependiera de eso.

Todos mis juegos, todas mis sonrisas, todas las copas, y bebo hasta enfermar. Todas mis muecas, todas mis sombras, toda la gente, todas las palabras me dan asco. Me siento tan cansado. Así como cae la lluvia a raudales, me siento por dentro.